jueves, 29 de julio de 2021

SHELLAC. "Dude incredible" (2014)

 


Una taladradora, una sierra que abrasa, la electricidad que se convierte en aullido. Eso ha sido la carrera del insigne productor Steve Albini, líder de esta imprescindible banda, que en 2014, nos ofreció en bandeja un disco de esos que puedes oír sin parar en bucle hasta el día del juicio final. 

Y es que empezar el quinto disco del grupo con un trallazo de dimensiones siderales como la que titula el cd, es para estar bailando sin parar en medio de un caos sónico fabricado para que podamos degustar como se hacen las cosas bien. Fantástico. 

8 años (desde "Excellent Italian Greyhound") llevaban en barbecho, pero la leche,  con que mala ostia volvieron. Irreductibles, Albini, Bob Weston y Todd Trainer, despiden sacudidas por cada minuto de música que ofrecen, y eso es toda una bendición para nuestros aguerridas necesidades. 

"Compliant" tiene parones marca de la casa,  Albini cantando quejumbrosamente, el bajo y la batería orquestando una bomba, la tensión se dispara, todo está en peligro. No, no hay respiro, viene "You came in me" y continua la hecatombe, el noise rock que apabulla, los ritmos que machacan, todo un festival de caos. 

"Riding bikes" es amenazante, los instrumentos parece que están afilados con destrucción y en "The people's microphone's" te desarman con sus característicos parones que dan pie y comienzo a un vendaval sónico de esos que hacen historia. "Gary" casi parece un himno y el final con "Surveyor" es para llegar al colapso total. 

Quien halla asistido a un concierto de Shellac, sabe de lo que estoy hablando. Su música es física, detona pulsiones ocultas, te hace crujir por dentro. A disfrutar junto a toda su interesante discografía. 



martes, 27 de julio de 2021

MOGWAI. "As the love continues" (2021)

 


La verdad es que siento decir que lo estoy a punto de transcribir aquí. Mogwai aburren. Y eso que desde que los conocí con "Rock action" no me he perdido ninguno de sus trabajos. Tanto sus anteriores (sobre todo "Come on die young") hasta mas o menos ( y siendo bastantes generosos) "Rave tapes" (2014), eran disfrutables. 

Pero ya no dicen nada. Tienen el piloto automático hace tiempo y se hacen hasta antipáticos. Es una grosería el uso que hacen de la electrónica y la tecnología en los dos primeros temas del álbum, "To the bin my friend...." y "Here we, here were...", sonidos descabezado, sin rastros de esas guitarras que abrumaban y de esas épica que nos ponía la piel de gallina. En esta última, con una voz modificada, se hacen insufribles. 

Quizás su afición a hacer banda sonoras les ha dejado tocados ("Les Revenents"), y se han convertido en un grupo de souvernirs para la tele. Y eso viniendo de según decían una de las bandas que mas decibelios transmitían en sus directos, dice poco de los escoceses.

Y si no trágate esa fanfarria de teclados en "Dry fantasy" que aburre hasta las ovejas. "Drive the nail" y sus 7 minutos que rallan en la desesperación y dan paso a "Fuck of money", más de lo mismo. Se salva de la quema "Ceiling granny" que si que empieza fuerte y acaba como un tiro. Pero es un espejismo, en "Midnight flit" parecen un grupo de rock sinfónico, o ese final cansino con "It's what i want  to do mum". 

Lo dicho. Mogwai aburren. O en un futuro cambian de camino, o mejor no perder el tiempo con ellos. Con lo que disfrute  "Rock action" y en que se han quedado. Una pena. 



domingo, 25 de julio de 2021

ATOM RHUMBA. "Amateur universes" (2006)

 


Adoro a Atom Rhumba. Con ellos es imposible quedarse parado, quieto. Su música reclama espasmos, gasolina, movimientos sin freno, catarsis y mucho buen rollo. "Amateur universes" fue el cuarto disco de los chavales, el primero tras su ruptura con Munster,, esta vez acogidos en el conocido sello Oiuka.

Aquí todo funciona en perfecto estado, los seis majaras del rock and rolk te ponen las pilas desde que suena la inicial y brutal "Mr. Everywhere", pura adrenalina.  Siempre tendrán la condición privilegiada de ser nuestros Jon Spencer (basta escuchar "Home made prozac" para que nos entre la catalepsia). 

Se enredan en una curiosa canción del oeste como "Broken town", para que en "Body clock" comience a salir fuego de la cadena, porque esto pide calor, rabia, goces inmediatos a los que disfrutamos con el rock and rolk salvaje sin aditivos ni proclamas falsas. 

Vacilones lo encontramos en "Stand up!", y la que titula el disco es un pasote de esos que sólo Atom Rhumba se saben marcar. Vuelve el torbellino con "Overproof" y en "Hidden relevations" tiran hacia una especie de dub mutante. 

Ya en el final, nos encontramos con ese volcán en plan Tom Waits que se llama "The vanishing days", todo un portento y la mejor manera de poner fin a este buen disco. Y es que en Discos Pensados, tenemos éxito asegurado cuando nos enfrentamos con Atom Rhumba. Ellos nos garantiza diversión. 


jueves, 22 de julio de 2021

SENIOR I EL COR BRUTAL. "El poder de voler" (2014)

 


Qué buenos que son Senior i El Cor Brutal, y que pedazo de disco que fue este "El poder de voler". El grupo valenciano, que canta en valenciano, nos regaló el disco más eléctrico de su carrera, plagado de guitarras cargadas de corazón y razones, de sonidos que te hacen barruntar sonrisas. 

Liderados por Miguel Angel Landente, "El poder de voler", (desde el inicio con esos dos desgarros emocionales que son "Bomba de plaer" y "El cel de les Illes Caimán"),  ofrece una amplia gama de sonidos para que quien ya ha empezado a escucharlo no pueda parar hasta el final. 

Ya me quedé flipado con ellos cuando escuché "La experiència gratificant" y "Gran", pero con "El poder de voler" dieron una vuelta más de tuerca, un tirón de orejas al cielo, con potentes tonadas que impactan de manera inmediata como "Cele" y esa gran ternura que se vislumbra en "On t'has clavat". 

Y es que este disco rezuma por todos lados power pop vía The Posies, y unas letras de esas que son como dagas necesarias. "Els professionals" arremete contra la bastarda curia que tanto mal ha hecho (y siguen con ello) a este país, y "Actes d'amor", con esa historia donde la muerte de un bastardo cargo  fascista es sólo la excusa para hablar de muchas cosas más. Se me pone la piel de gallina roja. Tremendo. Vaya sonido. Y vaya guitarras. 

Arrebata "Tacs" como para subirte a una silla y chillar y "Roselleta", versión de un tema de Eef Barzelay es como para tirarte todo el día con el dedo pegado al play de tu cadena. Y la putada de esto es que Senior i El Cor Brutal sigan siendo un grupo desconocidos para la gran mayoría del mundo indie hipnotizados por medianías cutres estilo Love of  Lesbian y toda esa caterva de grupos ya asimilados a la misma coña marinera de siempre. 

Para terminar, la que titula el cd,  ideal para que vuelvas a sus trabajos, para disfrutar con sus frases, para vibrar con su energía. Senior I El Cor Brutal, sin duda, una gran banda. 


martes, 20 de julio de 2021

INSIDES. "Soft bonds" (2021)

 


Ellos formaron parte de ese batallón de bandas que bajo el termino de post rock, nos dieron a conocer otras formas de especular con el rock, con la electrónica, con el ruido. De allí surgieron Bark Psychosis, Moonshake, Pram, Tortoise, Laika, sólo por citar algunos de los muy buenos grupos que nos hicieron fliplar. 

El caso es que 21 años después de su último disco, Insides, Kirsty Yates y Julian Tardo, vuelven con nosotros para llenarnos de las mismas burbujas que nos hicieron flotar en gravitaciones emocionales en aquellos lejanos años. "It was like this once..." y "Ghost music", son el aperitivo para este emocionante viaje donde la levedad nos recuerda a la sensualidad de Cocteau Twins. De ensueño. 

