MY DAD IS DEAD. "A divided house" (2005)

Se acaba 2023. En un rato. Así, como el que no quiere la cosa, adiós a 365 días repletos de luces y sombras, y damos el hola a 2024 cruzando los dedos para que por lo menos nos quedemos como estamos. 

La fortuna ha querido terminar este año con quizás la recuperación del año, My dad is Dead, y este su mejor disco, todo un compendio de melodías que te dejan helado, y que contiene la mejor canción que he escuchado en este año, "Novocain" y ese drama imperfecto, y esas tristeza que se eleva a través de las guitarras. 

Liderados por Mark Edwards, la banda empezó a principios de los 80, y sus primeros trabajos no estaban muy lejos de Wire o Mission of Burma. Es en los 90 cuando la cosa se pone más interesante, y a partir de "Chopping down the family tree", todos sus trabajos, hasta el que pone fin a su carrera en 2009, "A new clear route", son de obligada escucha. Y es que My dad is Dead eran muy buenos. 

El comienzo de "A divided house" no puede ser mejor con "Unmade" y "The Ladder", seguida por ese hit instantáneo de indie rock que se llama "My safe place". Y es cuando de repente viene la tormenta, la rabia que te deja helado: "Novocain". Se me erizan los pelos desde el minuto 1 hasta el final de un tema que debería ser un referente para los que aman el indie rock con sus coordenadas de tristeza y su veneno de amor. Maravillosa. La habré escuchado unas 50 veces y no te cansas de ella. 

Pero lo que hace a "A divided house" un disco redondo es encontrarte con "Maze of my mind" y su rubor y su encanto, o a "Once you know", una de las que más se curan en distorsión. "Oasis" es otra tormenta de melodía y "The Well" es el otro punto fuerte del album junto a "Novocain". Pura catarsis. 

Ya casi al final, el punk de "Consequences" y el canto del cisne con el tema que titula el disco. ¿Que más se puede decir de un trabajo que se disfruta de principio a fin? Vaya manera de acabar 2023, de la mejor manera posible, con un grupo de esos que hay que desenterrar ya si o si. Feliz Año!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

EGYPTIAN BLUE. "A living commidity" (2023)

 Casi para acabar el año, otro combo de post punk para apuntar en nuestra libreta de bandas emergentes con suficiente capacidad para que nos hagan vibrar. Los de Brighton no podían empezar mejor su disco con la soberbia "Matador", donde dejan a las claras todas sus influencias, donde se retuercen con gusto en guitarrazos y distorsión, como ese subidón que te da "Nylon wire". 

Los conocí por unos videos en directo en youtube, y la verdad es que en disco no defraudan. Se toman en serio eso de especular con su sonido brutal, y hacen cosas como "Skin", un vaivén de psicodelia y percusiones rabiosas que se entretejen en un murmullo de sonidos que aprisionan.

Como "In my condition" y ese maremoto que te deja rendido en un pis pas. La que titula el disco baja el pistón de las toneladas de rabia, para acercarse a su manera a Fountain DC. Pero la cosa sigue por su camino, y "Suit of lighst", aunque también en suavecita, posee dosis de veneno suficiente para un carrusel de juventud imperecedera. 

Vuelven a sonar violentos con "To be a felt", para en "Contain it" y "Geisha", conformar el final de un disco radiante y estruendoso. Estaremos pendientes de ellos. 

CHAFOUIN. "Trois, quatre" (2023)

 

Mathroch divertido. Así porque no, podíamos definir la oferta sonora de este grupo galo de Brest, que es un divertimento de principio a fin, con sus ruidos alocados entre murmullos de guitarras que son como aspaviento ("Et fanto dans tout ça?). 

"Tortue" y "Ex choco" divagan en los conceptos donde el mathrock se erige: sonidos matemáticos, lineales guitarras y distorsiones para dar y tomar, pero aquí con el aporte peculiar de borbotones de palabras que se cruzan en el geiser de una música siempre vibrante. 

"En mode glass" parece una recreación anárquica del mundo de la Penguin Cafe Orchestra, y "Déjà" es otro pulso acelerado que nos da pie a meternos de lleno con "Tic tac" y esa rupturista manera de construir carcasas de electricidad que atrapa. 

Mi favorita, "Un ligne de basse" es urgente y torrencial , como "Nouevelle ancianne" y esa capacidad para explorar espacios donde el caos se apodera de todo el mapa sónico que explota y rabia entre lamentos y flamas incandescentes. 

Para terminar esta lisergia, "Sombritude" siempre su caparazón de lluvia de colores que marchitos se expanden entre campos repletos de ritmos rotos y soberbios. Buen grupo a seguir Chafouin, para los que nos tomamos en serio esto del mathrock.

MORRISSEY. "Bona drag" (1990)

 

Nada mejor que meterse de lleno en este álbum recopilatorio que sacó Morrissey en 1990, con sus mejores canciones hasta la fecha, para que el mono que tenemos de The Smiths se nos quite con esta andanada de melodías que nos hacen recordar a la querida banda de Manchester. 

El inicio no puede ser mejor con "Piccadilly palare" y "Interesting drug". Y es que lo importante de "Bona Drag" es que la mayoría de las canciones que lo componen no estuvieron incluidas en ningún disco, salieron como singles, y Morrissey se vino a bien crear este disco, de lo mejor que ha hecho, con temas tan imperecederos y tarareables como "November spawned a monster" donde da lo mejor de sí mismo con el lirismo al que nos tiene acostumbrados.

Y es que no debemos de engañarnos, lo mejor de Morrissey está en sus primeros discos, donde desarrolla una carrera a rebufo del sonido de The Smiths, jugando a caballo ganador, componiendo estelares tracks como "Will never marry" o "Such a little thing makes such a big difference". 

Himnos del calibre de "Quija board, ouija board" donde se dirimen los aspectos fundamentales de una forma de crear que ennoblece al artista a pesar de los pesares, de su carácter tan dado a que le detestemos por muchas de sus actitudes. Pero aquí en "Bona drag" hablamos de música, de buena música, y tenemos para dar y tomar con pepinazos del calibre de "Hairdresser on fire" o ese otro hit inmortal "Everyday is like sunday", pura medicina para nuestros humores interiores. 

La triste "Yes, i am blind" hace que se te erice el alma, como ese otro dulce envenenado que es "Lifeguard on duty". En resumen, caigas donde caigas en este disco tan necesario si eres amante de The Smiths y del primer Morrissey, hará las delicias de los nostálgicos. Puro fuegos de artificios colosales. 

DROP NINETEENS. "Hard light" (2023)

 

Me pasó con lo último de Slowdive y me ocurre lo mismo con la reaparición después de 30 años de esta banda norteamericana, el tiempo no pasa en balde. Y ojo, que los trabajos de ambas bandas no son para nada malos, pero dejaron el listón tan alto que aun retumba en tus recuerdos sus músicas antiguas cuando te pones en el equipo sus discos de ahora. 

Y eso que "Hard light" empieza como un tiro, sin tanta distorsión como antaño pero con igual pegada, en los dos primeros títulos, la que titula el lp y sobre todo "Scape flow" donde dejan entrever la capacidad para crear espacios sonoros oníricos. 

Es cuando escuchas otros temas como "Gal", que siendo correcto, notas que faltas un punto más de detonación, algo más de brío para certificar que el shoegazing sigue siendo un terremoto. Como tampoco convence demasiado "The price was high" donde parecen unos Blonde Redhead desmejorados. 

Recuperan consistencia cuando escuchas "Rose with smoke" donde deambulan somnolientos entre nieblas y sofismas raros, o "A hitch" con ecos de los postulados de antaño. Pero es en la idea central de su música, en el resumen después de unas cuantas audiciones, donde se echan de menos esos guitarrazos que recordamos de ese portentoso disco que fue "Delaware".

"Another one another" parece que va a apabullar y se va apagando poco a poco a pesar del encanto que se intuye, como esa letanía insulta llamada "Policeman getting lost". Fallido regreso pues el de Drop Nineteens. Y es que cuando se ha dejado el listón tan alto......

