EggS. "A glitter year" (2022)

 No hay que esperar mucho. Empiezas la escucha del disco y suena "Local hero" y piensas, ¿de dónde ha salido este grupazo? Vaya sonido. Como si en tromba volviera a nosotros toda la esencia del mágico sello Flying Nun, los galos han de EggS han hecho un disco que sienta cátedra. 

Guitarras que escuecen y emocionan, ("How it was before"), juego de voces de esos que te derriten al segundo de escucha, con una facilidad pasmosa para llevarte al huerto, para recordar como era lo música hace tanto tiempo ("Old fashioned virtue"). 

Me tienen fascinado. No paro de escuchar este breve disco de a penas media hora pero repleto de suspiros y de melodías perfectas, anclado en una máquina del tiempo donde todo es posible y donde se generan hits instantáneos de un confort espectacular, que levanta el ánimo al instante, como ese torbellino que se llama "Daily hell". 

Radiantes, luminosos, su sonido es un arcoíris de esos que deja caer pequeñas gotas de un agua que estremece y te deja absorto y feliz como "Certain smile" y ese poso ha Beat Happening que tiene. Hasta cuando bajan el pistón como cuando oímos "Turtle island" tienen la suficiente medicina para impactarnos con alegría. 

Pero es en temas como la furiosa a medias "Walking down to the cemetery road", donde aportan con su brío la dosis suficiente de feedback para levantar a un finado. "Crocodrile tears" y su pulsión de electricidad melódica que contagia, "Still life" y ese saxo que hace un agujero en las nubes para que te caiga un chaparrón de nostalgia gratificadora. 

No me puedo quitar a The Sound cuando suena "Silence Kills", y el final con "Masquerade" certifica que estamos ante una de las bandas con un presente enorme y un futuro a escribir. 

DRIVE LIKE JEHU. "Yank crime" (1994)

 

Solo les bastó a Drive Like Jehu dos discos para forjarse una leyenda dentro del post hardcore. Dos discos y 5 años de duración como banda.  Porque tanto el lp homónimo como sobre todo esta barbaridad llamada "Yank crime", son dos artefactos de esos que penetran como una cuchilla. 

Rick Froberg y John Reis formaron una grupo que daba miedo. Influenciados por el legado de Husker Du, Drive Like Jehu fueron más allá, como lo demuestra la primera canción de este disco "Here come the Rome plows", catarsis explosiva sin parangón. 

El cuarteto de Oregón después de tanto tiempo pasado sigue haciendo que vibremos como cuando lo escuchamos por primera vez ("Do you compute"). Y es que sus guitarras afiladas, la distorsión que apabullaba y un extraño toque melódico que sólo se dejaba intuir ("Golden Brown"), componían un caldo de cultivo total para la agitación emocional. 

Podemos decir que Drive Like Jehu fue el puente para lo que más tarde nació como emocore. Se dejaba entrever en sus composiciones un poso de dramatismo, un extraño bucolismo agazapado tras un azote de guitarras ("Luau"). En su época, con Fugazi como foco catalizador, no fueron lo suficientemente visibles ni tuvieron la suerte para acaparar portadas, pero ellos, a lo suyo, consiguieron un sonido inigualable. 

"Super unison" empieza con un zumbido que se convierte al poco en una de las cimas de un imprescindible disco para los amantes de las sensaciones fuertes. Qué pegada que tienen temas como "New math", un geiser desbocado, con un batería, Mark Trombino, que parece que se va a romper los brazos en cada toque de baqueta. 

A Drive Like Jehu les gustaba especular con desarrollos largos en sus temas, que iban creciendo poco a poco, hacia una tensión que se inflamaba con paciencia como nos muestran en los 9 minutos de "Sinews".

En conclusión, un disco de esos que debes de tener sí o sí en tu discografía. No pasa el tiempo por él. Su sonido arrasa.

 

DOCTOR DIVAGO. "La tierra prometida" (2023)

 

33 años a sus espaldas llevan los valencianos Doctor Divago. Ahí queda eso. A ver que grupo por estos lares puede decir que después de tanto tiempo en activo puedan mostrar un estado tan sano y lozano como el que nos muestran  desde que suena la rutilante "El día después". 