Pero "Soft bonds" tiene más sorpresa. Los ritmos electrónicos de "Misericord" o la extraña oscuridad que recuerda a las obsesiones de David Lynch de "The softets bonds resist resistance", son muestras más que impactantes de un hechizo que te sobrecoge y te sumerge en aguas coralinas de ojos siempre abiertos. 

El teclado lento de "Subordinate" y esa mágica "Hot, warm,cool, cold" te hacen estremecer sin condiciones, y "Half past" nos recuerda a ese tiempo donde Insides se hicieron un hueco entre tanto lumbrera. Para terminar, el epílogo repleto de magia de "Undressing", un canto bajo el albur de alguna luna desconocida. 

Insides, una bomba de relojería para el corazón, un feliz reencuentro, un sentido homenajes a todos los que vivimos el nacimiento del post rock con una intensa satisfacción. 


sábado, 17 de julio de 2021

SEAFOOD. "Messenger in the camp" (1998)

 


Valga este pequeño mini elepe de 8 canciones para traer del olvido a esta pedazo de banda de Londres que nos encandiló con su poderosa electricidad, con su sonido que se acercaba a Sonic Youth, con sus guitarras que te hacían palidecer. 

David Line, guitarrista y cantante, comanda este primer trabajo donde desde el inicio con "Scorch comfort" y sobre todo con la apabullante "Psychic rainy nights", muestra a las claras las preferencias musicales de un grupo que nos dejó 5 discos todos ello disfrutables y necesarios para completistas del buen indie rock. 

"Porchlight" es un torrente de feedback repleto de melodía, un ácido resumen sónico que seguro haría en sus días las delicias de Kim Gordon y compañía. Porque no solo es ese empaque potente a lo Sonic Youth lo que sobresale de ellos. "Ukiah" es lenta y tira para épica sin sonrojos ni manidos mensajes aburridos.

Vaya comienzo que tiene "Rot of the stars" con esa guitarra que presenta el tema y lo deja caer en un salpullido de tristeza que te inflama, o "Dope sax" y esa pulsación de tensión que te deja noqueado. Para terminar, los 15 minutos de "Dig", un vaivén de sube y bajas, de rudeza y lírica, de suavidad y crudeza. 

En fin, quien no conozca a Seafood, desde este blog mi recomendación más sincera. Y es que no hay nada como recuperar estas viejas glorias del ayer tan lejano. Pedazo de banda. 



jueves, 15 de julio de 2021

SQUID. "Bright green field" (2021)

 



Ya tenemos en nuestra mochila a bandas como Black Midi, Black Country, New Road, Shame, Dry Cleaning o Tv Priest sólo por citar algunas de esta avalancha de nuevo post punk que ha venido a insuflar aire nuevo y vertiginoso a nuestra necesitada ansia de escuchar nuevos sonidos. 

Ahora hay que sumar a Squid  y este maravilloso monumento al post punk, a la especulación guitarrera, a la melodía en plan himno que encontramos en temas como ese brutal "Narrator". Ya con "G.S.K."  ponen el mundo a los pies de una juventud airada, repleta de luchas y electricidad a borbotones. 

Y es que la banda del sur de Londres no se anda por las ramas cuando nos hacen mover todo el cuerpo con esa concatenación de ritmos que es "Boy racers",  o ese monumento a la narración anárquica de una sonido que atrapa que es "Paddling" o ese torrente de melodía colosal que compone "Documentary filmmaker", todo una osadía repleta de arrojo y bendita solidez. 

"2010" es atrayente, te envuelve con esas sombras que se vislumbran en el tragaluz del atardecer que viene, y donde el quinteto se muestra retador, consumiendo todas sus influencias en un increíble sonido repleto de espasmos y distorsión. Sin duda, una de las canciones del año cuando los meses avancen y hagamos el necesario resumen de todo lo acontecido. 

O "Peel St." y esa esquizofrénica desbocada que da paso a "Global groove" y su tranquilidad incomoda. Para terminar, "Pamphlets", la mejor excusa para volver a poner el cd, la mejor manera de confiar en que esta hornada de bandas vienen para quedarse, para dar la vuelta a todo, para agitar la coctelera y que salga una bomba que arrase con todo. Bien por Squid. Bien por todos ellos. 


lunes, 12 de julio de 2021

ALAN VEGA. "Station" (2007)

 


"Station" fue el último trabajo que sacó Alan Vega antes de su muerte. De vital y trascendente importancia, como testamento de una vida repleta de aventuras sónicas, el ex-Suicide, nos legó 11 canciones que recuerdan a su carrera con el grupo que le dio fama, y a su interesante trajín en solitario. 

Y es que en "Station" hay de todo y todo peligroso. Desde el sonido industrial que abanica tormentas de "Freedom's shashed", hasta ese post punk danzarin que es "Station station"; no puedes más si has sido seguidor de su obra de cruzar los dedos y desear que se acaba tarde este vertiginoso viaje hacia la locura. 

"Psychopatha" es una elegía cargada de electrónica bizarra, y "Crime street cree", nos muestra la cara más cruda de Vega, retorciendo su voz entre una maremoto de sonido disco mutante, agitado perturbador, como para no dormir en un mes. 

Llevaba sin sacar discos 9 años Vega hasta que salió "Station", y la verdad es que se percibe los deseos del siempre punk Alan de ir un poco más allá de su visceral manera de tratar todo lo que tocaba. "Traceman" es un bucle que no se acaba y "13 crosses, 16 blazin " skulls" es otro grito repleto de caos y elementos repletos de catarsis. 

"Why couldn't it be you" es la única que baja algo el pistón, con su tensión siempre contenida, respirando bajo el agua, subiendo de golpe todas las temperaturas posibles. Buen disco pues para recuperar a este grande, ahora que el calor aprieta servidumbre. Disco difícil, pero como todo lo de Alan Vega, necesario. 


viernes, 9 de julio de 2021

NILS PETTER MOLVAER. "NP3" (2002)


Es curioso el tratamiento de este músico noruego de jazz que desde sus inicios dió a la trompeta. Desde que en 1988 debutó en solitario (antes formaba parte de Masqualero banda que grabó varios discos en el reputado sello ECM), lo suyo siempre fue la mezcla, la fusión de musica electrónica con el jazz siempre a su manera. 

Molvaer siempre se quiso acercar (logicamente le queda bastante lejos) a la etapa de los 70 y 80 de Miles Davis donde el trompetista se abrió a nuevos caminos. "NP3", empieza como un tiro con la envolvente "Tabula Rasa", para al poco en "Hurry Slowly", sentir como se hace envolvente la tecnología de la música electrónica con los aullidos acompasados de la trompeta. 

El caso es que a veces funciona su idea, y otra se queda a medio camino, produciendo sonidos para un club de gafapastas de verbenas casi ambient ("Marrow" y "Frozen", por mucho que se esfuercen de salir del paso no dejan de ser dos intentos pocos validos que se quedan en una repetición de los mismos mecanismos que los temas que dan inicio al álbum). 

"Presence" es otra cosa. Aqui permane la sensación de ingravidez, de levedad, la mejor de todo el disco sin duda, con esa sucesión de calmentes sónicos, y esta vez si, con la trompeta llenándote de dichas y confort. 

Y "Simply so" también cumple con las expectactivas aunque el final con "Little indian" meta un frenazo de lleno. Como toda la discografía de Nils Petter Molvaer, sus producciones se mueven entre la irregularidad, compaginando momentos de emotividad con otros (bastantes) de piloto automático. Nos quedamos pues con las buenas como no puede ser de otra forma. 



miércoles, 7 de julio de 2021

FACS. "Present tense" (2021)

 

Su anterior trabajo "Void moments" (2020), ya fue todo una conmoción. En este "Present tense" han dado otra vuelta de tuerca más, elaborando un hipnótico paisaje de post punk apocaliptico. Esta es más o menos la presentación de este brillante disco que desde que empieza a sonar la bestial "XOUT" te mantiene en vilo durante todo el recorrido de este extenuante sonido. 

