THE FATIMA MANSIONS. "Valhalla avenue" (1992)

 ¿Algún día se hará justicia con The Fatima Mansion? La verdad es que es inconcebible que una banda con la personalidad y la originalidad de su propuesta, no sea recuperada de los pasajes del pasado. Los irlandeses, comandados por Cathal Coughlan, nos regalaron seis discos donde la originalidad casaba con la variedad de estilos, siempre superándose a ellos mismos. 

"Valhalla avenue" fue el lp número cuatro, y es toda una gozada meterse en sus 19 temas. Empezando con las dos primeras, "Evil man" y "Something bad",  que nos recuerda a la época más lírica y dramática de Killing Joke. Como la que da titulo a esta aventura colosal, pura lisonja para tus oídos. 

Experiencias que casi rozan la música industrial (100%), se juntan a hits instantáneos como "North Atlantic Wind", uno de los temas estelares de su carrera, con ese caos sónico en medio de la canción que te apabulla y te golpea. Eran los años 90, y The Fatima Mansion jugaba a otra cosa. Siempre jugaron a otra cosa. 

Aires de jazz de medianoche en "Purple windows", cortes de post punk brutal como "Go home bible mike", y lentos y apacibles viajes como "Greyhair"  con su misterioso ritmo de otra época. The Fatima Mansion, también sabían sonar peligroso como vemos en "Ca7/Breakfast with bandog", oscura, temible, extrema. Vaya pedazo de banda. 

En "Be dead" tiran de electrónica con todo el descaro del mundo y los dos tracks en directo, "Evil man" y "Behind the moon", nos muestran de todo lo que eran capaces la banda de Cathal Coughlan. Es una obligación volver a ellos, un canto brutal de inconformismo. 

ENRIQUE MORENTE. "Sueña la Alhambra" (2005)

 Se hizo un documental en la Alhambra donde Morente actuaba con distintos artistas, y se hizo este pedazo de disco (ambos de visión y escucha obligada), donde el más grande cantaor de todos los tiempos, el más transgresor, el que más énfasis puso en ir un poco más allá,  nos pone la piel de gallina desde que empezamos a escucharle. 

El comienzo con "Martinete" es brutal. Minimal, con su voz regrabada y vuelta a escuchar, con las palmas de fondo como telón a su eco. Pura emoción. Luego viene un poema de María Zambrano que se hace canción en "Generalife", donde el maestro, a lo suyo, abre cielos, nos deja sin palabras. Pat Metheney se encuentra por aquí, poniendo su granito de arena para que te quedes más flipado todavía.  Innovación y clasicismo del flamenco. Todo junto. Tremendo. 

"Seguirilla de los tiempos" , sin florituras de modernidad. Guitarra y su garganta. Para que más. Uno de los puntos fuertes de este pedazo de disco es "Cristalina fuente", con la colaboración entre otros de Estrella Morente y Juan Manuel Cañizares a la guitarra, poniendo música a unos versos de San Juan de la Cruz. Y luego va y pone su empeño en revivir un tango de Astor Piazzola en "Chiquilín de bachín". 

Qué decir del que nos cambió la vida cuando se juntó con Lagartija Nick en ese histórico "Omega".  Recurre a Tomatito en "Solea de la ciencia" para caminar por la ortodoxia con arte y desmesura. Se te hinchan los sentidos cuando escuchas los versos de Luis Cernuda en "Donde habite el olvido". Qué grandeza. 

En conclusión, una pedazo de obra para encumbrar a un artista irrepetible, a un voz que por siempre ha quedado grabada en nuestros corazones ávidos de sensibilidad contra tanto mal fario que nos rodea.

DOUBLE VIRGO. "Shakedown" (2025)

 

Si echabas de menos a Bar Italia, no te inquietes, aquí tienes a Double Virgo, formados por parte del grupo, (Jezmi Tarik y Sam Fenton), que se dan el gusto de darnos placer con un sonido hermanado con Bar Italia, hasta tal punto que parecen ellos. 

Pedazo de disco "Shakedown". Y vaya inicio con "Sams fragant dungeon", con esa melodía que te cautiva, con esas cadencias repletas de suspiros y paseos por nostalgias por llegar. Temas vitalistas que provocan sonrisas ("Bemused").

Me encanta la languidez que se escurre entre tus dedos de "Due dilettante", y "Red card" con esa soberbia propuesta de tranquilidad militante pero siempre nerviosa. Y como no, ese sonido que recuerda a unos Sonic Youth de bajón ("Alarm bells in central plaza") que les sale de maravilla. Hasta cuando se relajan ("Touching space" y "Just for a buzz up") funcionan como un reloj bien engrasado. 

"Shakedown" es un perfecto señuelo para los que no conocen a Bar Italia, y para los iniciados en el mundo repleto de sugerencias de la banda inglesa, hace que nos regocijemos con ese esplendoroso entramado de melodías para repartir confetis y algarabía al por mayor. 

