RACHEL'S. "Handwriting" (1995)

 

"Handwriting" fue el primer disco de esta portentosa banda de postrock, de música de cámara con aires de grandilocuencia espectacular. Y dentro de su discografía, es el trabajo que se permiten explosiones controladas de distorsión  como en "M. Daguerre", hecho que no es para nada habitual en una carrera cargada de pianos, vientos y odas de espacios siderales.

"Southbound to Marion" es una delicia que te hiela el corazón con ese inicio que repta y conecta con tus nervios del sentir y "Saccharin" es otro recipiente donde la calma cruza la calle de la mano con la tristeza en un paseo de intensidad asegurada. 

Y es que los 8 trabajos de Rachel's se caracterizan  sobre todo en esa forma de construir un neoclasicismo que rastrea los suspiros de ese minimalismo de Michael Nyman que tanto nos hechizó en su momento. Rachel Grimes (piano) y su grupo, siempre supieron conmocionarnos. Y es en temas como "Frida Kahlo", donde Rachel se erige como protagonista de un arte que te sacude y te emociona. 

La que titula el cd, es otra de las expresiones máximas de fragor compositivo, deambulando entre racimos de suspiros, oyendo el aleteo de ruiseñores posados en un alambre de aliento. ¿Qué más decir de Rachel's? A disfrutarlo toca. 

EL COLUMPIO ASESINO. "La Gallina" (2008)

 

Valga esta crítica como homenaje al bajista de El Columpio Asesino, Daniel Ulecia, fallecido en fechas recientes de  una larga enfermedad. Gran grupo El Columpio Asesino. Recuerdo el impacto que me causó cuando los descubrí con su disco homónimo de 2003. Acerados, fieros, una concreta sinfonía de músicas que nos recuerda a los mejor de The Jesus and Mary Chain o Love and Rockets. 

"La Gallina" se abre quizás con uno de los mejores temas de su carrera, "La ceniza", un himno en toda regla, lírica, épica, y triste. Como "Destacamento" y ese aire decadente que impregna cada segundo de canción. Se te pone la piel de gallina. 

"La marca de Caín en nuestra frente es la de Caín", es la que más se parece a la banda de Daniel Ash. Retadora, provocadora, ácida, con su bajo dopado, con su tensión en continuo crecimiento. "Moscas" es la más rebelde de todo este sugerente lote y "México" la que más especula con un sonido que poco a poco va in crescendo, llenando el espacio de ritmos sofocantes, de ruidos para el antojo. 

En "Aleluya" se escoran hacia sonidos más electrónicos, y "Dolores tres pinos", es otro de los puntos fuertes de un disco soberbio de principio a fin, un entramado de sonidos que atrapan y reconfortan. En resumen, va por Daniel Ulecia, y por la trayectoria de un grupo que ya nos dejó en 2023, con una última gira de despedida. 

J.MASCIS. "What do we do now" (2024)

 

Es igual que sea con Dinosaur Jr, o con su nombre. Lo que toca Mascis lo convierte en éxito asegurado para los que les seguimos desde hace tanto tiempo. Y es que nada más empezar su quinto trabajo en solitario, (para mi el mejor de todos ellos), con "Can´t believe we're here", te das cuenta del estado de gracia en el que se encuentra. 

Temas que son caricias repletas de sencillez y honestidad ("What do we do now"), alejado del ambiente folk de sus otros trabajos en solitario, rellenando el disco con ese sonido eléctrico que tan bien sienta a sus composiciones cuando su guitarra eléctrica empieza a cabalgar ("Right behind you").

Fragilidades del tipo de "You don't undestand me" te desbordan y te llenan, y cuando se pone sentimental llega "I can't find you" y ya tenemos el día hecho. Y ese cariño sónico que es "Old friends" te pone la piel de gallina desde la primera escucha. 

Todo "What do me do now" esta repleto de lugares comunes en el buen hacer musical de Mascis, colinas repletas de humeantes solos que te hacen vibrar (It's true"), o sedosos monumentos para el gozo de sus acólitos. 