Y es que FACS, el trio compuesto por Brian Case, guitarra y voz, Alianna Kalaba, al bajo y Noah Leger a la batería, ha demostrado con este apabullante "Present tense" que lo suyo va en serio, que no tienen límites. Hasta ese pedazo de himno titulado "Stawberry cough" con ecos cercanos a PIL, no hace más que engrandecer el mapa musical de una densidad que emociona y rompe esquemas. 

Nacidos de las cenizas de otros indispensables, Disappears, en este su cuarto disco, se alian a tonalidaes electrónicas, industriales, siempre atrayentes. Sombrios suenan en "Alone without" parece que el disco se estuviera disolviendo en ácido, aguas negras que contaminan las olas del trance que nace de una espontánea agitación que hechiza cada vez que la oyes. Brutal. 

"General public" la que más pudiera parecer un hit, es una danza descabezada, un martilleante sortilegio devorador, aristas por todos los lados, seísmo que encandila, tensión que penetra hasta el tuétano. "How to see in the dark" cabalga en los mismos parámetros de ansiendad descontrolada, con la bateria atronando (se nota el sello Chicago de Electrical Audio). 

La que titula el lp es otra ventolera de crudeza reiterativa, de miasmas que vagan entre cadencias apocalipticas, entre rumores de una explosión sin controlar. Algo así como lo que consiguieron en su día los primeros Liars. Para terminar, la angulosa y reptante "Mirrored", la mejor forma de terminar este rabioso y suculento viaje a los confines de un post punk anémico y desquiciante. Soberbio. 


lunes, 5 de julio de 2021

SAVOY GRAND. "Accident book" (2010)


 Solo sacaron 4 discos, la banda inglesa liderada por el tristón Graham Langley, y este "Accident book" fue el último de una carrera musical cargada de melancolía, de tristeza de campos airados por tormentas que se toman en serio su trabajo de detonación. 

Y es que cuando se empieza un trabajo con una pieza como "A good walk spoiled", ya te puedes esperar las cadencias que encontrarás en este remanso de paz no impostada, un cóctel de slowcore para llevarte a la calle mientras meditas tus próximos pasos a dar ahora que se avecinan los lamentos ("Day too long"). 

Y es que no hace falta mucho a Savoy Grand para entusiasmarnos con su cadencia tranquila. Un clarinete, un piano, una guitarra que mece, una batería que reposa en un standby perpetuo..... "Fourcandles" tiene patina de pop de dormitorio rozando épicos convites para arrenmangarse las lágrimas y "The Doctor's teeth" tiene un poso de himno para rozarte la cara en una ducha de rocío purificador. 

"Last night on earth" rezuma suavidad total, con esos teclados que te alivian, con eso surco de emociones que se clavan en el aire en un malabarismo de prudencia total. Un lujo la voz de Graham Langley, que en piezas como la dramática "The  undertaking" te lleva a desear un retiro plagado de rosas benefactoras, de cuencos de agua que alivien esta sed que nunca se apaga. Tremendo. 

"Photofobia" es el otro plato fuerte de una disco que apabulla por su sincera tranquilidad, por su necesaria no agitación, por el confort que produce su escucha. Siempre es buen tiempo para recuperar discos y grupos como este. Toda una bendición para el espíritu. 


viernes, 2 de julio de 2021

JULIO DE LA ROSA. "La herida universal" (2010)

 

Siempre he seguido la carrera de Julio de la Rosa. Desde sus comienzo con El Hombre Burbuja, hasta su provechoso camino en solitario, todos sus discos tienen ese aliento que hechiza, esa bendición sonora que acaricia. Por no decir su labor como hacedor de banda sonoras de las mejores cintas del cine español (lo de "La isla mínima" es para remarcar). 

"La herida universal" es mi segundo favorito de su discografía. El primero,  es "Pequeños transtornos sin importancia".  En "La herida universal", desde ese inicio tan evocador y triste de "Uno", no te queda más remedio que dejarte llevar por el arrojo de este poeta de las cosas cotidianas, de las relaciones que empapelan sentimientos, de los latidos que a veces se inflaman y otras se paran sin motivo aparente. 

"Tan amigos" es el relato de una amistad que se convierte en un esquivo aturdimiento del corazón y "Las camareras" es una pulsión hedonista hacia la vida total, repartiendo amor sin fronteras ni alambradas de espina. Me gusta como canta Julio, y me gusta lo que cuenta, lo que narra entre neones impulsivos ("El temporal"). 

"La fecha en la tapa" en plan bossa, es todo un punto; amor con un dia de finitud, amor con un sello de hasta nunca. Luego viene mi preferida, "Hasta que te hartes", la más marchosa, hit seguro concebido para saltar los cielos de los susurros. En "No me mires con los ojos" nos hallamos con una de las piezas más suaves y embriagadoras del disco para volver a subir el ánimo con "El traje". 

"Violines de noche" tira al funk con desparpajo y "El amor desperdiciado" es mejor que no te lo pongas si tienes un amor trucado, un adios sin condiciones. Fabulosa. "La herida universal", otro de esos trabajos que de Julio de la Rosa que engancha y emociona. Amor estrangulado. 

martes, 29 de junio de 2021

STEVE VON TILL. "A deep voiceless wilderness" (2021)

 


Parece mentira que tras el sonido ambient de piano y tristeza que rezuma el primer tema del disco, "Called from the wind", se esconda el líder de una de las mejores bandas de post metal, Steve Von Till, de Neurosis. 

Ya sabíamos de sus trabajos en solitario, sobre todo ese espeluznante "No wilderness deep enough" y su doom desolador que te hace trizas. "A deep voiceless wilderness" es otra cosa, porque aquí su voz desgarrada y apocalíptica está ausente y te tienes que dejar llevar por esos mandobles de música sideral para aparear nubes ("We'll always have the sea"). 

Es encomiable la labor de Steve Von Till de abrir brechas en el bagaje musical de su historia como músico del apocalipsis.  Oyes "The emptiness swallows us all" y no puedes más que llorar golondrinas, que mecerte en un susto, pastar en un día de tristeza o dejarte llevarte por el que pasará.

"Shelter in surrender" es como una visita a la discografía de Brian Eno o Gavin Bryars, goznes de ballenas, mares que son siempre incógnita, luces que se apagan mientras brilla a la sombra maravillas del tipo de "The spiraling away". 

Para terminar este viaje hacia un mundo de ojos cerrados, "Nigthsade high country", otra obra de porcelana que encandila y te sumerge en un frenesí que no se acaba. Un puntazo total "A deep voiceless wilderness", suculento y tranquilo eterno océano en calma.


miércoles, 23 de junio de 2021

MDOU MOCTAR. "Afrique victime" (2021)

 


Suena "Chismiten", la canción que abre el disco de este guitarrista tuareg, y la verdad es que no sabes donde meterte con esa marabunta de electricidad que explota entre goznes sincopados, en un África que vomita distorsión, rabia y furia. 

"Afrique victime" es el sexto disco de su carrera, y el primero en el label indie Matador que sirve como onda expansiva para dar a conocer la enorme labor de este tuareg con el alma desbocada. Porque desbocada es la imagen mántrica de temas como "Taliat", y enorme el homenaje del guitarrista que en "Ya habibti" rinde al musico nigeriano Abdallah Ag Oumbadagou, con otro himnos de esos para que te sea imposible quedarte parado. 

En otras canciones de "Afrique victime" lo que predomina es la calma que no se tuerce el brazo por la cantidad de motivos para estar siempre enfadados. Caricias espirituales, escozores inmediatos que te dejan embalsamado en una ola de prudencia interior, en un siseo de luces que no mienten. "Tala tannam" es buena muestra de ellos, como ese portentoso coro que en "Asdikte Akal" te llena la cabeza de ritmo.

