SPARKLEHORSE & FENNESZ. "In the fishtank 15" (2007)

 La colaboración entre Sparklehorse, el grupo del añorado Mark Linkous, y el genio de la electrónica menos acomodaticia, Christian Fennesz, dentro del conjunto de discos que salió bajo el epígrafe "In the fishtank", es la mejor manera de resumir las sonoridades de los dos músicos. 

Aún faltaban tres años para la desaparición de Linkous, y bien pudiera ser este disco, un testamento vital donde la tristeza a raudales, ("Music box a snakes"), se une junto a la solvencia electrónica de Fennesz que sabe cristalizar a su manera todo el desgarro emocional del Mark ("Goodnight sweetheart). 

"Shai-Hulud" se acerca más al ruidismo con matices que nos tiene acostumbrado Fennesz, para que de nuevo en "If my heart", con la voz ruiseñor de Mark enarbolando su desdicha a través de los sonidos de máquinas engrasadas con la liturgia de la electrónica más espiritual, predominen los ambientes de una paz repleta de espejos y tristeza. 

"Mark's guitar piece" es otra nana con barullo de tormenta, otra preciosidad que pide una escucha atenta, un rubor que pueda vencer la apatía de los ruidos. Los once minutos de "NC Bongo Buddy", vienen a confirmar la solvencia de ambos artistas, la delicadeza que refleja ambas voluntades. 

Con este "In the fishtank 15" se puso fin también a un proyecto de 15 discos de colaboración de grupos (a destacar el disco de Tortoise y The EX, y el de Low y Dirty Three). Que mejor manera que con este requiem bajo el agua, con sonidos que apaciguan, que perforan el alma. 

OXBOW. "Love's holiday" (2023)

 Desde 1988 llevan dando caña Oxbow. La banda de San Francisco, comandada por Eugene Robinson, nos ha regalado grandes momentos de avant rock, de electricidad siempre rozando la catarsis, con una voluntad férrea siempre de transgresión. 

Tras 4 años en el dique seco, tras ese bombazo que fue "Thin black duke", ahora nos presentan "Love's holiday", grabado en el sello de Mike Patton, Ipecac Records, donde nos encontramos quizás a los Oxbow menos radicales y más asequibles de toda su formidable carrera. 

Y eso que las dos primeras canciones del disco, "Dead ahead" y "Ice white & cristalline", encierran todo ese ímpetu devastador que ha caracterizado al grupo. Pero  ya en "Lovely Murk", con la colaboración vocal de Lingua Ignota, se desmarcan con un tema de calado lento, de combustión rezagada. 

También "1000 hours",  se alimenta de la misma materia. La verdad es que casi se parecen a Pearl Jam. No les queda mal la jugada, pero he de reconocer que los prefiero con veneno. "All gone" tiene aires de Nick Cave cuando tira de balada al aire y "The night the room started burning" peca de continuista. 

 "Million dollar weekend" es  una letenía triste que no logra apaciguar la sensación de que han pasado muchos años desde que la banda nos regalara hitos del calibre de "An evil heat". "The second talk" y "Gunwale" ponen el punto final al retorno de un grupo que aun no siendo un mal trabajo, queda a años luz de sus anteriores producciones. 

OLAFUR ARNALDS. "...And they have escaped the weight of darkness" (2010)

 

Belleza sublime. Y tristeza. Mucha tristeza. Los trabajos del islandés Olafur Arnalds, están todos tocados por la varita mágica de la tragedia íntima, de los silencios que no se rompen nunca, de los cielos devastados. 

Y este "... and they..." no podía ser menos. Desde que empieza a sonar "Bu ert sólin", con su continuación de piano elevador ""Bú ert jordin", estamos metidos de lleno en una especial recopilación de sueños siempre vencidos. 

El disco es para ponertelo en bucle, cuando la lluvia arañe los cristales, cuando tu corazón lata espuma, cuando la mar que está lejos llegue a tu casa a través de los recuerdos ("Tunglio"). Delicadeza extrema, lírica que extenua ("Loftio verdur skyndilega kalt"), todo el disco es para que tus ojos se cierren abejarucos ("Kjurt"). 