MONO. "Hymn to the immortal wind" (2009)

 

¿Qué pasa cuando se unen la banda japonesa Mono y el mago de los estudios de grabación Steve Albini? Pues lo que suele pasar en estos casos, que Mono graban el mejor disco de su carrera, incrementado la de por si efectividad emocional de su post rock, con un sonido de esos que quita el hipo ("Ashes in the snow"). 

Y es que escuchar este disco a fecha de hoy, con el post rock ya en estado terminal (salvo contadas excepciones), es participar en una bacanal de climas interiores, de ráfagas de guitarras apalabrando citas con el sonido de cuerdas que te acunan y miman. 

"Burial at sea" es grandilocuente, la máxima expresión de una banda que sabe como trasladar las emociones a lugares donde es fácil perderse entre laberintos y sendas repletas de musgos evocadores, de suspiros que abrazan ("Sileng flight, sleeping dawn"). 

Y luego te topas de bruces con "Follow the map" y "The Battle to heaven", y sientes que si, que no es un milagro de lluvia y rocío embarazado, que esta música viene sin condimento posible, con alas en cada cadencia sónica que te estremece y te hace llorar. El mejor disco de Mono, un trabajo que hay que tener sí o sí. 

MINERAL. "The power of failing" (1996)

 

Mineral junto a Sunny Day Real Estate, son mis bandas favoritas de emocore. Las dos formaciones que más han sabido concretar esas sacudidas de guitarras, con unas melodías con propensión al quejido furioso como vemos en la primera track, "Five, eight and ten", que abre el que fuera su primer disco, donde casi se parecen a Superchunk. 

Sacaron sólo dos lps, pero dejaron una profunda huella. Y es que sus canciones son una andanada de esas que te engancha a las primeras de cambio como "Gloria" y todo ese poderío de distorsión que te deja sin palabras. 

"Slower" y "Dolorosa" son otras dos piedras de toque que supuran amargura por todos los costados, un aullido quejumbroso en medio de una buena bacanal de ruido. Mineral suenan convincentes, reparten a destajo altas dosis de emoción que la mayoría de los grupos de emocore no han sabido transitar (oyendo  sobretodo a Jimmi eat World, The Get up kids o Samiam que navegan en la divagación perpetua faltos la mayoría de las veces de esa rabia tan necesaria).

Temas redondos como "80/37" con ínfulas de dramas creíbles, o "If i could" con esa tranquilidad que rezuma una furia dormida para crispar tranquilidades. Qué buenos que eran Mineral. Que pedazos de temas como "July" que encandilan desde la primera escucha o "Silver", la más arrebatadora del disco. 

Solo dos trabajos les bastó para no caer en las apatía de sus compañeros de generación y estilo. Mineral, los grandes del emo. 

THE WEDDING PRESENT. "Bizarro" (1989)

 No lo puedo remediar. Son mi máxima debilidad. Mi grupo favorito. Y más tras la experiencia que jamás olvidaré que supuso verlos hace a penas dos semanas. Después de tantos años siguen siendo una auténtica medicina para el alma. Habría que tirarle de las orejas al promotor que se le ocurrió la estrafalaria idea de llevar a The Wedding Present a un auditorio con butacas. ¿Quién puede aguantar sentado viéndolos? 

Porque la verdad es que los que estuvimos allí asistimos a la confirmación que el grupo liderado por David Gedge sigue teniendo esa capacidad de perforarnos los corazones con sus distorsiones abrasivas, con sus melodías de fuego, con esa enorme rotundidad que hace que se deshojen los años de nuestra edad en una hora y media que nos hizo enfebrecer de felicidad. 

Valga el concierto para traer a Discos Pensados el segundo mejor disco de su dilatada discografía (el primero, ya lo he comentado por estos lares, es para el que escribe el mejor disco de la historia, "Seamonsters"). Y además con una edición especial con 7 canciones que no venían en el trabajo original. 

"Bizarro" vino tras el pistoletazo de su carrera que supuso "George Best", y no hace falta esperar mucho para que el corazón palpite con furia. "Brassneck" y ese vídeo que habré visto mil veces, y esa forma de sonar como nadie antes lo había hecho. ¿Qué puedo decir?  Los amo. "Crushed" es puro punk con voces que parecen margaritas, mientras David sigue ejerciendo su vocacional oficio de párroco de una música que sólo ellos han sabido fabricar.

 Siempre he pensado de The Wedding Present que eran una versión punk de The Smiths.  Para confirmarlo basta oír  temas como "No", y ese deje melódico que apabulla y te derrite. Y es entonces cuando llega una de las mejores canciones de su carrera, "Kennedy". Cuando la tocaron en directo, ya no podíamos aguantar sentados. Sedición y juventud, el cuerpo que vibra, el motín contra el paso del tiempo. 

Y como la cosa va de hits, aquí va otro. "What have i said now?",  y la rebelión es una victoria asegurada, los dedos intentan transcribir las sensaciones que provocan esa cadencia vocal, esas guitarras en irrupción, ese pop de mentira porque aquí solo hay furia. Y es entonces cuando suena otro escupitajo, "Granadaland" con la que cerraron su concierto. Se me saltan las lágrimas sólo de recordar.  Puro frenesí, un aullido salvaje, unas melodías que tengo grabadas desde hace tantos años en todo mi ser. 

Y esto es un no parar. Casi derribo el café que tengo en la mesa. El día anda preocupado con la niebla y suena "Take me" y se me erizan hasta los cabellos de los latidos que se pueblan de caballos y guitarras detonadoras. Y luego está el regalo de esta edición especial que empieza con "Unfaithful" y esa necesidad imperiosa como nos ocurre con los Wedding siempre, de no esta quieto cuando los oímos, de sufrir aspavientos de felicidad, de recordar esos momentos cuando con 20 años te encerrabas en el cuarto en casa y te dejabas llevar por esa corriente frenética.

A continuación te topas de repente con esa versión de Tom Jones, "It's not usual", y ya te quedas como loco, alucinado de ese fragor punk, de esa fuerza que te deja impávido, como borracho, excitado ante tanto guitarrazo y tanta canción explosiva. Y otra versión de "Brassneck" que iguala o supera a que inicia el disco, y que da paso a "Don't talk, just kiss",donde el pogo ya es imparable. 

Y termina este viaje con "Gone y "Box elder" y tengo que dar un largo trago de agua, porque parece que en el tiempo que he tardado en hacer el artículo hubiera estado corriendo una maratón. Oírles es todo un bálsamo, un disfrute sin igual, la consagración de la idea del poder salutífero de la música. 

BAR ITALIA. "The Twist" (2023)

 

El segundo disco del trio afincado en Londres, seguro que se aupará en las listas de lo mejor de 2023. Y lo hace con todo merecimiento por esa forma tan personal de desarrollar unas influencias que se notan por todos los costados, pero que han sabido transformar con una enorme solvencia y actualidad. 

Empezando con "My little tony" y "Real houses vibes (desperate house vibes)", donde es latente el influjo de Sonic Youth, pero aquí traducido en melodías decadentes que te dejan llevar, con la voces arrastradas en un abanico de sugestión colosal. 

"Twist" bien puede parecer un encantamiento de dream pop, para en "Worlds greatest emoter" convertir una simple canción con distorsión en un recuerdo afortunado de Ride. Más Sonic Youth en "Calm down with me" y ese comienzo que tanto nos recuerda a los jóvenes sónicos, o "Shoo" y esa capacidad para ir levantando un leve muro de sonido que te atrapa sin más. 

"Que surprise" suena como un crisol de guitarras explorando nuevos caminos entre letanías de voz y "Hi fiver", podía haber figurado en un disco de homenaje a los Pavement menos ruidosos. Otro punto fuerte es "Brush w faith" donde se dejan llevar por todas los discos escuchados de su discografía, que seguro apuntan a los 90. 