En resumen, otro peldaño más en la larga escalera de Mascis. Disfrutable de principio a fin. Para escuchar y escuchar sin parar. 

PULP. "His 'n' hers" (1994)

Siempre he considerado a Pulp como la mejor banda de britpop. Javis Cocker y su barroquismo decadente siempre me ha entusiasmado, y quizás en éste el que fuera su cuarto disco, "His'n 'hers", es más evidente la potencia compositiva de un grupo que estaba en la cima. 

Si empezar el disco con un trallazo en forma de single como "Joyriders" es éxito asegurado, escuchar bellezas sónicas del calibre de "Lipgloss" es otro punto fuerte para engancharte a este trabajo que desde la primera escucha ya no te lo puedes quitar de la cabeza ("Acrylic afternoon" es otro bombazo a recordar). 

Y si luego te pones "Babies" y su solvente melosidad solo queda esperar que se acabe para meterte de lleno con "She's a lady" otra perfecta golosina para llevarnos a los oídos y que engarza a la perfección con la relajada "Happy endings".

Enorme Cocker, es un regocijo ponerte "Do you remember  the first time" y su alegría desbocada, o "Pink glove" y esa sacudida electrónica para danzar sin parar. Para terminar este viaje pulpiano, "David's last summer", algarabía al por mayor para disfrute de los que seguimos a pie puntilla a este gran artesano, orfebre del pop bien hecho. 

DEPRESIÓN SONORA. "El arte de morir muy despacio" (2022)

 

Lo de Marcos Crespo tiene merito. Estudió en la universidad donde trabajo.  Cuando llegó la pandemia aprovechó el aislamiento para componer canciones, para plasmas sus inquietudes en formato de olas sonoras de post punk lofi, con repiques de synto. 

"El arte de morir muy despacio" es todo un catálogo de urgencias existenciales, barnizados por el azote de un joven que con su música intenta captar los vaivenes emocionales, la incomprensión, que acarrea ser joven y no un borrego militante. 

Si en "Parte 1: Introducción a la entropía" es una buena manera de posicionarse en un mapa musical que ya se define a la perfección en "Bienvenidos al caos" y ese aire a The Cure que da paso a "Ven tan dentro" que bien pudiera nacer en los 80. 

No me extraña que tantos adolescentes lo tomen como timón cuando escuchas temas como "Dos adolescentes y su primer amor", y sobre todo "Parto II: La abrazo con fuerza (carta a la soledad)" un grito desesperado de rabia, la mejor canción del año. 

"Te mientes a ti mismo para ser feliz" es la más post punk del trabajo, con sus teclados en primera línea, y con su oscuridad matizada como elemento principal. Himnos para tararear entre guitarras decadentes ("Voy a explotar"), o incursiones a su manera en sonido casi industriales ("Parte III: muerte y resurrección"), todo vale en el mundo de Crespo y sus ideas tan claras. 

Para terminar, "Como todo el mundo" y "Dónde están mis amigos", digno colofón para un artista con un futuro prometedor. 

PORTASTATIC. "I hope your heart is not brittle" (1994)

 

"I hope your heart is not brittle" fue el primer disco del cantante y guitarrista de Superchunk, Mac McCaughan como Portastatic, y quizás por la cercanía al momento que vivían Superchunk, es el que más se acerca a los parámetros de esa gran banda que tan buenos momentos nos dio. 

Escuchas "Polaroid" y parece que pudiera caber en cualquier disco de su discografía, aunque eso sí, ya se nota desde que suena "Gutter", que el concepto general del proyecto se mueve en aguas menos turbulentas, queriendo así diferenciarse del sonido tan guerrero de los Superchunk. 

Mac sigue siendo irresistible con esas melodías marca de la casa  como "Naked Pilseners", o pequeños arrebatos casi punks con teclados incluidos ("Tree killers"). También el tirón acústico que luego aparecería en sus trabajos posteriores ("Creeping around" o "Weird time"). 