Y el agua cae y escampa ("Gleypa okur") y las teclas son un señuelo que se abre en canal para tu dicha efímera ("Haegt, kemur, ljosio"). Y cuando termina el disco con "Pau hafa...." te da la sensación de que has estado perdido en un laberinto repleto de ninfas añorantes, de luces que se quiebran en oscuras noches. Gran disco, gran experiencia esta escucha. 

MISSION OF BURMA. "ONoffON" (2004)

 El segundo disco de los norteamericanos Mission of Burma, como toda su discografía, es una auténtica burrada. Se mire por donde se mire. Partiendo desde la inicial "The setup", con esa catarsis de distorsión desbocada, el grupo de Bob Weston y compañía, descargan su agresividad siempre con matices, pero de una pegada siempre inmediata, contaminante. 

No olvidan la melodía en sus composiciones como "Hunt again", uno de sus muchos himnos, post punk con corazón, indie rock rasgando electricidad. Tocan el punk en "The enthusiast", pero es en temas como "Falling" donde se percibe la capacidad que tenían Mission of Burma para tener una voz propia dentro del mundo independiente, reconocibles por esas melodías eclécticas, y por esa pegada feroz. 

"What we really were" es otro pedazo de hit inmediato, cargado de una desbordante pasión, como "Max Ernt's dream" y ese intrincado armazón instrumental que es todo una delicia para los que nos gusta la transgresión indie. 

En "Prepared" bajan el nivel de su potencia para hacer un medio tiempo que les sale fenomenal, y "Dirt" desborda por su capacidad para acercarse al NRA de los añorados The Dream Syndicate. "Fever moon" es rugosa y "Nicotine bomb", posee la suficiente energía como para detonar la tranquilidad. 

Mission of Burma, un grupo que nos dejó como legado unos discos de esos que siguen produciendo escozor y calenturas juveniles. 

MADEE. "Conundrum" (2023)

 

No fallan Madee. Y eso es una buena noticia. Tras "Eternity mingled with the sea" y "In the cold season", ambos de 2021, "Conundrum", viene a continuar la senda de estos dos trabajos, con un Ramón Rodríguez más inspirado que nunca. 

Y se nota a las primeras de cambio, con esos dos hits emocionales que son "Happy hour in the forest" y "My father's footsteps". También en los momentos más relajados como "Double helix", se nota que la banda tiene cuerda para largo. 

Rock con ínfulas de emocore ("Yesterday"), ecos lejanos de The Cure (el bajo de "Vying for clues"), los discos de Madee son todo un suculento plato de sorpresas para regalarnos dicha, un buen rato de emociones de esas que no son para nada impostadas ("Live in my words"). 

"Calling collect" es otra joya de esas que producen Madee al por mayor para que sigamos rendido a este grupo que tan buenas canciones siempre produce. Como "Gaps in time" y su inmediatez tan profunda. Ya en la parte final, "As observer" pone la guinda a un pastel repleto de suculencias apetitosas. 

FLAT WORMS. "Witness marks" (2023)

 

Tras el pepinazo que supuso "Antarctica", este "Witness marks" viene a confirmar la buena salud de un grupo que ha hecho revivir el concepto del punk por su fuerza, sus guitarras, y todas esa tralla que atesoran sus composiciones. 

El grupo de Los Angeles, cobijados bajo el paraguas de Ty Segall, empiezan "Witness marks" con un petardazo del calibre de "Sigalert", y el vaivén sónico no para en la media hora que dura este rutilante artefacto con himnos inmediatos como "SSRT". 

Temas que encandilan desde la primera escucha como "Time warp in exile" que no se porque, pero me recuerda a Dead Kennedys. "Suburban swans" es otro cohete meteórico repleto de suciedad y guitarras que asustan y "Orion's belt" con ese bajo amenazante te deja sin respiración. 

"Sick of my face" es un tonel de distorsión y "16 days", la más elaborada del lote es para quitarte el hipo. Mi favorita, casi al final, "See you at the show", un torrente desbocado de melodía que cauteriza y enerva. 

Estamos de enhorabuena con lo último de Flat Worms, banda que concisa en sus planteamientos sabe sacudir los cimientos a base de una fogosidad brutal.