Vacilona les ha salido "Glory hunter" y mágica esa "Sounds live you to be there". Para terminar, "Jelsy" y "Bibs", para confirmar el enorme potencial de una banda que se ha merecido nuestro ojo escrutador. 

METZ. "II" (2015)

El segundo disco de una de las bandas de noise rock más interesantes que ha salido en estos últimos años no defraudo. Los canadienses empiezan con dos pepinazos: "Acetate" y sobre todo ese himno de mil pogos llamado "The swimmer". Un volcán. 

Mucha culpa del éxito de esta banda, se debe a la voz de su cantante Alex Edkins, que parece que está cantando demonios. Y lo bueno de Metz es que se las apañan de maravilla entre sonidos cercanos al grunge, "IOU", pero sin querer alejarse de ese espíritu punk que impregna todo este discazo, como "Nervous system" nos muestra. 

"Wait in line" es otro detalle del poderío de una banda que no deja prisioneros, que lo da todo en un disco que transportado al directo suena como una auténtica apisonadora ("Eyes peeled"). 

Con Metz, el noise rock está a salvo de aburrimiento y de caer en trampas falsas de acomodados sonidos para agraciar al público, como nos han demostrado los mediocres Idles con sus últimos trabajos. 

 

DUSTER. "Remote echoes" (2023)

 

La verdad es que se hacen cortas estas 14 canciones enlatadas en media hora, donde apenas podemos vislumbrar el enorme poderío de esta magnífica banda. Y eso que es un discazo de esos que te penetra en la primera oída. 

"Remote echoes" esta compuesto por canciones que habían salido en cassettes  y varios demos, y como lo que tiene Duster son fervientes seguidores, aquí viene su regalo en forma de canciones rotas como la penetrante "Before the veil" o ese minuto de "Cigarrettes and coffee" donde se parecen a Sparklehorse. 

Su slowcore aquí aparece algo enrabietado ("The weed supreme"), y cuando parece que empiezan a expandirse como en "Untitled 59", dan paso a otra canción, "I know i wont", para que no nos emocionemos demasiado tras su escucha. 

"Moon in aries" es delicada y repleta de una suavidad que envenena el alma, como "Glue" y ese deje de susurros que se enarbolan en el aire. "Testphase" y "Lost time" son aperitivos para una velada de teclados de otros tiempos y el minuto de "Strange" es un esbozo de una canción en proyecto. Porque "Remote echoe" es eso, un compendio de ideas resumidas en poco minutaje, y que deja ver el esqueleto musical de una banda sin igual. 

La más larga, con sus tres minutos y medio, "Untitled 84" da la autentica extensión e importancia de este grupo tan oculto y que tanto seguimos con ferviente emoción. Queremos más!!!!!!

SMOG. "Knock knock" (1999)

 

Es difícil elegir entre todos los trabajos de Smog, el grupo del necesario e imprescindible Bill Callahan. Este "Knock knock", el que fuera el séptimo en su carrera, quizás es el más inmediato, el que más te llega a la primera escucha. 

Basta con el comienzo, con la soberbia "Let's move to the country", y con la rugosa y guitarrera "Held", para cerciorarte que estamos ante algo grande. Porque también encuentras como siempre momentos para la reflexión y la calma ("River guard"), acompañados por guitarrazos de esos que despiertan a un muerto ("No dancing"). 

Tiempos de silencios y tragedias como en "Teenage spaceship" se dan la mano con hits soberbio como "Cold blooded old times" pura nicotina para tu corazón. Luego viene otra vez el drama con "Sweet treat" para de repente escuchar a unos niños tararear en "Hit the ground runing". 

Soberbio de principio a fin. Solo nos queda el final con "I could drive forever" y "Left only with love", y cerramos el círculo de este temario que te deja impactado. Y es que Bill Callahan siempre es fiable. Un dardo certero a tu alma. 

MELKBELLY. "Nothing valley" (2017)

 

Creo que nadie se ha acercado al influjo sónico de unas The Breeders digamos de mala leche, como lo hacen este grupo americano, que son una auténtica apisonadora, como lo demuestra este inicio brutal con "Kid kreative" y "R.O.R.OB". 

Agallas tienen las suyas para transitar también en tonadas que requieren una cierta dosis de pericia al acercarse a un indie rock envenenado con unas potente instrumentación que dice mucho de esta banda que no busca solo hacer ruido ("Greedy gull"). 

Sus temas arden en las manos ("Petrified"),  y en "Middle of" nos muestran el punto más punk para que quepa de todo en esta cajón desastre de esencias de los 90 hechas en el 2017. Favoritas tengo unas cuentas. Entre ellas ese mazacote llamado "RUNXRN",  o ese fogonazo llamado "Cawthra". 

Para terminar este corto y primer disco (que fue seguido en 2020 por el no menos interesante "PITH"), "Halloween" y su ramo de flores envenenadas. Un lujo vamos lo de hallar en el trastero de la memoria, bandas como Melkbelly. 

YANN TIERSEN. "Les retrouvailles" (2005)

Yann Tiersen no es solo el compositor que tuvo cierta fama en su día por ser el culpable de esta maravilla de banda sonora del film "Amelie". La carrera de Tiersen es todo un compendio de sensibilidad, hacedor de preciosidades como las que nos muestra en el que fuera su quinto disco. 

¿Qué se puede decir cuando te pones "Kala", y nos encontramos a nuestra musa preferida, Elizabeth Fraser de nuestros amados Cocteau Twins? La Orquesta Nacional de París le arropa, en este sensacional trabajo, donde en temas como "Loin des villes" se dejan llevar por un clasicismo arrebatador. 

Aparece el acordeón y los bulevares golfos en "La veillée", para de golpe toparnos con la gran Jane Birkin, que en "Plus d'hiver" nos deja sin palabras. El piano es el dueño indudable de "A ceux qui sont malades par mer calme", que da paso a "A secret place", donde el cantante de Tindersticks deja su granito de arena en esta bacanal de belleza. 

"Le matin" y "Les enfants" se hermanan en la tranquilidad y el arrebato y "Le jour de l'ouverture" con Miossec y Dominique A te dejan la piel de gallina. Suenan las guitarras en "La boulange" entre violines que se divierten para toparnos de nuevo con Elizabeth Frazer en "Mary". 

En resumen música inspirada de un músico que siempre supo conjugar a la perfección sus dotes para hacernos emocionar. 

 

MEAT WAVE. "Delusion moon" (2015)

 

Esta banda de Chicago nunca falla. Sus cuatro discos son un compendio de punk y distorsión, de ruido y algarabía, un festín que no se deja llevar por lo manido (como nos muestra la canción que titula el disco), y elaboran todo un enjambre de canciones perniciosas ("Network"). 

El lp es un volcán que no cesa, con temas incendiarios que te atrapan en su telaraña mortífera ("Vacation"), con  una contundencia voraz en cada tramo de canción, donde el goce y el disfrute está asegurado ("Sunlight"). 

Con Meat Wave no hay sitio para el respiro, para una tarde tranquila, para oxigenarse, lo suyo es bregar con distorsiones "Cosmic zoo", y jugar con nosotros al escondite como muestran en la solventa y casi experimental "Withcraft". 

Lo tienen claro, Pegada, punk, y disparates ("Sham king"). Temas como "NRA" que son un viento que congela y apabulla, o ese pedazo de himno llamado "I was wrong". Punk del siglo XXI para que no nos despistemos demasiado. 

THE WEDDING PRESENT. "24 songs" (2023)

 

Contando estoy los días para que llegue el 25 de noviembre y asistir al concierto del grupo que para el que escribe posee el mejor álbum de la historia: "Seamonsters". Ha pasado mucho desde esos añorantes 90, pero el bueno de David Gedge sigue en buena forma. No ha dejado de producir excelentes canciones desde aquella época, y ahora nos regala esta bomba de 24 canciones para que los enganchados a sus riffs poderosos y a esas melodías tan entrañables, tengamos excusa para volver a escuchar de arriba a  abajo toda la discografía de estos grandes. 