Pero el disfrute mayor viene de tonadas del tipo "Silver screw", donde la distorsión está bien afilada. "The maything" es otro de los ejes fuertes de un trabajo de disfrute inmediato. A todos los que seguimos los pasos de Superchunk, este disco es de escucha necesaria. El espíritu y la garra continua vivo. 

CLAVICULE. "Full of joy" (2023)

Poderoso disco el que sacaron los galos de Clavicule el año pasado, un compendio de rock acelerado, de garaje sin remilgos, de distorsiones amotinadas ("Painkillers"). Los de Rennes atinan desde el minuto uno en su discurso solvente repleto de aristas y de melodías que amenazan tormenta ("I will let you know" es casi punk). 

 "Do it" es otro ramalazo de guitarras que viven entre aires psyco y espasmos convertidos en motines de himnos para saltar y disgregarse en noches de excesos y bilirrubina. Mi favorita es "Wilted flowers", quizás por ese tono oscuro y amenazante, por esa capacidad de seducir desde parámetros más depresivos. 

En "Rockets" se hacen remolones y agitan la coctelera de su virulencia con desparpajo para en "You", sonar para un guateque sixtie. La parte más gamberra del grupo también la hallamos en "Destroy me again" donde se esfuerzan en sonar vitaminados. 

Para terminar, "INET", la mejor manera de poner fin a este crucero por el desparrame que tan bien ejecutan los galos. Un disfrute vamos. 

GAVIN BRYARS. "The sinking of the Titanic" (1975)

 

El nacimiento de este gran disco de ese enorme compositor llamado Gavin Bryars, reside en una leyenda. Dicen que en el momento en el que el Titanic se estaba hundiendo, la orquesta del barco estaba tocando en la popa de la nave más famosa de la historia por el final que tuvo. 

"The sinking of the Titanic" es un bálsamo de música clásica contemporánea, una delicada muestra del arte de Bryars en saber musicar tristezas, dramas, aconteceres ("Titanic Hymn: Autumn" es una buena receta de este menú de paces interiores que bogan entre esta sinfonías de cuerdas que te embriagan y te calman). 

Las violas de Alexander Balanescu son como un fortín de silencios que te dejan sin palabras ("Hymn II" e "Interlude"), y la orquesta que acompaña a Bryars, es toda una inmersión en paracaídas hacia lugares ignotos donde podemos vislumbrar los fantasmas de los desaparecidos  ("Hymn III"). 

El disco editado en forma original en 1975, ha vuelto a resurgir de las oscuridades del tiempo en sucesivas ediciones, aportando nuevas texturas a un material de por si ya altamente inflamable en lo referente a la emoción que provoca su escucha ("Hymn IV). 

"Last hymns" y sobre todo la intensa y extensa "Woodblocks", con sus 11 minutos, son la mejor manera para acabar un trabajo que te obliga a investigar en la dilatada e interesante carrera de uno de los personajes más inquietos de lo que se llamó música contemporánea. 

BLOC PARTY. "Silent alarm" (2005)

 

Bloc Party es el único grupo que salvo de esa cochambre que vivimos según dicen algunos,  el renacimiento del post punk, y para que el que escribe sólo fue la constatación de lo bien que se vende eso de ser mediocre. The Stokes, Frank Ferdinand, Arctic Monkeys, solo son algunos nombres de ese sucedáneo que según parece, eran los sucesores de The Sound, The Chameleons, o PIL. Sin palabras porque si digo algo.....

Bloc Party, eran otra cosa. Sobre todo en este "Silent Alarm", que desde que suena "Like eating glass" o la enfurecida "Helicopter", te das cuenta que lo suyo no va de farol. Y es que el grupo de Keke Okereke y compañía, no se limitaron hacer música para salir en el NME, lo suyo eran angulosos rugidos como "Positive tension", junto a singles de esos que perduran con el paso del tiempo ("Banquet"). 