Tan solo hace falta la media hora que dura "La tierra prometida" para satisfacer al que le gusta las cosas bien hechas, el rock sin impostura, las letras conseguidas con unos músicos siempre competentes acompañando al tenor Manolo Bertrán produciendo  temas tan efectivos como  "Mi suerte y la tuya también". 

Canciones repletas de un suave acogimiento  ("Ojos de serrín"), otras que vienen cargadas de rugidos de electricidad como "De puntillas (mejor dicho, levitando)", y siempre con una carga profunda en unas letras que son  historias que se te quedan grabadas ("La tierra prometida"). 

"Tan ocupado" es medicina de la buena, una buena dosis de adrenalina en vena, rabia que incendia, rock sin aditivos, programa especial de aire libre de petulancia contaminante. Porque la música de Doctor Divago está repleta de profesionalidad, de repiques de hondura y de aquella maestría que nace del trabajo serio de muchos en la carretera ("La verdadera luz"). 

Dan en el clavo cuando suena "El autillo vuelve a cantar", otra tonada más para sumar al carro de la larga secuencia de temas donde resumen a la perfección lo que significa Doctor Divago en nuestra música: honestidad. 

Doctor Divago están de vuelta, y éste enfermo está muy sano. Su propuesta sigue siendo como el primer día, igual de emocionante. 

FUCKED UP. "One day" (2023)

 

"One day" es el disco de los canadienses Fucked Up menos arisco, más elaborado en la contención a base de crear verdaderos hits donde la melodía es la principal baza en un juego donde encuentras canciones ganadoras como "Found" y sobre todo "I think i might be weird" un single de esos que arrasa por su drama, por esa forma tan peculiar de cantar de su frontman Damian Abraham. 

El disco es una concatenación de distorsiones y de diversión, post hardcore decorado para llegar a todos los públicos que no tengan miedo de saborear el forcejeo de un feedback avasallador ("Hug new hear"). 

"Lords of Kensington" es otro tema excelente, pertrechado en una fogosidad que rápido llama al incendio, a elaborar un grito en medio del gentio. Porque punks parecen en "Broken little boys" , y el piano de "Nothing's immortal" no deja de ser una anécdota en un disco que rezuma fuera por los cuatro costados. 

La que titula el trabajo es otro de lo puntos fuertes, aunque si tuviera que elegir un tema me quedaría con "Cicada" puro Bob Mould desde el segundo 1 hasta el final. Pasote de tema. Terminan con "Roar", el grito de guerra perfecto para terminar este disco donde es imposible encontrar un lugar para la apatía. 

VON SÜDENFED. "Tromatic reflexxions" (2007)

 

Qué puntazo después de años de su muerte, es adentrarse en este pedazo de disco que el inclasificable Mark E. Smith pergeñó junto con miembros de Mouse on Mars. Esto sólo lo podía hacer él. Aquí aparece su voz en medio de un galimatías de música para no parar de bailar ("Fladermaus can't get it"). 

Todo "Tromatic reflexxions" es altamente disfrutable.  Nos encontramos la forma tan peculiar que tenía Smith, hacedora de hits tan incontestables como "The Rhinohead", junto a todo una turba de sonidos houses, electrónicos, tecnos, que son un puro y divertido dislate para no aburrirse jamás (Flooded"). 

Música para la pista de baile la que generan esta unión germano-inglesa, donde aunque no sea tu estilo preferido, con Mark E. Smith, no tienen excusa para no parar de moverte, de gozar de esta ensaladera de rubores y festejos continuos ("Family Feud"). 

"Speech contamination/german fear of Österreich" participa de este jolgorio con una inusitada corriente  frenética para danzar hasta el fin de los tiempos. Se relajan algo en la minimal "The young the faceless and the codes", para volver al combate puro y duro con "Duckrog". 

Vaya vacilada onda The Fall que es "Chicken Yiamas" y como te pones cuando suena ese martillo cargado de tormentas que se llama "Jbak Lois Lane".  Lo dicho, para que nunca nos olvidemos de Mark E. Smith, oír este disco es como para volver a querer escuchar toda la discografía de The Fall.