El disco reúne la colección de sencillos lanzados durante todos los meses de 2022, algo que ya hicieron en los 90 con esos necesarios e inigualables "Hit Parade" 1 y 2, que tanta dicha nos dieron, aparte de un un DVD con una presentación del disco y un documental que explica su gestación. Vamos, para los forofos, una tarta de cumpleaños. 

¿Y que encontramos en 24 songs?. De todo un poco. Hits de esos que te hacen subir el volumen como ese frenético "I am not going....", quizás la mejor del disco, donde el lirismo de The Wedding Present se acompaña de una melodía arrebatadora. Y si luego te pones "Memento mori" no vas a poder dejar de moverte, con esas guitarras abruptas que te conmocionan y te acunan. 

También hay medios tiempos abrumadores ("That would only happen....),  o singles pegadizos para quebrarte la cintura ("We interrupt our programme"), que se unen a una comitiva de canciones repletas de nervio como la excitante "Strike" junto a otros sonidos que les acerca más a su otro proyecto como Cinerama, como la cándida "Science fiction". 

Te rompen el corazón con la impactante "Each time your open your eyes", y también te encuentras con algún que otro bajón como "We all came from the sea", pero nada que no pueda salvar otra pegadiza tonada del tipo de "Kerplunk!".

"X marks the spot" tiene un final casi punk, y en "Plot twist" encontramos la solvencia que hallamos en toda una discografía plagada de triunfos sonoros que se activan en nuestra memoria cada vez que oímos la voz de David golpeando nuestros corazones. 

"Whodunnit" puede ser el resumen de la forma de trabajar de The Wedding Present, con esos bajones y subidas, con esa sensación de que todo va a explotar en algún momento, cuando menos te lo esperes, una bomba racimo de tensiones y lamentos, de sonidos que son una jauría para los hambrientos de los rugidos con cariño ( la versión de Magazine que hacen "A song from under the floorboards" es para quitarse el sombrero desde los primeros arpegios sonoros). 

Todo exuberante, todo excesivo, quizás a los que no amen con pasión a The Wedding Present, bien pudiera pasar que se les haga algo largo. Para mí ha sido todo un goce disfrutado de principio a fin toparte con canciones como "Once bitten" o "La La La". 

Lo dicho, quitando hojas del mes para que llegue el momento de enfrentarnos con esta monumental banda. Para calentar motores, en bucle "24 songs", "Bizarro, "Seamonsters", "George Best".....

MATTHEW SWEET. "Sunshine lies" (2008)

 Matthew Sweet, que tanto nos cautivó en los 90 con su power por de alto poder adictivo, sacó este pedazo de disco en el 2008, para aseverar que el influjo de sus canciones tan redondas sigue impoluto pase el tiempo que pase. 

"Sunshine lies" es una conjunto de canciones cargadas de melodías brillantes (en "Time machine" se nota el gusto del bueno de Matthew por los Beatles), acompañadas por un torrente de distorsión de esas que te hace vibrar como "Room to rock" donde se parecen a Godfathers. 

Y luego están las canciones marcas de la casa como "Byrdgirl", que se te deshace en la boca de los oídos, o ese tono de garaje que despide "Flying", un regusto que se ve acompañado de inmediato con pequeñas baladas de esas que son un primor ("Feel fear"). 

Todas los temas de este disco se defienden por si solos, con tratamientos vocales exquisitos ("Around you now"), con torrentes de guitarras que se se pasean entre volcanes en eterno sueño, donde prima la algarabía y el confort auditivo ("Burn through love"). 

Matthew Sweet, garantía asegurada de pasar un buen rato engrasando tus silbidos y tu buen rollo. 

JOSELE SANTIAGO. "Garabatos" (2006)

 

Tras su primer trabajo en solitario "Las golondrinas, etc", vino "Garabatos" a confirmar la vena de cantautor, cabeza visible de Los Enemigos, que continua en este su segundo lp, con el sarcasmos y los tiempos lentos ("Las cosas fingen"). 

Contando con Pablo Novoa como productor y guitarrista, los "Garabatos" refleja la necesidad de Josele de apartarse del eco de Los Enemigos, para confeccionar temas de esos que son reflejos de tranquilidad y versos sueltos como vemos en "Baile de los peces". 

Pianos y ritmas en "En tu estampa", cachondeo e historias de esas que avisan terremotos ("Pensando no se llega a ná"), la escucha de "Garabatos", se sucede sin apenas levantar los pies del suelo, con una sencillez que apabulla, con ritmos que son trinos ("Ñam, ñam"), y algún vals de barrio proletario ("Farol").

Luego te topas con la que titula el disco que es toda una gozada, y para el final Josele cantando en italiano con "Buonanotte fiorellino", la mejor manera de finalizar un disco que rezuma paz por los cuatro costados. 

J. "Plena pausa" (2023)

 

Maravilloso homenaje el que J de Los Planetas ha realizado al mundo artístico de Ivan Zulueta. Y lo ha hecho a lo grande con un cd de 10 canciones más un DVD con 14 clips donde da forma musical a antiguas grabaciones de los 60 y 70 de Zulueta, que con buen acierto la Filmoteca tuvo bien de traerlas del olvido, pidiendo a J que pusiera su grano de arena para confeccionar un mapa sonoro donde se puede vislumbrar la grandeza de Zulueta. 

Y J lo ha conseguido. Porque este primer disco en solitario bien pudiera ser un disco más en el orbe planetario. Sobre todo cuando escuchas "Y la nave va", escrita con Soleá Morente y "Tormenta eléctrica", dos auténticos himnos que te seducen a las primeras de cambio. 

"Soleares de loco" tiene un tic de guitarra que te atrapa como una telaraña, post punk entre la voz de J arrastrada en una marisma de flamenco. "Luces de neón" y su melancólicos arranques de guitarra distorsionada da paso a "Natalia dice" la más pop de todo este lote que se pasa en un suspiro.

"Romeras de Betty Bop" se escora al flamenco con gracia y finura, y que da voz a mi favorita "Era una flecha". Se te queda de forma instantánea su sabor, su melodía que se arremolina, la caprichosa manera que tiene J de llevarnos en fila y de la mano a lugares donde los colores son un festival de goce sensorial sin límite. 

"Fandangos del rascacielos/Los desalmados" es puro shoegazing con volutas de burbuja, con ramalazos de ternura y que en "Arrebato" llega a ese punto de no retorno, donde te sientes obligado a darle de nuevo al play para que esta magia no desfallezca. 

"Amen" y "Jaleo de la calle" con su liturgia que sobrecoge o "Película de plata" y ese aire a Galaxie 500, son más piezas de este puzle que es puro frenesí de disfrute inmediato. Así que solo queda ponerte el paracaídas y dejarte llevar por los vientos que acontecen tras la escucha de esta artesanal obra de J. 

MAN OR ASTRO MAN? "Intrevenous television continuum" (1995)

 Con ellos era imposible aburrirse. Los putos amos del surf punk, siempre con la temática de la ciencia ficción como eje principal de una discografía que la verdad es una delicia, donde destaca esa capacidad que tenían para hacer con sus instrumentales, una auténtica marejada de  catarsis entre olas depravadas. 

Este disco fue una colección de remezclas de antiguas canciones , junto a hits de la televisión como "Los Supersónicos" o "Mi marciano favorito". Y es que no te puedes resistir a canciones como "Put you finger in the socket" o ese pelotazo de punk llamado "Max Q". 

A veces se hacen medio ortodoxos del surf como vemos en "Jetson's theme", para a continuación ladrarnos con una ola expansiva de esas que da miedo ("Invansion of the dragonmen"). Uno de los puntos fuertes del disco es la más larga del disco, con sus casi cinco minutos, "Tomorrow plus X", donde se muestran vehementes y hasta áridos en su propuesta de guitarras en pleno frenesí. 

En "Out of limits" parece que estén haciendo una llamada a ET, y en "Calling Hong Kion" ésta cantada, alejada de la instrumentación general del disco, nos lo muestran casi indie rock. La versión de la familia Monsters en ""Munster's theme" es brutal, como brutal es "Deuces wild" y esa distorsión desbocada. 