 

VAINICA DOBLE. "Contracorriente" (1976)

 Las adoro. Vainica Doble, el grupo formado por Gloria van Aerssen y Carmen Santoja, siempre fueron el verso suelto más especial que ha tenido nuestro país. Y más en aquella época, años finales de los 70, donde el gris era el color predominante en una sociedad podrida por tantos años de franquismo. 

Ellas fueran las hadas que pusieron color, con su forma de ser, de vestir, por su música, por su rebeldía innata. "Contracorriente", el disco más roquero de su carrera, con producción de Gonzalo García Pelayo, y diseño de la portada por Iván Zulueta, es quizás su trabajo más redondo. 

Muerta ya la momia, sale este disco como un soplido de libertad, como un grito que recorrió todos los lugares posibles donde el arte quería salir del agujero negro de la dictadura. Vaya canciones. Desde "Un mal entendido amor" grito contra los amores tóxicos, contra el machismo matón, pasando por el juego de escondite de "El oso poderoso", todo "Contracorriente" es un aire cálido de canciones que te enganchan, 

Mi favorita, "Que no" te pone los pelos de punto, y "La Rabieta" aparece en la película "Furtivos" de José Luis Bourau, con ese aire roquero, con ese diálogo eterno de una madre y una hija, en medio de un furibundo viento de distorsión. Brutal. 

"Todo desapareció" y ese canto al amor en la madurez y sus esquinas repletas de telarañas y árboles frutales con melancolía de frutos antaños. Una preciosidad.  Gualberto García aparece  (también aparece por aquí Salvador Dominguez y Hilario Camacho) en "Eso no la manda nadie" y sobre todo con "Déjame vivir con alegría" uno de los hits eternos de Vainica.

"Alas" parece casi rock progresivo, y el final "Magnificat", en latín, un homenaje  a la revolución de los claveles en Portugal, pone el broche de oro a un disco de esos que escuchado hoy es como un ánfora antigua encontrada en algún proceloso mar para el disfrute de nosotros, ávidos exploradores de la belleza. Eternas Vainica Doble. Su música siempre la tendremos presente. 

NOVA MOB. "The last days of Pompeii" (1991)

 

Desgraciadamente la carrera en solitario del batería de Husker Du, Grant Hart, está a años luz de su otro compañero de banda el gran Bob Mould. No hay nada más que escuchar el que fuera su primer disco como Nova Mob (le siguió el insulso disco homónimo, más de lo mismo), o el resto de su discografía con su nombre, para darse cuenta que sólo con el nombre no vale. 

El disco gira sobre la figura de Von Braunn, el nazi que ayudó a los EEUU a desarrollar su arsenal militar, y la verdad es que quitando alguna canción suelta como "Woton", la mayoría de tracks es un refrito de indie rock insulso y sin ganas ("Getaway (Gateway) in time"). 

"Admiral of the sea (79 ad version)" es acústica y cutre, y "Wernher Von Braun" quiere ser correosa pero se queda en un vacuo intento. "Space jazz" parece que quiere salir de la apatía general del disco con su torrente comedido de distorsión, pero es sólo un espejismo. "Over my head" parece una mala copia de Lemonheads y en "Admiral of the sea" se acerca peligrosamente a Soul Asylum y su propuesta cercana al mainstream. 

"Persuaded" quiere parece agresiva y se queda en refrito sin ideas ni contenido para disfrutar. Así hasta que llegamos al final con el tema que titula el disco, confirmando que lo bueno de Grant Hart se terminó cuando Husker Du nos dijeron adios. 

BILL CALLAHAN. "Woke on a whaleheart" (2007)

 

Después de finiquitado el proyecto de Smog, el bueno de Bill Callahan tuvo bien empezar su carrera en solitario para complacernos con sus tristezas tan embaucadoras. "Woke on a whaleheart" fue su primer disco, y desde que empieza a sonar "From the rivers to the ocean" te engatusa con su arte de artesano de folk country más aterciopelado. 

"Footprints" es un himno desolado que da pie a "Diamond dancer" un himno trotón que avecina lo que sería la carrera posterior de Callahan poblada de canciones emblemáticas, de sueños en forma de melodías que te pueblan de buenos sucesos. 