FACS. "Void moments" (2020)

Qué pedazo de banda que son Facs (antes Disappears). Los de Chicago llevan deconstruyendo el post punk  desde ya hace unos años, y cada trabajo que han sacado nos muestran el nivel de las composiciones de este trio, siempre en perfecto estado de gracia.  La verdad es un dulce reto enfrentarte a ellos. 

"Voids moments" continua lo que ya vimos en "Negative houses" (2018), y que el inicio con "Boy" es indicativo, con esas guitarras que crujen entre espasmos, en una oscuridad de enjambre. El sonido de Facs te hipnotiza por sus minimales formas, por su manera tan espectacular de descomponer las aristas de su música, post punk pero siempre algo más ("Teenage hive"). 

A veces recurren a una calma que se torna en un aspaviento de rubores tecnológicos como "Casual indifference". En "Version", se muestran esquivos, como unos PIL en plena disgregación de sus moléculas musicales.

"Void walker" está repleta de filigranas sónicas, de frases que se rompen, que crean un mapa sonoro repleto de retos, que te atrapa desde la primera escucha. No cabe duda de que el sonido de Facs en indiscutible por su capacidad de distinción del resto de grupos del género. Un valor seguro que a día de hoy, con la aparición de su nuevo largo, "Wish defense", no hace mas que confirmar que estamos ante un gran grupo. 

EDITORS. "An end has a start" (2007)

 Nunca preste excesiva atención a Editors. Siempre me parecieron la versión comercial y para todos los públicos de Interpol. Sin embargo sus dos primeros disco, merecen que nos paremos con ellos, que disfrutemos de ese post punk juguetón lleno de épica como vemos nada mas empezar con "Smokers outside the hospital".

"An end has a start" continua lo que ya oímos en "The Back Room", con esa oscuridad de andar por casa, que la verdad, no esta nada mal, como vemos en el movidito tema que titula el disco o con ese hit de tristeza total que es "The Weight of the world". 

"Bones" podía estar en cualquier disco de Interpol, y eso es lo que le resta credibilidad a Editors. Una voz propia. Sus trabajos posteriores no merecen mucha atención, caídos en la desgracia de parecer simpáticos, de alejarse del post punk, la verdad es que se difuminaron con rapidez. 

Aquí, aún conservan gancho, aquí las canciones se pelean y crecen: "Whan anger shows". Hasta les sale bien la jugada con su paseos con el baile ("The racing rats").  Tienen algún que otro desliz más olvidable ("Well worn hand"), pero en resumidas cuenta, el disco no ha envejecido mal. Post Punk para oídos poco exigentes.

EARLY DAY MINERS. "Jefferson at rest" (2003)

 "Jefferson at rest" fue el tercer disco de esta banda de slowcore de Indiana, que como en el resto de sus discos, elaboran una amalgama de sonidos inspiradores de tranquilidad, dando voz a una calma que se perpetua con las cadencias líricas del grupo ("Wheeling"). 

Mirando de soslayo a Low y a Codeine  ("New Holland"), la música de Early Day Miners amansa, se convierte en un sonajero de gratificantes olas de una suavidad que estremece ("Jefferson"), donde desfilan un arsenal de emociones que te halagan y te tranquilizan.

"McCalla"  encalla algo en su propósito de hurgar en heridas fronterizas con el dolor, para remontar el vuelo con "Awake" , donde nos encontramos con la acostumbrada cualidad que tiene Early Day Miners de soñar suspiros. 

"Into pines" y "Cotillion" son otras dos bellas colisiones de silencio que hacen que ponerte la música de Early Day Miners sea un buen medicamento para tus días más malos. 

ESCLARECIDOS. "De espaldas a ti" (1989)

 Esclarecidos en una debilidad. Quizás la más grande dentro de ese cajón de desastre que fue La Movida, y donde tanto gato por liebre nos dieron. Y mucha culpa de eso la tiene Cristina Lliso, con su voz sugerente, provocando siempre expectación, y acompañada de músicos de una solvencia notable. 

A ver que grupos de esos años dedicaban un tema a Miles Davis, o hacían una versión del "Heaven" de los Talking Heads. Fueron una dulce anomalía de pop bien manufacturado, con efectos contagiosos al oírles como cuando suena "Una sorpresa" o "Cita en Igueldo". 

"De espaldas a ti" fue el cuarto disco de discografía y contiene quizás uno de tus temas más emblemáticos, la agitada "Tucán" con letra de Javier Corcobado, que mantuvo con Esclarecidos una relación muy productiva, con diversas colaboración en la historia del grupo. 