Siempre es buen momento para recuperar gemas como esta, que parecen que han hallado en su estado de letargo, una vida eterna que provoca placidez para el oyente más impertinente. 

THE NEW RAEMON, DAVID CORDERO & MARC CLOS. "A los que nazcan más tarde" (2021)

 

Disco nacido de la pandemia, de la obligada estancia en el hogar de cada uno, "A los que nazcan más tarde" es otra pieza más de ese púzzle discográfico de Ramón Rodríguez, que es como pieza de un mecano de artificios sonoros para nuestro goce sensitivo. 

Acompañado por David Cordero de Úrsula, y Marc Clos, músico acompañante de correrías, "A los que nazcan más tarde" es como un poema tras otro que no se para, una catarata de palabras entre sonidos electrónicos y palabras que duelen ("La peor parte" y "Camara lenta"). 

Teclados que van y vienen y soportan penas ("Plata verdadera"), himnos casi ambient de noches oscuras y palabras que te mecen en la trinchera de la tristeza ("Desnudo frente a la maquina de escribir"), todo en este disco es frondoso y atrayente, como "Corre, caballo viejo" y esos sonidos de la naturaleza salvaje que te posee y te engulle. 

Ya en la cara dos del lp, "Una infancia", como inicio casi post punk de esta catarsis del retiro, o "Todos quieren un final tranquilo", con esa vena de intimidad radiante que te hechiza y que en "No haces de lo mi lo que no soy" se convierte en un hit de la desesperanza. 

Para terminar, "Lanzo piedras al mar", una ordalía de palabras que se pegan en la lírica del desarraigo. En definitiva un disco expansivo para el colapso emocional nacido en tiempos de retiro y miedo. Grande. 

HOOD. "Outside closer" (2005)

 Ahora que el post rock ha quedado reducido a género (salvo alguna contada excepción) maniatado por su poca dedicación a la evolución, siendo más una especie de rock sinfónico para modernos, es todo un placer volver a éste el que fuera el último disco de la banda de Leeds, plagado de toda una colección de canciones que destilan belleza por todos los costados posibles ("The negatives"). 

Si en el anterior y quizás con más repercusión "Cold house" (2001), coqueteaban con la indietrónica de una manera más que evidente, aquí a parte de ese juego con la tecnología que tan  bien se les daba, ("Any hopeful thoughts arrive"), se las apañan de maravilla para elaborar una jugada maestra de sueños melancólicos ("End on train working"), y de toboganes emocionales donde todo está de tal manera enhebrado que es una maravilla enredarse en sus ruidos siempre envolventes ("Winter 72"). 

"Still rain fell"  es otra delicia de esas que te atraviesa los sentidos, cálida y efectiva, solvente y repleta de situaciones calmosas para perder el tiempo con placidez en silencios de flores y moras. Hipnóticos, cautivadores, Hood te tocaban la fibra, repartiendo motines de abstracción por doquier (L. fanding hills"), silbando profecías de lugares donde es fácil fabricar luces para el sueño ("Clousure"). 

"Outsider closer", la muestra de una forma artesanal de llenarte de burbujas y de ternura, pétalos que rubrican placidez y confort del bueno. Brillantes Hood. 

 

LLOYD COLE. "On pain" (2023)

 

Siguiendo el camino marcado por  "Gueswork" (2019), el amigo Cole le ha cogido gusto a esto de la electrónica, y se ha sacada de la chistera otro de esos discos con canciones redondas para dar y tomar como la que da título al disco. 

Temas vacilones con ganas de pegada, "Warm by the fire",  se intercalan con teclados de esos brumosos que parecen salido de los 80, syntopop acacaremalado ("I can hear everything"), o letanías dulces con la voz distorsionada ("The idiot"). 

Con una carrera deslumbrante en solitario (superior con creces a la del proyecto con su banda Commotions), este "On pain" es de uso y disfrute a los que le seguimos desde tantos años. Maravillosa "You are here now",  y la tecno minimal "This can't be happening". 

Se respira por todo "On pain" aire de otros tiempos, sobre todo de los 80, aquí recuperados con maestría con temas de esos que seducen  a la primera escucha como "More of what you are". Para terminar "Wolves", otro punto fuerte de un autor siempre en racha. Sigue, sigue a lo tuyo Lloyd. 

MAGNAPOP. "Mouthfeel" (2005)

 

Con solo tres discos en la década de los 90 y un regreso exitoso en 2019, con "The circle of round", este "Mouthfeel", nos muestra como la magia no se pierde pase el tiempo que pase, cuando se tiene esa capacidad para encapricharnos con esas melodías que te envuelven ("Satellite"), con una pegada como cuando los conocimos con su triunfal disco homónimo del año 1992 ("We're faded"). 

Los de Georgia tienen todo para que te encapriches de ellos, te pones ese terremoto de emociones que se llama "California" y es como si tuvieras de nuevo 20 años. Y eso es lo maravilloso de muchas bandas de esa época. Su sonido es eterno, su manera de hacer música congratula a todos los que creemos que la música es un arte llena de musas.

Linda Hoper y sus colegas aúnan todo tipo de parabienes para que el goce sea inmediato por lo que escuchas con su sonido tan especial ("The in-between"). Suenan dulces y a la vez potente con un power pop que te destartala ("Elliot"), con volcanes de distorsiones melódicas ("Smile 4u"), o himnos de esos para andar tarareado toda la vida ("Think for yourself"). Todo con calidad superior. 

Y para terminar, otros dos hits, "Stick to me" y "Pilgrim's prayer". ¿Qué más se puede pedir?. Pues nada a disfrutar de Magnapop. 

MADEE. "In the cold season" (2021)

 

Ramon Rodríguez está en plena forma. Con Madee con discazo este año "Conundrum", y con otro trallazo emocional de The New Raemon en camino, este "In the cold season" es una maravilla, musicando los poemas del colega de Ramón Mark Swanson; aquí hay belleza al por mayor enlatada en una fabrica de rosas siempre duraderas ("Drinkin wine from a paper cup" y "Ghost town living" para empezar como un trago de vino después de un beso). 

La que titula el cd es otra postal de invierno cercada por un motín de recuerdos, palabras y música enmarañadas en una calidez que desborda, una caminata con suspiros y alguna foto desenfocada. "Longing" es emocional, un hit de esos que engancha, un cargamento de seducción brutal.

Otro pelotazo es "Remains to be seen", emocore con cactus en las guitarras, melodía atrapadora que da la voz a la tierna y espectacular "Still life". "Struggle song" subyuga con su melodía que se cierne entre volutas de melosidad apabullante y que da voz a "View finder" uno de los puntos fuertes de un disco que te mece y te arroba por partes iguales. 

"From the window behind your house" reparte sacudidas medicinales para los tormentos del alma, para terminar el camino con "Die-cut description" una ristra de suspiros de esos que son seda para los suspiros.

 Madee, referente honesto de un emocore que siempre triunfa, de una artista, Ramón Rodríguez, que todo lo que hace lo hace bien. Grandes. 

LISABÖ. "Ezlekuak" (2007)

 

Casi contando los días para que salga el nuevo disco de Lisabö  (a principios de diciembre), es buen momento para pararnos en este pedazo de disco, "Ezlekuak", uno de las principales piezas de una discografía de esas que es un caballo desbocado, sin freno, de post hardcore emocional, de espasmos que no paran, de ruido que es furia y desmesura. 

Y como muestra para empezar "Hazi eskukada I",  un torbellino de esos que te hace vibrar,  y que te da de bruces con uno de los mejores temas de Lisabö de su carrera, "Aurrerak, ankerrak", tensa, melódica, himno triste que seduce desde el minuto uno, que te hace que penetres en ese laberinto de distorsión brutal, de luces partidas en dos por la potencia de un gemido instrumental. 