"Layla" también transpira oxigeno de cadencias que te absorben y te marean entre oasis de suavidad fugaz. La mejor sin duda, la que titula el cd, con esa serpiente guitarra que parece tener voz propia en siete minutos de celebración total. 

Unos de los mejores discos para llevarte este año al lugar donde vayas de vacaciones, un racimo de sonoridades que son de un frescor que apabulla. África de nuevo habla, y la verdad es que es toda una celebración. 


lunes, 21 de junio de 2021

LÕBISON. "Enemigo de lo auténtico" (2021)

 


Tres años llevábamos sin saber nada de Lõbison, ("La Industria de los sentidos"),  de sus aullidos necesarios, de la voz de Juamba que parece salir de un trueno. Mucho tiempo, demasiado tiempo. "Enemigo de lo auténtico" es hijo del confinamiento, del apartamiento forzado, y quizás por eso haya salido el trabajo más crudo bajo el nombre de Lõbison. 

Porque aquí Juamba hace y produce todo excepto dos colaboraciones de Fernando Zambruno. Aunque no está solo. Se rodeó de un buen elenco de amigas que le prestaron su voz como flotador en medio de un océano plagado de peligro y noches presagios. Y la verdad es que de principio a fin no tienes más remedio que estremecerte. 

No podemos empezar mejor que con "Si buceo no muero", como una invitación a entrar con Juamba en su mundo, en lo que nos espera en el resto de las 9 canciones, un montón de palabras que seducen y se ponen delicadas prendas para salir hacia ocasos imperecederos. "Estancia desastre", con Mónica Navarro de Alondra Galopa es un vals de tristeza infinita, una convite a la reflexión y a cerrar los ojos. 

En "Ya me tengo valiente", es Elena Setién la que acompaña las campanas vocales de Juamba donde como ya nos tenia acostumbrado en sus anteriores trabajos, reparte lírica estrangulada a diestro y siniestro. La música de Lõbison engancha como engancha lo que sabes que nace de las entrañas, del lugar donde los sentimientos andan siempre a la gresca con las sombras. Otro punto fuerte del disco es "Docilidad fingida", con María Guadaña repartiendo las cartas de un juego donde el hechizo esta asegurado. 

"Lázara" es decadencia al por mayor, sonidos depurados, lofi desde un cuarto con las ventanas abiertas a una esperanza demasiado falsa para creerla. En "Golosondrina", esta vez con Laura Arias, te ves sumergido en un pulso que intuyes de antemano perdido, la cordura de un cuerpo dibujado y ensimismado, el perfecto engranaje para que las letras desfilen como susurros en forma de lobos. Porque no debemos de olvidar nuestra condición. Los grandes paisajes, la noche, la lucha, la luna, la batalla por sobrevivir, a veces una derrota, otra una de arena, para mañana siempre la cal....

"Frontón de Luna" me acompaña como un termómetro alocado que sube y baja la temperatura sin más condición que el azar. Juamba cada vez mas crooner del aturdimiento, de soledades extremas y necesidades muy íntimas. Y claro, las cosas hay que cantarlas, no dejarlas que se queden paradas, hay que ventilarlo todo, que no se entumezcan los ojos, que no se apague la luz. 

Para acabar este "Enemigo de lo auténtico", "Escaparate" y el bonus de "Ya valiente". Si has llegado hasta aquí, seguro que estás deseando volver a poner el cd, mirar el pez globo de la portada con un ramo de flores y seguir pensando que en los alambres se sigue viviendo. 

No queda más que festejar más que existan grupos como Lõbison y artistas como Juamba d'Estroso. Y entrañable también la dedicación del disco a ese poeta maldito que se nos fue, Rafael Berrio. Seguimos pues los lobos al acecho de necesidades y respuestas. No existe domesticación posible de los sentimientos que nacen y crecen como un geiser. Y este "Enemigo de lo auténtico" está construido con material inflamado de corazón. 


domingo, 20 de junio de 2021

IT IT ANITA. "Sauvé" (2021)

 

Ya me quedé con estos belgas cuando me estamparon su bilis en su anterior disco, aquel bombazo llamado "Laurent" (2018). En este "Sauvé", continuan su frenético camino a lomos del noise rock, corriendo en el mismo asfalto donde Jesus Lizard, Metz o Sonic Younth, ya dejaron su necesaria huella de accidente necesario. 

"Ghost" es un perfecto inicio, pesada, repleta de feedback, nada comedida en su tensión. "Sermonizer" tiene un aire punk a lo Idles y "See through" es otro esfuerzo gigantesco para llenarnos con su efectiva electricidad compuesta de todo lo necesario para que sea imposible estar parado. Vaya mazacote. 

"More" es quizás una de las que más engancha, con ese toque épico que dispara y aturde y que da paso a "Authority", que podía estar perfectamente en cualquier de Sonic Youth. Noise también vacilón es "Dixon Kentucky", agobiante, matemática, colosal. Que disfrute. 

"Cucaracha" es nerviosa, adictiva, repleta de estrícnina, y "53" quizás sea la pieza de "Sauvé" más seria, mejor estructurada en todos los sentidos, con ese inicio que parece un murmullo, y que al poco se va convirtiendo en una brutalidad noise.

"Routine" es efectiva por sus contrastes diversos, por su pulsión salvaje y la acción coordinada de una instrumentación que hace sacar fuego de los altavoces. Y en "MOEDOH", se dejan llevar por una andanada de sutileza eléctrica, por un boomerang de explosión radioactiva. 

Potente disco este de It It Anita, repleto de sugerencias y de lugares comunes ya transitados, pero no por ello dejan de ser una delicia a los que amamos el ruido. Brillantes los belgas. 


jueves, 17 de junio de 2021

ROSE CHRONICLES. "Shiver" (1994)

 


Imagino que la cantante de este grupo canadiense, se pasó toda su bendita juventud escuchando todos los disco de Cocteau Twins de arriba a abajo. Y es que la voz de Kristy Thrisk, es lo más parecido (siempre salvando las distancias, por supuesto), que te puedas encontrar a Elizabeth Fraser, nuestro musa preferida. 

Ya desde la inicial canción del que fuera su disco de debut, "Dwelling", deja a la claras que este homenaje merecido a Fraser también tiene entidad propia, porque Rose Chronicles milita con orgullo en el shoegazing desgarrador y tiene un sonido propio dentro de las semajanzas.

"Gild-free above", tiene arrojo y electricidad y "Nothing's real" serviría para hacer una escuela de imitadoras de Elizabeth Fraser. Pero ojo, aunque suene casi igual, el sonido es altamente disfrutable. El burbujeo de ensueño de "Diedre", las calorías intimas de "Brick and glue" o ese paseo por las nubes que es "Undertow", no hace más que definir un sonido que en los 90 arrasó nuestros corazones nerviosos. 

"Bottle song" tiene un pequeño deje electrónico y "Visions" es un mar de esporas que esperan la llegada del agua salvífica para soñar mares sin dueños. La más larga la encontramos al final, "Awaiting eternity", donde se explayan bien en un nenúfar repleto de feedback y lírica. 

Solo sacaron dos discos, éste que comento y "Happily ever after" (1996), pero a los que degustamos y buscamos grupos desconocidos de esos años prodigiosos, Rose Chronicles es como un caramelo que dura mucho, mucho rato su sabor tras su degustación. Y es que el hechizo de Cocteau Twins es tan largo.....


martes, 15 de junio de 2021

BLONDE REDHEAD. "Melody of certain damaged lemons" (2000)

 

"Melody of certain damaged lemons" fue el quinto disco en la carrera de la banda norteamericana liderada por su vocalista, la sugerente Kazu Makino, y el que bajo mi punto de vista, cierra la mejor etapa de un grupo que a partir de este trabajo bajó bastante la calidad de su música.

Aquí tenemos temas memorables y barrocos marca de la casa como "In particular" y la adictiva y eléctrica "Melody of certain three", que se dan la mano con otras que navegan entre consideraciones abstractas y tenues tonalidades de otros tiempos como "Hated because of great qualities".