Lentas tonadas del tipo de "¿Por qué?", suavidades que se enroscan en tu ser y litigan para que la calma se instale y te devore con dulzura. Como "El club de los inocentes", otra reliquia de pop que se degusta con placer, o "Las hormigas" y su fragancia siempre de otro tiempo. 

"De espaldas a ti", una magnifica manera de traer del olvido a un grupo que por muchos motivos, les he tenido un cariño especial que no se vence con el paso de los años. 

WATER FROM YOUR EYES. "It's a beautiful place" (2025)

 

Hay veces que pasa. Te lees una par de reseñas y te dejas de llevar por los parabienes que unos y otros dictan sobre la letra impresa, para luego llevarte una decepción que puede ser de varios grados de intensidad. 

Y es que el duo de New York formado por Rachel Brown y Nate Amos, empiezan como un torbellino de indie rock juntado a Stereolab con algo de noise pop como vemos en "Life sings",  el mejor tema de una álbum que se difuminando de manera gradual. 

Y la cosa parece funcionar con la envolvente y ruidosa "Nights in armor", pero luego empieza a decaer la gracia con "Born 2" y su infantil jugada de querer parecerse demasiado a Streolab. Luego la instrumental y sosa "You don't believe in god?" y la soporífera "Spacehips" nos hace decaer todas las expectativas que teníamos con ellos. 

Y la cosa no mejora con "Playing classics" y su terrible electrónica que no va a ninguna parte. Ya sin rastros de guitarra. Y para rizar el rizo, "Blood on the dollar", pop soso y hortera. Hay veces que me gustaría estar en la cabeza de esos sesudos críticos con tanta cobertura en los medios, para saber donde demonios sacan cosas que no existen. Grupo para desechar. 

SUPERCHUNK. "Songs in the key of yikes" (2025)

 Vaya regreso el de Superchunk. Vaya pelotazo de felicidad indie lo que destila este disco, de lo mejor de su carrera, con canciones tan felices y radiantes como la que empieza el trabajo, "It is making you feel something", pura adrenalina melódica como en los mejores tiempos de la banda comandada por Mac McCaughan.

Los de Chapell Hill han conseguido con sus canciones y sus estribillos ("Bruised lung"), traer a la actualidad toda esa amalgama de recuerdos que tenemos asociados a esos 90 donde nuestros veinte años ondeaban libres, signos de nuestra juventud tan voraz y repleta de primavera. 

"No hope" no consigo despegarla de mi ser, y "Care less" es un torbellino sónico con guitarras juguetonas,  y con una emotividad que te persigue y te llena de ese placer que nace en la nostalgia y te crea un buen rollo general que te atrapa. "Climb the walls" es la consecuencia de tantos años en la carretera en un estado siempre de creatividad brutal, de un grupo que siempre fue consecuente con su necesidad de vivir en una juventud parece que nunca se acaba. 

"Everybody dies" con esas distorsiones que te estrangulan, es otro de los platos fuertes de una regreso que los ponen en todo los alto, que escenifica de una forma brillante que una banda después de tantos años que puede hacer canciones como "Struck in a dream" se merece un hueco enorme, (del tamaño de nuestra añoranza de esos años),  en nuestro corazón ya algo herido por los combates de la edad, pero siempre latiendo con fuerza cuando escucha tonadas como la que encontramos en este reconfortante disco que tanto bien nos hace. Grandiosos Superchunk.

ELEVENTH DREAM DAY. "Beet" (1989)

 

Vaya petardazo. Vaya pedazo de banda los de Chicago, y vaya segundo disco que sacaron en el lejano 1989. No, no te apures. Dale al play y quédate sin respiración cuando suene ese abrupto llamado "Between here and there", donde parecen poseídos por el fantasma de The Gun Club. 

Rick Rizzo y Doug McBombs llevaban las riendas de esa jauría de rock desbocado, donde las voces de Janet Beveridge hacían de justo contrapunto a un disco donde la distorsión en lo que manda. Puro sonido indie incendiario lo de Eleventh Dream Day, con delicadezas del calibre de "Testify",  o esa barrabasada sónica llamada "Bagdad's last ride" donde esta vez las influencias que percibes son de la banda de Ira Kaplan. 

Puro noventa, aquí no hay descanso, las melodías escuecen, crujen, hacen daño en medio de una maraña de caos bendito, electricidad al por mayor que repica y repica sonidos devastadores ("Awake i lie"). Y como no, en todo ese maravilloso disco pulula la sombra de Neil Young, al que tanto debe la música independiente de aquellos años ("Road that never winds").

"Michael Dunne" es otro de los puntos fuertes de este visceral álbum, desbocada canción repleta de una intensidad que quema. Y luego te atropellan con "Bomb the mars hotel" , cocinada a fuego lento, semilla del mal, casi punk. Vaya sudores!!!!!