No me he perdido ningún trabajo de Lisabö, son la banda más valiente de por aki, la que más se esfuerza por no hacer sonido acomodados, por caminar en latidos que abruman y golpean, en aullidos que te dejan noqueado  ("Bi minutu"). "Alderantzizko magia" es retadora, abisal, con las dos guitarras y las dos baterías de la banda a pleno rendimiento, en un caos sónico de esos que deja una profunda huella. 

"Sekulan etxean izan ez"  y "Hazi eskukada II" son otra muestra más de la potencia que destilan, una asombrosa relación de tensiones que van y vienen, de lamentos y parones que ocurren porque luego viene la tormenta a fabrican motivos para la desesperanza que rodea todo. Sin palabras. 

El final con "Nekerean", no hace más que confirmar que como Lisabö no hay nadie por estos lares. Lo suyo no es impostado, su mensajes no dejan indiferente, su música es como un aguijón necesario para la supervivencia de nuestra inquietud, lo único que nos salva de la inquina de unos tiempos donde la desolación campa a sus anchas. Contando los días que estoy para escuchar lo nuevo.....

FRAGILE. "...about going home" (2023)

 

Formados por miembros de Lane, Wild Fox, Scuffles y Dogs for friends, los galos Fragile nos deslumbran con este disco que a penas no llega a la media hora, pero que está lleno de sugerencias para poner una y otra vez esta tralla melódica repleta de guitarras con furia. 

Desde ese inicio explosivo con "Messy hair", Fragile confeccionan todo un arsenal de sonidos estridentes, bulliciosos, que no dejan nunca de lado su armazón melódico como vemos en "Selfless" y sobre todo en "Winter at the museum". 

Te hacen levantar de la silla rápido, su entrega y disposición para hacer canciones de esas que son como martillazos suaves pero a la vez  devastadores ("Ahhedonia"), les hace apetecibles ahora que sabemos que esa enorme banda que fue Lane, con miembros de Les Thugs, ha pasado a mejor vida. 

"Overview" no llega a los dos minutos pero contiene suficiente rabia como para querer más. Así que nos topamos con "Murmuration" donde la distorsión es un volcán que no cesa es disparar aullidos. "Laugh/Cry" y "Model", ya el final, para terminar de rematar un trabajo de esos que se consume con rapidez por su sencilla manera de llamar las cosas por su nombre: buen post hardcore. 

SPARKLEHORSE. "Bird machine" (2023)

 

Desde que en 2010 Mark Linous decidiera poner punto y final a su vida, nos quedamos todos un poco huérfanos de sus canciones hermosas, de sus guitarras a veces áridas, de su lirismo avasallador. Para suplir su ausencia, nacen disco como este póstumo combate de canciones que la hermana de Linous ha recuperado para que el homenaje a su hermano sea un disfrute total de todos los  que seguimos su trayectoria. 

Disco que en un principio iba a salir en 2009, con la supervisión de Steve Albini, se guardó en los arcones de la memoria para que ahora disfrutemos de este manjar que empieza con un torrente eléctrico ("It will never stop"), y que es seguido de dos bellas joyas melancólicas como son "Kind ghosts" y "Evening star supercharger". 

Cuánta tristeza se guarda en "O child" , cuanta levedad en la artillería emocional de "Falling down" que nos lleva de la mano a "I fucked it up", la más aguerrida de este soberbio de pop melancólico que es "Bird machine". 

"Chaos of the universe" es otra gema incrustada en la necesaria discografía de Sparkehorse, un serena reflexión que da paso a "Listening to the Higsons", donde de nuevo asoma los zarpazos de guitarras, la distorsiones que nacen de la detonación. 

Disco de larga duración, este "Bird machine" esta cargado de pócimas elaboradas con la honestidad del que ha sabido relatar durante su vida las cosas bellas, los dolores, las tragedias, la sombras y la multitud de luces ("Everybody's gone to sleep"). 

"The skull of Lucia", lenta, parsimoniosa, es otra de las joyas de un trabajo que recupera todas las esencias de un autor necesario por el poder magnético de sus canciones, por la delicadeza que desprendía en sus composiciones tan mágicas. Valga este disco para recuperarla, porque Linous nunca se fue, cabalga con nosotros en noches de insomnio y pavor. 

LUSH. "Split" (1994)

 

"Split" fue el tercer y para el que escribe, mejor disco de esta banda de Londres, que nos llenó de un shoegazing dulce, melódico, con caramelos de esos envenenados con el sabor impactante de la voz de Emma Anderson que navega entre guitarras cristalinas ("Kiss chase"). 

Más cerca de Pale Saints que de Cocteau Twins, es reconfortable después de tantos años escuchar como su sonido no ha caducado, como ese enjambre de distorsiones suaves ("Blackout"), nos sigue poniendo la piel de gallina. 

"Hypocrite" fue uno de los exitosos singles que se radiaba en esa añorante época que tanta felicidad musical nos dió. Como "Lovelife" y ese ritmo de pop juguetón repleto de sugerencias y deseo. Uno de los platos fuertes de "Split" es la triste y decadente "Desire lines" donde se arman de valor para edificar un torrente de tristeza al vacío. 

La más ruidosa del disco, "The Invisible man" juega con las guitarras saturadas como antes nunca lo habían hecho, para en "Undertow" meter pinceladas electrónicas en otro pasote de canción. Que hermosura "Lit up", un sonajero sugerente, una nana repleta de vitaminas, aporte de esencias para el espíritu. 

"Starlust" es otra enfebrecida agitación que te deja sin palabras, con las guitarras cabalgando, con luces que te sofocan y te asfixian. Como colofón, "When i die" , otro cargamento de tristeza envuelta en papel de regalo. Lush, divinos siempre, un grupo para recordar. 

O' DEATH. "Broken hymns, limbs and skin" (2008)

 

Definir a O'Death, como country gótico, no hace justicia a lo que te encuentras en este el que fuera su tercer disco. Las dos primeras canciones del grupo de disco, "Low tide" y "Fire on Peshtigo" es como si a los Violent Femmes les hubieran entrado una ventolera punk. 

Vamos que si subes el volumen en "Legs to sin" puedes bailar casi un pogo, aunque sea con un toro de un rodeo. Los de Brooklyn, disueltos ya hace tiempo (su última aparición discográfica data de 2014, "Out of hands we go"), también sabáan manejar otros tiempos como la vacilante "Mountain shifts" cercana a los tempos melancólicos de The Pogues. 

Y por tocar palos, ¿porqué no los Pixies?. La nerviosa "A light that does not dim" da fe de ello. El aire country si que esta presente en otras tonadas como "Grey sun" o ""Home", pero siempre con ese impulso pendenciero que les caracteriza y les hace tan atractivos. 

"Crawl through snow" es auténtica, rabiosa, con suspiros melódicos que sustentan una afilada propuesta que  en "On an aching sea" se encorajina, para dejarnos casi al final esa bella letanía llamada "Angeline". 

O'Death, aires de frontera y disparos,  punk y velocidad, forajidos sonidos para levantar hasta a un muerto lo que nos proponen estos cowboys encrestados. 

WILCO. "Cousin" (2023)

 La verdad es que no entiende muy bien las malas críticas de algunos medios ante uno de los mejores trabajo de Wilco. Después del peñazo de sus trabajos volcados al country y a sonidos más tradicionales ("Cruel country"), abrir "Cousin", con la atmosférica y casi experimental, "Infinite surprise", es un alivio para los que pensamos que Wilco son impresionantes cuando se dejan llevar por su vena más apegada a la transgresión. 

Jeff Tweedy y sus colegas, se acompañan en "Cousin" de la cantante Cate Le Bon en la producción, echo que ayuda a comprender la dinámica de un disco ejemplar, repleto de matices, de lugares comunes, donde todo es disfrutable. La languidez de "Ten dead" abruma y el encuentro con un tema como "Levee", de lo mejor de su carrera, te deja un shock de esos amables, con una melodía cariñosa, suave murmullo que te atrae hacia acantilados de sonidos que siempre hechizan. La guitarra de Nels Cline es como una aguja que se te clava en el corazón. Mágica sin duda. 