Guy Picciotto de Fugazi, fue el encargado de la producción de un trabajo bien confeccionado, repleto de esos lugares comunes transitados por Blonde Redhead. Alejados ya del ruidismo de sus primeros discos, el grupo ya se empezaba a posicionar en unos parámetros de creación de sonidos decadentes, sin rubor alguno ("Loved despite of great faults").

"This is not" suena a lo más  que tarde en discos como "Misery is a butterfly" iba a ser predominante: art pop desde un salón repleto de oropeles, butacas escanciadas con colores de esos que deslumbran, música para calmar a las fieras 

También ese duermevela con el piano como protagonista que se llama "For the damaged", es otra pieza más de este baile coral que se ve asediada por el noise de "Mother", donde parecen a Sonic Youth de primera época. 

Para terminar, la canción más oída del disco, "Far the damaged coda", basada en el Nocturne en fa menor , op. 55, nº 1 de Chopin. Vamos, que les viene como anillo al dedo este final. Buen disco de un grupo que nunca estuvo entre mis elegidos de esos años, pero que triunfan por su capacidad partiendo desde el indie rock, hacerse un hueco en esa amalgama sonora de las otras músicas. 


sábado, 12 de junio de 2021

BLACK MIDI. "Cavalcade" (2021)

 

No hace falta mucho. Sólo con esa tromba de sonido que da el pistoletazo a "Cavalcade" con esa lujuriosa sección de vientos que apabulla en "John L", te das cuenta que estás ante la presencia de uno de los trabajos más importantes de este 2021. Atrás queda el ruidismo de "Schlagenheim", su potente anterior trabajo. Aquí hay mucho jazz, mucho sonido progresivo, mucho desquiciamiento.  Y eso es de agradecer. 

Un espectáculo de principio a fin, donde Geordie Greep nos muestra sus múltiples caras y donde destaca sobre toda esa bestia de batería llamada Morgan Simpson. Hasta esa versión de crooner le sienta bien a Geordie, como vemos en esos islotes que hallamos en "Cavalcade" como "Marlene Dietrich", donde se apacigua y nos tranquiliza, porque si el ritmo de todo fuera como la que abre el disco nos volvemos todos orates de cabeza. 

Fusión funk en "Chondromalacia patella" que al poco se convierte en un torbellino esquizoide, en una tromba salvaje de tensión que te apabulla y arrasa. Vaya sonido. El single de "Slow" es otra de las muchas maravillas que te encuentras en este caramelo envenenado llamado "Cavalcade"; funk mutante, extrema instrumentación de unos pipiolos que parecen que llevan tocando desde la cuna.  Los de Londres, con solo dos discos ya pueden decirse que han conseguido tener una voz propia, que no suenan a nadie. Su catarsis es un vendaval y un aullido, una bomba que te acosa, un disco que hay que darle tiempo hasta que se pose en tus entrañas. Luego, no podrás despegarte de él. 

"Diamond stuff" es la más oscura, la que condensa con el peligro que acecha en cada segundo de escucha la rabia de un grupo que seguro que está edificando ya los cimientos de un futuro que se percibe grandioso en todos los sentidos. Sin palabras te quedas cuando acometes "Dethroned", aquí casi parece Jeff Buckley Geordie Greep, que te engancha a su soniquete vocal y que deja paso a una visceral escabechina de ruido total.

Para terminar, "Ascending forth" y su romanticismo repleto de mal dolor, un baile al albur de alguna luna perdida, una sincronizada caricia a lomos de una especie de bossa nova marciana. Nada que decir. Solo queda disfrutarlos una y otra vez.


jueves, 10 de junio de 2021

RIVAL SCHOOLS. "United by fate" (2001)


 Sólo sacaron 3 discos entre los años 2001 y 2013, y quizás este "United by fate" es el mejor de ellos, por el que más tarde fueron conocidos. Y es que la banda de New York liderada por Walter Schreifels, compuso un buen conjunto de canciones entre el emocore y el post hardcore más melódico, repletas de sugerentes motivos para fijarse en ellos.

"Travel by telephone" es eléctrica y urgente, rebosante de fuerza y energía. Como "Everything has its point" y ese desgarro emotivo, o "High acetate" donde a ratos se parecen a Nirvana. Música que juega con la distorsión ("Undercovers on"), que navega en las mismas aulas donde antes transitaban grupos como Quicksand o Sunny Day Real Estate.

Potencia, adrenalina, y una instrumentación eficaz, que en temas como "Used for glue" se llena de veneno y en otros como "World invitational" consiguen estrujarnos en un maremoto de pasiones tomadas al asalto por una rabia siempre contenida. 

Todo "United by fate" pasa rápido porque veloces son las ideas concebidas en una producción que no le sobra nada, que reparte aristas ("The swich"), y que no se frena en ningún momento, como una maquinaria habilmente engrasada de principio a fin ("My Echo"). 

Otro combo más para poner en tu discografía cerca de Jawbox, Jawbreaker, Mineral o los ya mencionados Sunny Day Real State. 


 

martes, 8 de junio de 2021

LISA GERRARD. "Immortal memory" (2004)

 

Adentrarse en un disco de la ex cantante de Dead Can Dance, Lisa Gerrard, es garantía segura de que te vas a ver imbuido en una niebla acogedora, en un suspiro de calma nacida por esa voz que amenaza tristezas. Ya puede ser en solitario o en sus discos compartidos, no te queda más que sentarte y esperar que las nieblas desaparezcan entre la bruma de su cantar. 

En este caso a medias con el compositor irlandés Patrick Cassidy, a Lisa no la hace falta mucho para hechizarnos. En "Maranatha (Come Lord)" te falta el aire cuando penetra hasta tus entrañas esas modulaciones etéreas tan suyas (cantada en arameo, hay queda eso). 

Sombras celtas se pasean por este maravilloso trabajo junto a orquestaciones de esas que dan pie a lo mejor de Gerard, como esa épica tonada llamada "Amergin's invocation", nacida para un pelicula de esas de duelos y venganzas, de dolores y transcendencias. 

"Elegy" es puro Dead Can Dance, casi siete minutos paseando cerca de una cascada liviana de ruido, casi siete minutos remando en un lago de profundidad de ternura. Envolvente y mágica. Como "Sailing to Byzantium", y esa tormenta de cuerdas perfecta organizada para elevarte con la estridencia suave de Lisa, con su pulso vocal que transciende y te derrite. 

En "Abwoon (Our father)", Gerrard recita el padrenuestro y lo hace en Arameo. ¿Qué más se puede decir? Nada, dejarse llevar y estar preparado para lo que viene en la que titula el cd, otra muestra de lirismo avasallador, donde Cassidy prepara a la perfección la estancia para la gesta sonora de Lisa Gerrard. 

"Paradise lost" es la más cinematográfica de "Immortal memory" y "I asked for love", basada en un poema de Digby Mackworth Dolben, acaban esta excursión de pulsiones internas que es un trabajo, como todo lo que ha hecho Lisa Gerrard en toda su carrera, necesario e indispensable para los que gozamos de esta paz que irradia de su mágica voz. 

lunes, 7 de junio de 2021

REGULATOR WATTS. "The mercury" (2017)

 

Este interesante disco, recopila todo el trabajo de esta banda nacida bajo la sombra de Hoover, comandada por Al Duhham, y acompañado por Cret Wilson y Areif Dasha Sless-Kitain. Regulator Watts, en activo entre los años 1996 y 1998, desde que se inicia el disco con "48 Donut Queen" y su continuación con "Los Angeles", practicaba una especie de post hardcore emocional, con reflexiones y paradas en puntuales en el post punk. 

A veces se escoraban más en un aspaviento de guerrilla punk como "Nothern innoculation", para otras como en la colosal "Wislow", componer una verdadera secuencia de ritmos quebrados, monolíticas distorsiones que ardían o ralladuras noise como "Rocket to Chicago". 