DobleCapa. "Suave con la canoa" (2017)

 

Blues destroyer. Porque no esta definición para lo que encontramos en este primer disco de esta pareja de madrileños, Arianne Picón a la batería y Mario Navajas al cigar box. Suena el estruendo en forma de tormenta que hace nacer el disco, con "A todas pastillas!" y ya sabes lo que te espera. Rock instrumental, blues matemático, aullidos en algún desierto aun por inventar ("Bola de energía"). 

Su siguiente disco "La Felpa" (2019), fue grabado en Chicago por Steve Albini en sus famosos estudios. Algo vería el bueno de Steve en ellos. Y la verdad es que no me extraña, porque meten ruido, con destreza enarbolan un discurso repleto de posibilidades, de secuencias de rugidos de corazón henchido como vemos en "Muntanyeta de merda". 

En "Jazmineta" parece que se tranquilizan algo, pero es sólo una falsa sensación. La que titula el lp es una estructura bien fornida de espeología instrumental, de ruidos que se encuentran con la ciénaga y con la capacidad de repartir sugerencias a base de riffs sucios. 

"Estás hay que no te sostienes" y "Vas de guays con la ropa rota" forman el decorado final a un suculento armario de ropajes diversos, donde el blues predomina, donde el blues es la insania que todo lo cura. 

IGGY POP. "Every loser" (2023)

 

75 años!!!!!. Si, 75 años que tiene el bueno e incombustible Iggy Pop cuando nos regala este pedazo de artefacto de espoleta retardada llamado "Every loser". El último punk, el viejo joven, el artista que parece que aguanta como si el tiempo le hubiera dado una tregua eterna, y que tiene el morro de empezar el disco con ese disparo certero llamado "Frenzy", vacile juguetón, rock macarra, llámalo como cojones quieras. 

Luego viene la historia de un yonkie en plan más tranqui, "Strung out Johnny", para continuar con la épica con esa soberbia "New Atlantis", tema de esos que estamos acostumbrados a oír a la iguana mil veces, y mil veces que lo disfrutamos, con esa tonalidad tan suya, con esa forma inigualable de cantar que se pasa por el forro a las modas y a los estilos. 

"Modern day ripoff"  es casi Stooges y luego viene mi favorita, ese vals llamado "Morning show", porque todo sabemos que cuando Iggy se pone tierno, puede romper en cielo en mil pedazos, agitar tormentas, y hacer un coctel con la intensidad de un rubor cualquiera. 

Cuando llegas a "Neo punk",  ya te das cuentas quien es el jefe de todo el cotarro. A Iggy nunca le hizo falta imperdibles. Con su actitud y hacer le sobra. Pedazo de de singles para la eternidad. "All the way down" es otra de las grandes en un disco que no baja del 8 alto, que se mantiene como uno de los mejores trabajos de Iggy de toda su dilatada discografía. 

 Me gusta "Comments" por ese regusto a la música que escuchábamos en los 80 y para terminar, "The Regency" el ocaso de un trabajo que una vez que te lo pones en tu aparato reproductor no puedes dejar de escucharlo. Grande Iggy, eterna iguana que acompañas nuestras querencias musicales desde tiempo inmemoriales. 

DISAPPEARS. "Pre languague" (2012)

La tercera vez que Disappears aparece en Discos Pensados, y como las dos anteriores, por la puerta grande. El grupo de Chicago (que cuenta esta vez con la presencia de Steve Shelley de Sonic Youth entre sus filas) desde que suena  "Replicate" con ese aire a The Fall demoledor, consigue enarbolar un discurso donde los latidos son expresiones de tormenta. 

Brian Case (antes en 90 Day Men y The Ponys y ahora en los muy interesantes FACS), lleva la batuta de una banda que nunca bajó el listón. El tema que titula el cd es una fulgurante expresión donde la guitarra se mece en aires post punk de los 80 y "Hibernation sickness" consigue que nos acordemos de Sonic Youth. La presencia de Shelley, como no, se tiene que notar. 

"Minor patterns" es ruda, lineal, casi kraut rock, y en "All gone white" se las apañan para traernos a la memoria las mejores esencias de Girls Against Boys. Así eran Disappears, un torrente, lava que no se frenaba ante cualquier dique. 