"Evicted", es del clásico sonido Wilco de toda la vida, luminoso, repleto de una felicidad que inunda y soporta pesares. Como "Sunlight ends" y su candidez que hechiza, que pasma, que te hace gozar de manera inmediata. 

Mi otra canción preferida de "Cousin" es "A bowl and a pudding", triste, melancólica. Una vez que la escuchas se te queda un molinillo agradable en el fondo de tus tímpanos, formado por libélulas sabelotodo y violines de papel de fumar. Vaya maravilla. 

"Pittsburgh" es lenta y agónica, también ruidosa como antes de una tormenta, un bello galimatías con la esencia de lo que más no gusta de Wilco y "Soldier child" se asoma a los sonidos sencillos y claros que también saben manejar. Para terminar, "Mean to be", explosión de colores, maravillas por doquier. 

El disco 13 de Wilco es de lo mejor que han hecho en su carrera. Un punto y seguido que esperemos que sea continuado. La senda que mejor les va, cuando la inquietud se instala en sus ganas de construir canciones. 

CALLA. "Televise" (2002)

 

"Televise" fue el tercer disco de esta interesante banda de New York, activos desde 1999 hasta 2007, y que nos ofrecieron en su discografía,  un efectivo torrente de carga emocional en canciones que sabían electrificarse con cariño para construir un espacio musical donde podías intuir a The Gun Club y a Nick Cave ("Strangler")

No tuvieron disco malo, este "Televise, como el resto esta repleto de temas como "Monument", con una lírica envenenada, con una guitarra traviesa que no deja de percutir, aunque también se las apañan para remar en mares más calmados como nos muestran en "Astral". 

Himnos leves pero pegadizos ("Don't hold your breath"), se dan la mano con intimidades mortuorias como "Pete the killer, o melodías solventes del tipo de "Customized". También se las apañan para pergeñan un abanico efectivo de distorsiones que sugieren y completan un puzzle repleto de acidez y inconforismo ("Televised"). 

Para terminar el disco eligen al piano como maestro de ceremonia, en "Surface scrath" para convencernos que bien pudieran ser un grupo australiano de esos que se enrabietan pero al rato se dejan caer en la barra de un bar para medicarse con alta dosis de melancolía. 

NINE HORSES. "Snow borne sorrow" (2005)

 

Adoro a David Sylvian. Con Japan, pero sobre todo en su carrera en solitario y con proyectos como Nine Horses, donde se acredita el espíritu renacentista de un músico sin igual, ajeno a modas, a estilos. que siempre transitó por la parte más emocional de una música que subyuga, que atenaza, que te deja absolutamente rendido. 

En Nine Horses le encontramos junto a su hermano Steve Jansen y al músico alemán Burnt Friedman, y lo que oímos en "Snow borne sorrow" es belleza con altos quilates emocionales ("Wonderful world"). También participan en este ensueño Ryuichi Sakamoto y Stina Nordenstam, para dar mas enjundia a un trabajo de esos que se te queda largo tiempo en la retina de tus goces musicales ("Darkest birds"). 

También la aportación del trompetista noruego Arve Henriksen, hace que la maravillosa voz de Sylvian se llene de pétalos imposible de disolver por la sequedad del tiempo. Y si no escucha esa maravilla titulada "The Banality of Evil". Supremo Sylvian. 

"Atom and cell", es un pasote donde su hermano a la batería se sale, en un sugerente y espectacular cóctel instrumental que da paso a "A history of holes" donde Nine Horses se adentra en una especie de trip hop con aires de jazz. 

La electrónica es lo que predomina en el tema que da título al disco y en "Serotonin", ambas con un potente poder embaucador. Terminamos este gozoso viaje con "The Librarian",  para dar fe que cualquier proyecto donde anide Sylvian es de obligada escucha. Mucho arte. 

LUGGAGE. "Three" (2017)

 

El inicio de "Cold water" es como hallarnos con el espectro de Girls Against Boys. Pedazo de comienzo. Pero hay mucho más. Se nota en el sonido que Albini les echó el ojo. Esa batería solo podría haber sido grabada por el mago del noise. 

Me encanta ese himno decadente llamado "Phone", con esa melodía marcial que impacta, con esa sacudida que te deja con ganas de mas. Suenan machacones y contundentes en la visceral "Nightwalk" donde suben el volumen, donde se enredan en laberínticos sonidos que percuten demolición inmediata. Un volcán vamos. 

La que titula el cd, repta en un sinuoso y fértil casi post punk con cristales en las guitarras que se mecen entre la levedad y la furia. Soberbios. Como "Natalie" y toda esa ordalía de sonidos que se deshacen en un motín de fugaces distorsiones que aturden. 

"Chicago", homenaje a su ciudad es una introducción voraz a "Salt celler" y su ramilletes de sacudidas nerviosas que consiguen envolverte desde el primer minuto. Rozan el punk con "Pine", para acabar con aires de detonación con "Ditch". 

Grupo a seguir, sin duda, por su esfuerzo constante en remodelar edificaciones antiguos con el peso de una ambiciosa necesidad de expresión. 

DEATHCRASH. "Less" (2023)

 No había escuchado algo tan parecido al desasosiego y tristeza que irradiaba Codeine, como lo que se encuentra en este "Less", de esta banda londinense. Si sus trabajos anteriores ya habían puesto los cimientos a su música de bajón continuo, acaban rematando la faena con este conjunto de canciones para llorar bien a gusto. 

Comienzan con "Pirouette" y sus murmullos que te atrapan, y el drama que parece dedicarte una sonrisa, que en "Empty heavy" se convierte en una daga repleta de surcos de un lluvia que casi es un volcán cercano a un post metal con el corazón congelado. 

Todos los temas de este "Less" abogan por la pena, por los tiempos lentos, por las guitarras con cloroformo, con la voz de Tiernan Bank llevándonos a parajes donde es fácil perderse, donde las sombras se acicalan con soles nunca salidos ("Duffy's"). 

Y si hay un tema que es casi un siamés de la producción de Codeine, ese es ""And now i am lit" donde se desenvuelven en un ritmo lento que pasma, que asusta, que te deja sin aire. "Distance song" es otra de las gemas que resisten las inclemencias de la alegría, otro parón en seco, un mar de palabras ordenadas para dejarte helado. Colosal. 

"Turn" te desborda, con su amalgama de silencios que se van llenando con una melodía que atrapa, salmodia de lamentos y luces que se van apagando, y el final con "Dead, crashed", refleja el espíritu de un grupo que a los que amamos el slowcore, es ya por derecho, un baluarte para días de esos aciagos que solo se salvan con tormentas como esta. 

LITE. "Filmlets" (2006)

 

Con este disco empezó su andadura esta banda de mathrock japonesa, formada en 2003,  que cumple todos los cánones para erigirse como una formación con enjundia y buen trato de esos ritmos matemáticos que caracterizan al género ("Contemporary desease"). 

Filigranas instrumentales que van y vienen, distorsiones estructuradas en base a una querencia por realizar una especulada y bien formada progresión rítmica ("Human gift"), también se mueven bien en terrenos donde aparece una calma contenida, bajo el acicate siempre de esa creación de sonidos repletos de esquinas ("RE"). 

"Dead leaf", casi parece post rock arrimado al árbol de una concreta y serena ansiedad por establecer paisajes repletos de un bucolismo que impacta. Pero lo suyo es jugar con las guitarras ("On a gloomy evening"), para seducirnos a continuación con rugidos en forma de susurros que reflejan la necesidad de la banda de no salirse de la autopista del género ("Spiral gate"). 

Para la parte final, "...still, it is quiet around here", ahondando más aun en una melancolía de largo recorrido y sobre todo "Recollection", la mejor manera de querer escuchar más trabajo de la banda. 

LOS GANGLIOS. "Leyenda negra" (2019)

 

Hace falta la irreverencia, también mala leche, también el humor negro. Con estos tres conceptos, el dúo catalán Los Ganglios, nos regalaron este disco, repleto de sofismas perfectos como "La última palabra" o "Las drogas", o experimentos electros de risa sin parar, "Misógeno ultracatólico". 