Debemos el sello BCore la edición de este trabajo, donde se recoge todo lo que Regulator Watts hicieron antes de su único disco "The Aesthethics of No-drog", y donde nos encontramos verdaderas joyas cercanas al emocore como "New low moline". 

Disco pues repleto de aristas y de experimentación ("The Final Lexicon II") de una desconocida banda que es un lujo volver a oír hoy.  Gracias de nuevo al sello catalán por esta indispensable labor de acercanos trabajos tan necesarios como este.


jueves, 3 de junio de 2021

SILVER JEWS. "Tanglewood numbers" (2005)


 "Tanglewood numbers" fue el quinto disco de la banda  comandada por David Berman, y como en todos sus trabajos, cuenta con colaboraciones de todo tipo. Por aqui anda Stephen Malkmus , Bob Nastanovich, miembros de Lambchop y de Jesus Lizard. Vaya elenco. 
 
Y no hay que esperar mucho para el disfrute. "Punks in the beerlight" es uno de los mayores himnos de su carrera  y "Sometimes a pony gets depressed" se cuenta como una de las más ariscas de este trabajo que esta repleto de toneladas de sensaciones para gozar. 

La amable y feliz "K-hole", o la rural "Animal shapes", son muestras evidentes de la soltura de Berman y su grupo en un sensacional paseo por esos caminos donde la calidad musical se une a la efectividad de unos sonidos que para nada pasan desapercibidos a los oidos más exigentes. 

No nos fallaron nunca Silver Jews, y tras la muerte de Berman en 2019, es de obligada recuperación llenarte las horas de tus días con esas sensaciones tan emocionales creadas en canciones como "I'm  getting back into getting back into you".

"The poor, the fair and the good",con Cassie Berman a la voz,  me recuerda a Wilco en ese engranaje instrumental repleto de sugerencias y vaivenes rítmicos, y "Stepings is the only love" es candida y tierna a partes iguales. 

"Tanglewood numbers", un rutilante ejercicio de estilo, un volcán avasallador. A disfrutar toca pues. 



martes, 1 de junio de 2021

HALF JAPANESE. "Crazy hearts" (2020)


En el año 1977, Half Japanese, la banda de Jad Fair, sacaron su primer disco.  Y el año pasado editaron este recomendable "Crazy hearts" , donde se nota porque grupos tan influyentes como Sonic Youth o Nirvana, sacaron en su día a Half Japanese de ese anonimato forzado e inmerecido. 

Y es que si un disco se defiende con canciones y no por la historia particular de una banda, cuando empiezas la escucha de un lp con dos pedazos de hits como son "The beast master" y sobre todo la melodia y adictiva "Wondrous wonder", no te queda más que quitarte el sombrero y vibrar emocionado con una tanda de sonidos de esos que quitan el hipo. 

"Dark world" suena a art punk saltarín y juguetón y "And it is" con sus teclados rebosantes de frescura, te contagian por su nervios y vigor, sonidos de juguete que son pura catarsis de alegría. "Crazy hearts" se grabó en estudio de España, Francia y Estados Unidos, en medio de la pandemia, y la verdad es que el resultado final es todo un punto, sin altibajos reseñables, todo adecuadamente en su sitio. 

"My celebrity" es psicodelia de baja intensidad y en "Late at night"  rezuma de barroquismo triste, pasajes de bajón, reflexiones en voz baja, puro disfrute. La que titula el album es un caramelo de pop inflado con veneno característico de la voz de Jad Fair como moduladora de este experimento colosal que es la música de Half Japanese. 

"As best you can" es extraña y tierna, y en "A Phantom menace", la más poderosa de todo "Crazy hearts", nos muestran sus aristas más sofisticadas, su sonidos más vigoroso. "Let it show" pone el punto final a un soberbio disco, donde asistimos con placer a la buena salud de un compositor, Jad Fair, repleto aun de muchas cosas que decir. 


 

domingo, 30 de mayo de 2021

RANDGA. "Formely extinct" (2012)

 


Vaya sonido que se gasta Randga. Formados por el guitarrista de Sun City Girls, Richard Bishop, también a la guitarra Ben Chasny de Six Organs of Admittance y el batería Chris Corsano, el trío hace en este su segundo disco, lo que en el primero ya dieron muestras de ello: eficaz música instrumental repleta de psicodelia, recovecos, aristas y mucha tensión. 

El comienzo no puede ser más cañero con ese disparo que es "Idol's eye", para en "The Vault" envolvernos en una puntazo de punteo que recuerda a los Television de su mejor época. Cuando suenan cálidos y tiernos, te meten en el bolsillo, como esa especulación lírica llamada "Silver Nile", con sus once minutos de continuas disgresiones para amantes de los que no nos gusta las aventuras sónicas.

"Plugged nickel" tira por la calle de en medio del mathrock , y "Majnum"  se resuelve con su potente armazón instrumental, arabesco de distorsión, punteos devoradores que en la pequeña "Goodbye Mr. Gentry", nos da un respiro para continuar el viaje con "Tres hambres" y su espejismo de cuerdas que sierran silencios. 

Terminamos este "Formely extinct", con "Night porter", la mejor manera de acabar este psicodelia devoradora, este dislate de maestría sonora que hará que gocen todos los que no tengan reparos a la música repleta de ortigas.



jueves, 27 de mayo de 2021

MICHEL CLOUP & PASCAL BOUAZIZ. "À la ligne- chansons d'usine" (2021)

 

Josep Puntus escribió una novela en verso llamada "À la ligne. Feuillets d'usine", donde habla de la monótona existencia de un obrero en una industria de manufacturas de latas de pescado. Una cadena de montaje, que sirve como metáfora de una sociedad cada vez más sistematizada, y los pensamientos del obrero en su diario trabajo repetitivo. 

Michel Cloup unió su suerte con el Mendelson Pascal Bouaziz y su fiel compañero en Michel Cloup Duo, Julien Rufié, para componer este maravilloso retazo que a los que seguimos desde hace años la carrera de Michel Cloup nos satisface muy gratamente. 

Y es que desde que suena "C'est fantastique" con ese toque de rock arisco entre la tonada de Michel y esa distorsión tan bien llevada o ese pedazo de hit que es "À la chaine" donde Pascal y Cloup se enzarzan a duo en representar las condiciones de trabajo tan programadas, tan repletas de los mismos ritmos, las mismas pocas pausas. Tremenda. 

"Les néons" es cruda y casi industrial y "Travailleurs de l'usine" , mi preferida, podría estar en cualquier trabajo anterior de Cloup. Perfecta. "Le tofu" es bellamente rallante, machacona y repetitiva y "Le week-end", esta llevada la voz por Bouaziz es la mas lírica y estranguladora. La más experimental del lote es ese pedazo de paisaje después de la batalla que se llama "Le bulots", en crescendo entre un marasmo de tensión que incendia. 

Y ecos de Swans encuentras en "À l'abattoir", industrial entre ordalías de ruido y demolición. Bravo por Michel y colegas. Luego llega la calma y te embrujan con "Penser à autre chose" un himno en toda regla y juegan con la electrónica con la extraña "Pok-Pok". Las dos partes siguientes de "À l'abattoir" siguen la misma pauta que el primera: desborde sónico, apetencia de ir más allá. 

Al final, el mismo Puntus, aparece recitando sus palabras en "À la ligne" y en "Il y a", dos maneras a lo grande para terminar un trabajo bellamente estructurado, y que suma y sigue en la provechosa carrera de Michel Cloup. 


martes, 25 de mayo de 2021

ATOMIC. "Boom boom" (2003)

 

Qué atronadores sonaba esta banda noruega sueca de jazz, que manera de debatirse entre un montón de sonidos percutidores, de free jazz libre, progresando en múltiples maneras, reptando entre una cantidad considerable de sinuosos campos de ritmos frenéticos y a veces sincopados ("Toner fran for"). 

La que titula el cd es una bestialidad. El quinteto se esfuerza en una especie de tour de force donde cada instrumento suena más caótico, donde todo es una fiesta de tensión continua, lugar para que el batería Paal Nilssen-Love nos rompa los oídos con sus crujidos. 