Siempre consiguen que les sigamos el juego, que afrontemos el reto de su tensión que nunca es impostada, que milita en la certeza de la incertidumbre ("Joa"), o hacedora de himnos de la desolación como esa radiante y oscura "Fear of darkness", mi favorita de un disco de esos que no hay que perderse. 

Nada falla en "Pre languague", que se despide con las incomodas "Love drug" y "Brother Joliene", la mejor manera de que el incendio no pare. 

POLVO. "Cor-crane street" (1992)

 

Con este disco se destapó esta enorme banda proveniente de la escena de Carolina (Superchunk, Archers of Loaf) , una de las bandas más interesantes de los 90, donde destaca sobre todo la gran versatilidad vocal y guitarrera, entre Ash Bowie y Dave Brylawski, acompañados por Brian Quast a la batería y Steve Popson al bajo. 

Desde que suena esa tormenta instrumental llamada "Vibracobra" seguida por ese arreón de distorsión que es "Kalgon", te das cuenta que la propuesta de Polvo, tenía una personalidad propia, escarbando entre riffs estrambóticos y unas pulsiones eléctricas que les dotaban de una capacidad de sorpresa que que les hacía únicos. 

La verdad es que enfrentarse a burradas como "Bend or break" es todo un festín de fuegos de artificio altamente disfrutable, con un feedback avasallador, donde las guitarras parecen que aúllan como nos muestran en "Can i ride"

Uno de los puntos fuertes del álbum lo encontramos en "Channel changer", elaborada y radiante, repleta de disgresiones y cambios de ritmos. En eso Polvo eran unos estudiantes privilegiados. Indie, mathrock, noise. No sabías donde ubicarlos porque lo suyo era una propuesta de otros colegas de la época, y la verdad es que su música con el paso del tiempo ha envejecido bien. 

A veces suenan como unos Sonic Youth con resaca ("In the hand, in the sieve"), otras se las apañan para atraparnos en su red de araña de intricados juegos de guitarras ("The curtains remebers" y "Well is deep").

La última noticia que tuvimos de ellos fueron dos canciones en el años 2020, que nos les mostraban en plena forma. Su anterior disco databa del 2013, el fabuloso "Siberia". Ojalá tengamos pronto nuevas noticias suyas. 

PERISTALTIK MOVEMENT. "Peristaltik movement" (2022)

 

Peristaltik Movement est le travail d’un artisan du risque appelé Laurent Ciber(un Lorrain établi à Marseille) qui depuis de longues années déjà crée des instruments de musique à partir de matériaux recyclés. Il a ainsi élaboré un univers dense, empli d’ombres, ambient industriel  depuis un lieu où, comme sur la pochette qui illumine ce disque, la lumière se change en murmures. 

Bassiste et fondateur du groupe punk industriel Muckrackers (1992-2005), il travaille depuis 2015 sur son nouveau projet sous le nom de Noise Ferraille Tout, jeu de mot faisant à la fois référence à un célèbre vampire et au bruit produit par la ferraille. L’ambiance est posée. Car le labeur de Laurent est de donner vie à ce qui est vain, à ce qui vit dans le froid glacial, à ce qui est tapi dans un bidon où gît la mort. Il fait renaître le son de ce qui s’est déglingué, produisant ainsi des disques comme ce dernier « Peristaltik Movement », déconseillé aux coeurs sensibles à l’acier. 

J’observe la pochette et l’ « Ouverture » retentit, suivi de l’ « Acte I», comme un jeu d’esprits qui paissent dans la brume, avec un rayonnement suffocant de verres brisés. La musique de Laurent bouleverse, il donne aux objets morts un élan créateur de vie et ceux-ci lui répondent avec des sonorités effrayantes (« Acte II »)

Ici, le bruit est ambient avec des rides dans les entrailles, ici se créent des cartes  sensorielles où chacun peut trouver des cavernes dans lesquelles se réfugie le silence (« Acte III »). Le disque est sorti en 2021 et il vient d’être remasterisé. Rudesse sonore pour affronter l’hiver, s’immerger dans « Peristaltik Movement », c’est entrer dans un labyrinthe de gonds qui crissent avec effroi (« Acte IV »). Il faut avoir l’esprit préparé pour ce tour de force qui requiert du calme afin d’affronter la traversée.