Y para este guerrear emplean las armas que tienen entre las manos. Desde el punk hasta la verbena de teclados tecnos, como vemos en "Passeig de Gràcia". Y lo hacen con cachondeo, con mala leche, divisas necesarias cuando se quiere decir que estamos hasta las huevos de tantas cosas que no deseamos tragar. 

"Camino nuevo de picaña" y "En África" son dos efectivos cantos de denuncias que dan paso a "Sácamelo" y "Sailon moon", dos divertimentos algo menores que ceden la voz a "Vota No", punk gritón de ese que deja huella. Y es que el espiritu punk sobrevuela todo "Leyenda Negra". La casi folk "Espiderman" y "Robin hood" nos hacen sacar una sonrisa pendenciera, y "La leyenda negra del deporte" o "Me impuse a la fuerza" son otras dos formas de irradiar ese halo de antitodo que llenan el disco. 

Los Ganglios, nuevas músicas para como en su día La Polla Records y otros paladines de la disidencia, seguir contribuyendo a la resistencia. 

THE MURDER CAPITAL. "Gigi's recovery" (2023)

 Dos discos han bastado para que los irlandeses The Murder Capital, compañeros de correrías de Fontaines DC, tengan una voz propia, dentro de ese post punk de nueva hornada que nos gratifica nuestra existencia. 

Y es que después de la introducción de "Existence", nada mejor que meterte de lleno en el dramatismo que inunda "Crying" una sacudida de distorsión y de épica, una manera maravillosa de engancharte desde las primeras de cambio a este potente trabajo. 

"Return my head" es una fabrica de sensaciones fogosas, de post punk melódico que en directo tiene que sonar a maremoto (en octubre los tendremos por aquí, ya hay ganas), y "Ethel", un hit en toda regla, con ese inicio pausado que poco a poco se va volviendo un geiser de electricidad total. Puntazo. 

"The stars will leave their stage" con su melodía adictiva, con su pegada instantánea, da paso a la lenta "Belonging", como para que nos recuperemos de tanto intensidad envasada al vacío. "A thousand live" vuelve a la carga como un torbellino lento pero demoledor, y "We had to disappear" con su aire de post rock, no hace más que confirmar la rotundidad de este proyecto llamado The Murder Capital. 

La que titula el lp, te deja sin aliento, vagando entre depresiones acústicas sonando a través de un telescopio donde los dramas se visten con oropeles de lágrimas de tristeza que no se va.  A disfrutar toca pues. 

LLOYD COLE. "Guesswork" (2019)

 

Siempre he sentido una especial debilidad por este músico escocés. Desde que inicio su carrera en solitario fuera de los Commotions, sobre todo con la escucha de ese portento de disco que fue donde empezó su carrera en solitario ("Lloyd Cole" de 1990), no me he perdido ninguno de sus trabajos, todos ellos gratificantes y repletos de buenas canciones. 

"Guesswork", fue su undécimo trabajo, y no podía empezar mejor, con unas de esas tonadas delicadas y tiernas que tan bien sabe construir con esa pedazo de voz que siempre arrebata ("The over under"). "Gueswork" es un álbum donde predominan los sonidos electrónicos ("Night sweats"), siempre al servicio del lirismo avasallador que caracteriza a Lloyd. 

Hasta el pop electrificado que suena a puro 80, bisoño y sin ningún rubor ("Violins"), te arrebata desde la primera escucha. Pero cuando más impacto tiene es cuando te mece en esos mares de tranquilidad, y que tiene a "Remains" como maravilloso ejemplo. 

Grande Cole, no duda en confeccionar como quien no quiera la cosa singles para llevarlos como susurros, como ese pedazo de canción llamada "The afterlife", repleta de sintetizadores con alma poética. 

"Moments and whatnot" suena casi como unos Kraftwerk con alma pop y el remate final con "The loudness wars", viene a confirmar que haga lo que haga el bueno de Cole, siempre da en el clavo. Exquisito lo suyo. 

OUT HUD. "Street dad" (2002)

 

Out Hud, banda de Sacramento, tuvo una vida muy corta. Sólo sacaron dos discos, siendo este "Street dad" su primer trabajo, y donde se ve desde que escuchas el primer tema "Story of the whole thing" que lo suyo era congelar el post rock, llenarlo de ruidos y de fríos balsámicos, recurriendo a la electrónica como eje principal de su ideario. 

Cercanos en cuanto propuesta a James Murphy y sus LCD Soundsystem, tienen sin embargo algo que les diferencia, y es ese afán por recuperar viejas sonoridades de los 80 ("Dad, there's a little.....), encumbrándose en composiciones que recurren a todos los trucos posibles para que las distorsiones sean serenatas confortables. 

"This bum's paid" y "Hair dude...", son dos pasotes de ritmos sincopados, de teclados minimales, de guitarras que se acoplan en una sedición constante, para llenar pistas de colores malsanos, de sedados algoritmos de sueños extraños. 

La más larga del lote, "The L train...", son doce minutos de continuo frenesí, un descoloque destructurado de música para danzar mientras te tomas un rato de suspiros sustentos. "My two nads (dad reprise)" la canción tecno del disco, pone el punto final a un gratificante viaje hacia una visión de la música electrónica muy gratificante.  

SQUID. "O Monolith" (2023)

Tras ese pepinazo que fue "Bright green field" (2021), ya teníamos ganas de hincar el diente a las nuevas canciones de estos jóvenes de Brighton. Y la verdad es que la espera ha merecido la pena. No tienes que tardar mucho, solo con el primer salpullido llamado "Swing (in a dream)", con esa trompeta desbocada y tremenda, es seguro el convencimiento que lo que viene a continuación va a ser  bueno. 

"Devil's dean" es un terremoto de silencios y violencia sónica, tremendismos en tres minutos de exaltación sonora que da paso a "Siphon song", un progresivo desmadre agitado, repleto de distorsiones, elaborado con mimo y repleto de estridencias. Puro goce vamos. 

En "Undergrowth" tiran de un funk orate, repleto de aristas, donde vagan entre melódicos dejes que te retan, que sorben influencias de antaño con rabia y desmesura. Encantados ya que nos tienen, nos metemos de lleno en la soberbia "The blades", single que ya nos puso sobre la pista de que esto iba a ser un buen disco. 

Después, y sin posibilidad de un descanso para despejarnos de tanto mogollón, se nos plantan con "After the flash", otra proeza instrumental que suena como una tormenta que no cesa y que da voz a "Green light", mi favorita, con la rabia como eje principal de todo un engranaje avispero sonoro. 

Este mes los tenemos por aquí en directo. Buena ocasión para comprobar todo ese potencial de sus dos disco, para disfrutar de su eclosión brutal. 

DON NINO. "Mentors menteurs!" (2007)

 

Un discos de versiones. Y de buenas versiones. Bajo Don Nino se encuentra el músico galo Nicolas Laureau, que lleva desde el año 2001 dando guerra,  embarcado en su particular contienda de lofi, indie, post rock, siempre con un sello propio (este mismo año sacó otro disco "Cover song in inferno" a medias con Françoise Breut).

Y la verdad es que es todo un punto encontrarte el clásico de Bauhaus "Bela Lugosi is dead", oscura pero a la vez radiante, o la psicodelia de Pink Floyd en "Dominoes". A los Cure en "At night" lo convierten en música para un guateque galáctico, para engatusarnos con el "Kiss" de Price o el "A day in the life" de Beatles. 

El puntazo total, en castellano, nos viene cuando se atreve con el "Porque te vas" de Jeanette. Todo un pasote audaz. Tristisima es "There is a war" de Leonard Cohen,  y soberbia en la recreación sónica que hacen del universo de Sonic Youth en "Express way so skull". 

Para terminar, "Like a virgin" de Madonna en versión terremoto lento. "Mentors menteurs!" una buena catarsis de música de otros de la mano de un artesano de mil sonidos.