Si el norte de Europa, siempre ha sido hogar de sonidos más accesibles como Jan Garbarek o la melancolía de E.S.T, Atomic siempre apostaron por lo rudo con reflexiones que te hacen palidecer ("Feets from above"). 

En ocasiones bajan el pistón y te mecen con suavidad como en la increíble "Praeludium", para a continuación seducirnos con los focos puesto en el club de neón que te imaginas cuanto te adentras en "Cleaning the dome". 

"Alla dansar samba til tyst musik", es el contrabajo la voz hecha música lo que llena el espacio con esa enorme amplitud. "Hyper" suena a bomba atómica y el final con la versión de Radiohead, "Pyramid song", pone la guinda a un grupazo del cual tuvimos las últimas noticias con "Six easy pieces" en 2017. Una maravilla pues donde perderse con fruición. 


domingo, 23 de mayo de 2021

APHEX TWIN. "Selected Ambient works 85-92" (1992)

 


Un hito. Sin duda este disco, el primero de Richard D. James con el nombre de Aphex Twin, fue el banderín de enganche donde muchos otros se miraron para la evolución de la música electrónica actual. Y es que este disco es de esos que aunque hayan pasado los años suena fresco, natural, innovador, cautivador. 

Sólo con el inicio tranquilo y relajado de "Xtal", el cuerpo te pide más. Por que hay mucho más en "Selected Ambien works 85-92" que un compendio de reflexiones electrónicas. Aquí se encuentra el tecno en fase terminal como en "Tha" o paseos por la pista de baile como la maravillosa "Pulsewidht". Vaya pasada. 

A uno que siempre le ha tirado el sonido de las guitarras bien distorsionadas, no puede más que quitarse el sombrero cuando escucha brutalidades minimales como "Ageispolis". Y es que si ya antes que Aphen Twin grupos como The Orb o Biosphere habían puesto su granito de arena, en este primer lanzamiento de Aphex Twin se ve todo condensado, aromatizado, repleto de encanto ("Ageispolis"). 

"I" es un oasis ambient para perderse entre dunas de noches que no se acaban y "Green Calx" nos traslada a mundos donde la tecnología fría y distante recorre tu espina dorsal con sus clamores infecciosos. "Heliosphan" es otra de las piezas cumbres que se da la mano a los casi ocho minutos de "We are the music makers" pura catarsis evocadora. 

Vuelve a la furia del tecno mas intrigante en "Ptolemy", para instalarnos en "Delphium" en una caravana con destino a las innovaciones más espectaculares desde una vertiente tecnológica innovadora. Aphex Twin, sin duda un nombre para tener siempre en cuenta cuando queremos hablar de música electrónica de alta calidad. 



jueves, 20 de mayo de 2021

RADIAN. "On dark silent off" (2016)

 


Caí rendido ante ellos cuando me hice con su monumental disco "Juxtaposition" (2004). Y  es que trio vienés tiene algo que hipnotiza, que te lleva a engancharte a su sonido difícil, a sus máquinas aleatorias que se prenden de un mar de deseos de experimentación. 

Todos sus discos expresan revuelta, abruptos panoramas repletos de aristas pero también de belleza. Con este disco se despidieron, y lo hicieron a lo grande. Empezar con ese torbellino de kraut inquieto que es "Pickup pickout" ya nos pone sobre aviso de lo que se esconde por aquí. Parece que hubiesen querido para su despedida insuflar algo de aire dentro de ese laberinto sónico que te deja boquiabierto, como la que titula el cd. 

"Scary objects" es minimal, industrial, un espigón a la deriva en medio del mar. Y es que la banda de Martin Brandlmayer y sus colegas saben estrujar sus aparatos analógicos, regalándonos volutas de humo, golpes de efectos de sombras sónicas como en "Recreate loved objects".

"Blues noise, black lake" y los catorce minutos de "Rusty machines, dusty carpets" resumen a la perfección el poderío instrumental de un grupo que supe desde el post rock explorar todo tipo de paisajes peligrosos, complicados para el oyente, pero a la vez adictivos. 


martes, 18 de mayo de 2021

THE WEDDING PRESENT. "Locked down & stripped back" (2021)


Doy al play. De inmediato suena "A million miles", y noto como se me erizan el vello. Vale, no es igual que hace tatos años pero Gedge sigue teniendo la varita mágica hacedora de tantos merecimientos.

"Locked down & stripped black" nace del confinamiento, de estar encerrado nacieron estas versiones de sus viejas canciones y todo es como un caramelo del que no se va nunca el sabor. "Sports car" y "Starry eyed", entre lo acústico y lo eléctrico (como la mayoría del cd ) continua con esa ultima dedicación de The Wedding Present de grabar y volver a grabar sus antiguos hits de mil formas posibles.

"California" se parece a su versión original pero dejando atrás algo de su componente de distorsión. No pierde fuelle en ningún momento. Y es que no nos cansamos nunca de oír a The Wedding Present. Es como un aperitivo que nunca nos sacia, que siempre te pide más. Por eso es tan edificante su escucha. Viajamos en el tiempo y tenemos la certeza de su potente presente. 

"Blonde" enteramente acústica, es un pasote de guitarras que olvidaron la hecatombe para ceñirse a una fragilidad que te arrasa, mientras "Granadaland" rememora los viejos aspavientos de "Bizarro" pero sin tanto veneno. 

"You should always keep...." es alegre y saltarina y "Deer caught in the headlights" otro hit de esos que prende la chispa entre alboroto y festejo rutilante. Todo "Locked down & stripped back" se confirma como un sólido entretenimiento para los fieles seguidores de la que ha sido una de las bandas más importantes de la historia. Que no pare de sonar "My favourite dress", que no se detenga Gedge en este viaje sin fin. 



domingo, 16 de mayo de 2021

DINOSAUR JR. "Sweep it into space" (2021)

 

Quizás no pase a la historia como el mejor disco en la discografía de Mascis y sus chicos, pero tras 40 años en la carretera, ¿qué más se puede pedir a Dinosaur Jr? Siendo "Sweep it into space" de lo más tranquilo de su carrera, continuan teniendo el frenesí que nos conmovió cuando nos hicimos adictos a "Green mind". 

Y es que "I ain't" es la mejor manera de dar el pistoletazo a éste su duodécimo disco. "I met the stones" tiene un inicio casi de metal para rápido encontrar a Mascis cantando como sólo él sabe hacer. Kurt Vile lleva los mandos de la producción, y no se si será por ello, pero el sonido (sobre todo la batería) no ha salido como debería. 

Disco accesible pero para nada malo. Y es que la unión de Lou Barlow, Murph y el propio Mascis es imposible que no nos topemos con por lo menos 5 o 6 temas de esos que deslumbran ("To be waiting"). "I ran away" es un single en toda regla, como antaño, retorciendo la melodía con cariño, aspavientos eléctricos que nos lleva a tiempos lejanos.

Hay momentos en "Sweep it into space", como "Garden", que parece que las canciones entren con el piloto automático, pero se lo perdonamos porque también nos regalan aullidos como "Hide another round" con esos parones de la casa y esa lírica eternamente juvenil. 

La cosa empieza a decaer cuando te encuentras con canciones como "I expect it always"  o "N Say", pero llegado ya a este punto, corremos un tupido velo y levantamos el pulgar hacia arriba para decirles que si, que el tiempo pasa, pero que si siguen confecionando estribillos para llevarte a la memoria, siempre tendrán un hueco en nuestras estanterías. Añoranza del ayer en un presente honesto que no engaña a nadie. 


 

jueves, 13 de mayo de 2021

MASSIVE ATTACK. "Protection" (1994)


 Qué buenos que eran Massive Attack. El trip hop tiene su baluarte principal con ellos, y todos sus trabajos son indispensables. "Protection", fue su segundo larga duración tras el aclamado "Blue lines", y empezarlo de una manera tan grandiosa con la voz de Tracey Horn en la rutilante que da titulo al lp, es tener la certeza de que los que nos espera después te va apabullar.