También sabían producir pequeños himnos de una tristeza apabullante ("Blue light"), o fiestas de un ritmo embaucador ("She's hearing voices"). Es imposible aburrirse en "Silent alarm". La melodía de "This modern love" conecta con lo mejor de finales de los 70 y "The pioneers" es otra disfrutable tonada de post punk. 

"So here we are" tiene ese aire de las canciones bien hechas, de saber que las influencias son bien traducidas, como ese agitado combate que es "Luno". Lo dicho, si quieres recuperar un grupo que merezca la pena en esa época de tantas sandeces musicales, Bloc Party es tu grupo. 

ZOON. "Bekka Ma'iingan" (2023)

 

Interesante segundo disco de Zoon, bajo cuyo paraguas encontramos a Daniel Monkman, indígena canadiense, que nos trae desde el vehículo de su lengua, ojibway, todo un tratado de shoegazing espectral, repleto de sentimientos que van y vienen ("All around you"). 

Con las colaboraciones de Owen Pallett y Lee Ranaldo entre otros, Monkman consigue en sus diez composiciones cautivarnos con sus ritmos minimales, electrónicos ("Brave new world (without you)"), que se dan la mano con recreaciones acertadas del espíritu de My Bloody Valentine, como nos encontramos en "Care". 

Monkman, criado en una reserva en Manitoba, tuvo claro siempre su querencia para recuperar la memoria de su pueblo, y para ello utilizó su gusto por los sonidos envueltos en una burbujas queroseno de sueño ("Dodem"). Así que este "Bekka Ma'iingan" es una de las propuestas de shoegazing más emocionales que ha salido desde hace tiempo. 

Te topas con "Niizh Manidoowig (2 spirit)" e imaginas una fogata, cantos tribales, el aullido del lobo desde la lejanía, la luna acicalándose desde un cielo perpetuo.....  O la más delicada de todo el lote, "Awesiinh (a-way-see)" todo un bálsamo para el espíritu. 

Joyas de una levedad que transpira delicadeza como "A language disappears" o "Gaagige" vienen a confirmar el valor de un disco que cada vez que lo escuchas, más te gusta. 

PLACEBO. "Sleeping with ghosts" (2003)

 

Siempre me gustaron Placebo. Su música siempre me cautivó, desde los primeros trabajos que sacaron a colación las travesuras sonoras de este seguidor acérrimo de Bowie, con el nombre de Brian Molko que supo conjugar a la perfección sus gustos con la creación de un sonido propio. 

"Sleeping with ghosts", el que fuera cuarto disco del grupo, se abre con un disparo certero de distorsión, "Bullefproof cupid", para ya desde la segunda canción, "English summer rain", iniciar el juego con la electrónica desde el suspiro musical de un Molko siempre en estado de gracia. 

Y como no, aquí también encontramos hits de esos inmediatos que seguro que conoces, que seguro has oído mil veces, como ese petardazo llamado "This picture", un vendaval que se te clava en los oídos, o la que titula el trabajo, de esas tonadas lentas que van creciendo y creciendo a base de melodía desbordante. 

"The bitter end" es quizás la más conocida de un cd que se defiende sólo, que resume en sus 12 tracks sin florituras, el hábil manejo de Molko de las esencias de un música que te hace vibrar desde el primer momento que la escuchas. Hasta tienen tiempo para especulaciones casi industriales como en "Something rotten".

"Plasticine" y "Special needs" son canciones ganadoras, de esas que al hacerla sabían que se iban a incrustar entre sus mejores canciones y "Second sight" contiene la suficiente rabia guitarrea como para no dejar de vitorear los zarpazos eléctricos de Placebo. 

Para terminar, la letanía lenta de "Centrofolds" sirve como colofón de un trabajo, que no defrauda, que milita en los rigores de la estética musical de un grupo con sello propio y que es un gusto recuperar.