Les dix minutes d’ “Acte VI”, avant le crépuscule du disque marqué par « Épilogue », viennent confirmer la valeur d’un artiste qui, depuis la Méditerranée brandit sa vision particulière de la vie, des sentiments, à travers une étrange chorégraphie musicale habitée par des spectres, des désirs perdus, des lumières éteintes et des sensations profondes qui vous bouleversent impitoyablement.

DELILUH. "Fault lines" (2022)

 

Este dúo canadiense-danés formado por Kyle Knapp y Julius Pedersen, construyó en este "Fault lines" todo uno monumental disco repleto de lugares repletos de misterio, un abanico de sonoridades que desde que empieza a sonar la ambiental "Memorial", te atrapa por sus envolventes texturas sobrecogedoras. 

Post punk sin andamiajes que a veces recuerda a Swans, como cuando suena la excitante "Body and soul". Antes cuarteto, ahora los dos músicos han querido dar una continuidad al que fuera su anterior y vibrante disco "Beneath the floors". 

Y la verdad es que han conseguido  lo que estaban buscando. "Credence (ash in the winds of reasons)" es todo un himno de la desolación, un tema que navega entre oscuridades y temblores, una resistencia a la luz, que funciona como aparato reproductor de sentimientos de calma, donde se pueden rastrear ecos de PIL. Vaya pedazo de canción. 

En "Amulet" se escoran a una electrónica con latidos que arden, con pulsaciones que rugen y en "X-Neighbourhood", te toman al asalto, sin pedirte permiso, con suspense y atino, en un recitado sin fin de sensaciones totales, palacio siempre de invierno donde es fácil perderse entre laberintos de tristeza y melancolías necesarias. Me quito el sombrero con ellos. 

Y es en "Syndicate" cuando viene el plato fuerte. Suena apocalíptica, hermanada con todas las obsesiones de Michael Gira, un puñetazo certero de rock del fin mundo, con un sonido industrial que mece y te acalora, con una agitación de esas que te deja aturdido desde el inicio de la escucha. Catarsis elevada al cuadrado. 

Y como colofón para este viaje tan sugerente, la cinemática "Mirror of hope", una postal tranquila que me recuerda a los tiempos calmados de Piano Magic. ¿Qué más de puede pedir de Deliluh? Nada, que continúen dibujando sombras. Exquisitos. 

DIE HAUT. "Die hard" (1989)

 

Pedazo de banda que fueron los germanos Die Haut. Provenientes de Berlín, colegas de Blixa Bargeld y de Nick Cave, cultivaron los incendios de guitarras en una carrera que tiene a "Die Hard" como uno de los platos fuertes, sin duda sobre todo por ese pedazo de versión que hacen del tema de la película "Psicosis", en "P.S.Y.C.H.O", que viene después de ese mordisco de distorsión llamado "Urge" (con Arto Lyndsay como aporte vocal). 

Grupo que se distinguió por su música instrumental, dotando a sus canciones de un punto de energía, donde predominaba sobre todo la labor de Christopher Dreher, el único miembro constante de una banda con múltiples cambios en su formación desde el principio. 

Las canciones de "Die hard", como ese torrente llamado "Coming through slaughter" parece que se construyeron para poner música a una película de tensión inaudita, de cráteres de argumentos repletos de aristas y efectivos aguijones. 

La guitarra de Rainer Light suena casi metalera en temas como "Aischa", creando toboganes sónicos inflamados y "Garden of Agony, part 2", es puro post punk tenebroso, lento, ciertamente peligroso. Recuperar a día de hoy a Die Haut, es dejarse llevar por los aires urgentes de sus composiciones ("Anschlag!"), ancladas en un desenfreno altamente disfrutable ("Gesprengte ketten"). 

Ya en la parte final del cd, "A shady haze of guenther", versión de Simon & Garfunkel, pone el colofón a un excitante trabajo, de una banda que dejó buenos discos a seguir (a destacar "Head on" de 1992 y "Sweet" de 1993).