Disco repleto de colaboraciones, cada tema es una obligada parada de uso y disfrute. Tricky aparece en "Karmacoma" para poner el punto de éxtasis, a la yugular a la primera de cambio. Y es que "Protection" navega a la perfección y sin sonrojo por los mares del del hip hop, del soul o el dub, en una maravillosa fiesta donde los confetis abundan ("Treee"). 

En "Weather storm" tiran del gran Craig Armstrong para escorarse al ambient y "Spying glass" Horace Andy es el que lleva el mando con una especie de dub mutante explorando nuevas conexiones entre la tecnología y los escarceos de baile. Un puntazo. 

Vuelve la dulzura con la voz de Tracey en la hipnótica "Better things", para volvernos locos del todo con Tricky y Robert de Naja en la espeluznante "Euro child". Y es que no me extraña que el termino trip hop germinase con "Protection". La carrera de Portishead o Tricky se ven reflejadas en este espejo multicolor que es "Protection". 

Y para terminar, otros dos puntos fuertes. Craig Amstrong de nuevo nos arrebata en "Heat miser" y el cover de los Doors en "Light my fire". ¿Qué más se puede pedir? Siempre es buen momento para recuperar toda la discografía de estos geniecillos de Bristol. Con "Protection" te impregnas de estas buenas esencias que sirven para saltar hacia el resto de su discografía.


 

martes, 11 de mayo de 2021

PIL. "This is PIL" (2012)

 

"This is PIL", fue el noveno trabajo de la banda de John Lydon y el primero en salir en 20 años. En 2009 Lydon ideó la vuelta a la escena de uno de los combos más importantes del post punk, y este "This is PIL", es el resultado de esta necesidad del ex-Pistols de no pasar al olvido. 

Y tanto la que titula el cd como su continuación "One drop" son una respuesta ideal a los que pensaban que ya se agotó el filón de las buenas canciones. Ritmos danzarines, la misma voz alocada de siempre, punk funk para moverte con desenfreno.....

Acompañado por Lud Edmonds (The Damned), Bruce Smith (The Pon Group y The Slits) y Scott Firth, el disco es de disfrute máximo para lo que no nos hemos perdido ningún trabajo del deslenguado punk. "Deeper water" tiene aristas y brío, y "Terra-gate", la que más me gusta, es la más post punk del lote, con guitarras que rabian, con furia sin contener. 

Hay también espacio para guiños a la electrónica como la vacilona "I must be dreaming" y en "It said that" es la que más se evidencia la importancia de la forma de cantar de Lydon en medio de una turbación de sonidos orientales con la guitarra de fondo incordiando con sacudidas escrupulosas. 

Una hora de disco, una hora donde se sintetiza todos los parabienes de un inolvidable grupo. "The room i am in" es la más experimental del trabajo con recitado incluido y "Lollipop Opera" la más alocada y bailarina de todo el lote. 

En "Fool" se muestran más reflexivos, para terminar con "Out of the woods" y sus casi 10 minutos de disloque ritmico. Buen disco este "This is PIL", para los que seguimos completando la historia del post punk. 



lunes, 10 de mayo de 2021

PREFAB SPROUT. "Crimson/Red" (2013)

 

Qué buenos que son Prefab Sprout y que poco caso que les he hecho. La culpa como siempre suele pasar es debida a esos prejuicios por haber colocado al grupo como uno de esos grupos que en los 80 se instalaron en las radios de todo el mundo por su música digamos comercial, con pocas oportunidades para luchar por nuestra atención.

Pero Prefab Spout siempre fueron mucho más que un combo hacedor de hits imparables. Tan solo escuchando el comienzo con "The best of jewel thief in the world", con ese chorro de voz de Paddy McAloon, y esa melodía que te hace sonreír, te echar atras tus prejuicios.

"Crimson/Red" fue la primera noticia de Prefab Spout desde 2001, y la verdad es que es una maravilla. La ternura de "The list of impossible things", o esa epifanía grandilocuente llamada "Adolescence", nos muestra a un compositor en pleno estado de gracia, repuesto de sus dolencias de salud, mirando de reojo todo el éxito que le brindó la suerte, sabiendo que quien tuvo retuvo. 

Sí, va siendo hora de que intente reparar el olvido inmerecido por mi parte hacia un grupo repleto de bellas exquisiteces ("Grief built the Taj Mahal"), que ha sabido por todos los medios posibles no convertirse en un espantapájaros del ayer ("Devil came a-calling"). 

Los que pasaron a la posteridad con ese trabajo llamado "Steve McQueen", aparecieron en el año 2013 con este tesoro repleto de purpurina, seda olorosa  ("Billy"), o dedicaciones especiales a Jimmy Webb, en "The songs of Danny Galway".  Y es que "Crimson/Red" es un compendio de buenas noticias para los que les siguieron en sus días, y para los que como el que escribe, intenta volverlos a traerlos del baul de los objetos perdidos (que pasada "The old magician"). 

Prefab Sprout, un lujo de sonido, un portento de artista Paddy, un disco que reconforta y alegra, ¿qué más se puede pedir?



viernes, 7 de mayo de 2021

THE DEAD TEXAN. "The Dead Texan" (2004)


 Sólo editaron este disco. Adam Wiltzie (Stars of the Lid) y Christina Vantzou, sacaron este bello lp repleto de lugares para buscar refugio, post rock duermevela, sinuoso y adictivo. 

"The six million dollar sandwich" y "Glen's goo", son los primeros pasos de un viaje sin retorno a lugares ignotos donde la calma y la suavidad succionan tu respiración a cada avance de los minutos. El trabajo se realizó como un proyecto audiovisual entre los dos artistas, donde la colaboración entre Adam y Christina dio como resultado un crisol que bien pudiera estar en la discografía de Stars of the Lid.

"A chronicle of early failures" tanto en su "Part I" como en su "Part II", son un nube de sonidos para soñar, para asumir la presencia de la tranquilidad en medio de la convulsión, volutas de pájaros al viento que se mueven entre intrincados bosques aturdidores. 

"Taco DE macque" y "Aegina airlines" se configuran como las dos piezas que más te ensimisman, por su cadencia neoclásica, por su tristeza capaz de derritir los hielos de la ausencia más intrincada. Colosal sin duda. 

Este disco homónimo es para velar tu cansancio, para reforzar el deseo de soledad, para esparcirte entre teclados y ruidos leves ("La ballade d'Alain Georges"), luminoso pestañeo de mariposas de una pareja que supo describir a su manera amaneceres resplandecientes.


miércoles, 5 de mayo de 2021

DIRK. "Craks in common sense" (2020)

 


Dirk. a día de hoy es uno de los puntales más importantes de la música independiente belga, y en este "Cracks in common sense" saben llenarse de razones para confeccionar auténticos temazos de indie rock como este potente "Hit" que perfila el sonido que vamos a encontrar en este su segundo disco. 

Y es que en este trabajo cabe de todo. Pequeños acercamientos al punk de Superchunk como en este petardazo llamado "Pastime", o en "Mother" que nada más suenan los primeros acordes nos viene a la mente los Pixies de "Velouria". 

No, no inventan nada Dirk., pero tampoco les hace falta para contagiarnos desde el inicio con esta batidora de expresiones de otros tiempos traídas a la actualidad con una importante función de credibilidad. Otro de los puntales del álbum es la desgarradora "Counterfeit", eléctrica, melódica, abrasiva. Todo un placer vamos. 

"Artline" es un barullo preciso, un single en toda regla, para votar, para ser frescura en el verano que viene, para subir el volumen con un montón de truenos. Vamos, que lo que te vas a encontrar en este "Craks in common sense" es pura diversión de principio a fin. 

Más para destacar: "Toulouse" y su rabiosa juventud que te empaña la sonrisa de otros tiempos ya desaparecidos y "Golly" y esos coros en plan Weezer que son todo un acierto. Apuntad pues el nombre. Seguro que se hablará bastante de ellos.