"Sycamore" es rutilante, un caramelo de suspiros, caricias en forma de soul tierno y repleto de calor para los fríos interiores. Vaya pasada "The wheel", y "Honeymoon child" es otro torrente de calorías musicales para tenderte en medio de borrascas del sentir. 

Country crepuscular es "Day", y "Night" es otra de esas gemas delicadas a las que nos tiene tan bien acostumbrados Callahan.  Disco pues que dio el pistoletazo a una carrera repleta de canciones inolvidables. 

NEW FAST AUTOMATIC DAFFODILS. "Body exit mind" (1992)

 

New Fast Automatic Daffodils no tuvieron la suerte de otros de sus compañeros de generación como The Stones Roses o Inspiral Carpets, pero la verdad es que en calidad de trabajos y composiciones no tienen que envidiarles nada. 

Este "Body exit mind", fue su segundo trabajo, casi una hora de sonidos que a la primera escucha ya los ubicas en Manchester, y que tiene un empiece brutal con "Bong" y "It's not what you know. Tenían algo hipnótico los NFAD. "I take you to sleep" es para no parar de bailar y hasta en "Bruises" juguetean con un post punk de baja tensión, con un alto componente melódico. 

"Kyphos" es psicodélica, repleta de trazadas de guitarras que se mecen en un vaivén continuo de electricidad cautivadora. "Beatlemania" es soberbia, para ponerla sin parar, puro sonido madchester de ese que tan buenos recuerdos nos trae. 

La verdad es que solo sacaron tres discos, se despidieron en 1995,pero los tres son trabajos repletos de sugerentes sonidos hijos de la época. Actual suena "American money" y "Patchwork lives" tiene una corriente de energía que enlaza con "Music" otro de los puntos fuertes de un disco que es una delicia. 

NFAD, todo un referente para recuperar viajas agitaciones sonoras que tantos grupos jóvenes de ahora traen a la actualidad. 

HOTLINE TNT. "Cartwheel" (2023)

 

No esta mal este grupo neoyorkino. Nos ponemos la primera track del disco, "Protocol", y nos vemos sumergidos en una amalgama de sinuoso shoegazing con unas guitarras entre brumas con la distorsión rebañando huesos. 

Hay a veces que colindan algo con el emo mas de andar por casa, como ocurre con "I thought you'd change", pero la verdad es que nos logran convencer sin inventar nada nuevo. "Beauty filter" es un torrente de melodía electrocutada, un tiovivo que nos muestra lo mejor de un grupo que ha dejado una buena semilla para construir un lugar de dulce agitación. 

A veces me recuerdan a Ride como en "History channel", y en "I know you"  escancian con placidez su juventud entre un torbellino de sacudidas cariñosas que se convierten en "Son in law" en una masa de dream pop guerrillero. 

Quizás debieran poner algo más de veneno a sus composiciones ("Spot me 100"), pero cuando acabas la escucha del disco, notas que te deja un buen regusto, que quizás con su siguiente trabajo venga a confirmar que estamos ante una banda con porvenir. 

LOU BARLOW. "Goodnight unknown" (2009)

Una maravilla el segundo disco que sacó con su nombre el Dinosaur Jr, Lou Barlow. Y digo una maravilla, porque la primera canción ("Sharing") es una estocada de indie rock de los 90, de esas que no hacía bailar y votar sin parar.  

Para los que disfrutamos como enanos de las andanzas de los Dinosaur Jr,  y seguimos a pies puntillas los discos de J. Mascis, este "Goodnigt unknown" está repleto de sitios para auparnos de nuestra edad, como la que titula el cd. 

También hay temas que viven de un folk siempre a punto de encabritarse, ("Too much freedom"), y otros tonadas más delicadas como las tranquilas "Faith in your heartbeat" o "The one i call". Con "The right" Barlow agita el avispero de nuestros recuerdos , para seguir por sendas por pausadas con "Gravitate". 

Si, lo sé. Quizás la carrera de Mascis es más sobresaliente que la de su colega de grupo. Pero es todo un punto ponerte "Praise" y sentir aun la fragancia de ese indie rock indómito invencible a pesar de los pesares. 

"Take advantage" es una dulce tristeza y "Don't apologize" rezuma toda la calma brutal que augura torbellinos sónicos. Para empezar el año, no está mal un poco de esa rabia comedida que tanta melancolía nos trae.