¿Qué piensas que Eleventh Dream Day no tiene himnos? Pues tómate un trago de "Teenage pin queen" y su lentitud que desmorona, y su tráfico rodante de crudeza que escuece. El fin con "Go (slight return)" es una vuelta al inicio del lp, se van como vienen, dejando todo el paisaje desolado. Brutal. 

THE CRAMPS. "Songs the lord taught us" (1980)

Casi 15 años lleva Discos Pensados en activo, y hasta hace unas semanas no aparecieron por aquí la grandiosa banda liderada por Poison Ivi y Lux Interior. Fallo imperdonable. Por eso vuelvo de nuevo con ellos, en ese majestuoso tercer disco, grabado por el mismisimo Alex Chilton, y que desde que se inicia con "Tv set", sabes que te vas a divertir de lo lindo. 

¿Quieres rockabilly punk? Toma dos tazas con "Rock in the moon" (versión de Jimmy Stewart). Grabado en Memphis, en los estudios donde salieron discos de Elvis Presley o Johnny Cash, el veneno y la ponzoña que destila su escucha es todo un bálsamo para tu espíritu. Escucha el caos que crean en "Garbagenman". Dicen que tuvieron problemas con los que produjeron el lp, por sus pintas, por su actitud. Jodidos sureños. The Cramps les dieron su merecido. 

Uno de sus mejores disco, no tienes tiempos que perder para sumergirte en ese universo tan particular que crearon The Cramps, con sinrazones sónicas tan bellas como "I was a teenage werewolf". Y luego están las pedazos versiones que aparecen, como "Sunglasses after dark" de Dwight Pullen o ese "Fever" que te pone la carne de gallina de Little Willie John. 

Y luego claro, esos ritmos endiablados marca de la casa de The Cramps como nos muestran en "The mad daddy", o "Zombie dance" para revivir a un muerto. Fueron de los más grandes y con trabajos como este no puedes más que disfrutar de todo lo que significan The Cramps. 

Luego llega "Strychine" de The Sonics y ya no puedes parar. En conclusión, larga vida a The Cramps. Puro disfrute su acidez, su rock, su revolución siempre vigente. 

JAVIER CORCOBADO. "A nadie" (2009)

Corcobado te desarma con sus palabras, con su canto de dolor que no cesa, con su manera de explorar las sensaciones más límites que puede llegar el ser humano. Este disco es una buena muestra de ello. La desesperante canción que titula el disco es solo el inicio de un viaje repleto de aristas, de sustos emocionales, de temas que impactan. 

"¿Por qué estoy tan triste?" es otro de los fulminantes rayos que permanecen entre las sombras de un estío que se intuye peligroso, a ritmo de música de verbena. Esto lo hace muy bien él. "La canción del viento" el típico arrebato de crooner de Corcobado que da paso a esa burrada mayúscula llamada "En el coño del mar", una bestialidad ácida y repleta de veneno. 

"Soy un niño" es enternecedora, valiente, susurrando siempre viajes a lo más íntimo, ahora si, un canto de esperanza a pesar de todo. Luego nos encontramos con el Corcobado más eléctrico y furibundo, con distorsiones marchitas del tipo de "El futuro se desvaneció ayer", delirante y brutal. 

El vals con quejido eterno de "Hoy no voy a cantar" da paso a la mejor de todas, "Caballitos de anís", para cantar con los colegas en la taberna, tarareando ebriedad perpetua, mientras el acordeón llama a la sedición. 

"Françoise de Vacaciones", recitada, en la onda de "Ladrada del afilador" nos recuerda los viejos tiempos con los chatarreros. En conclusión, música para erizarte el alma, este notable "A nadie". 

THE SLOW SUMMITS. "Every intention" (2025)

 Desde Suecia con mucho jangle pop. Así podíamos titular la película que se montan The Slow Summits con este radiante y adictivo "Every intention", que desde que suena la primera canción, "Dream on", te mantiene activo y en permanente vilo. 

Viaje en el tiempo con melodías perfectas para tararear como "Louie Louie", gráciles momentos donde todo es posible, donde es fácil gozar de lo lindo con pedazos de hits de una inmediatez instantánea como "Better off". 

Los escuchas y los puedes emparentar de manera natural con alguna banda del sellos Flying Nun o Sarah Records. Música atemporal que destina alegría a raudales, melodías que avanzan con un pop iluminado ("Not that hard" y "Yrs truly" son maravillosas). 

Y si te gustan los The Smiths, ponte sin parar "How much". Vaya fidelidad al sonido de Morrissey y compañía. La escucha de "Every intention" es vitalista, despide buen rollo, revestida siempre de una capacidad para remover la coctelera de nuestros recuerdos. 

"Not the one" es otro de los puntos fuertes de estos chicos del norte de Europa que se han dispuesto en serio a revitalizar un género que no es fácil traerlo a la actualidad sin caer en el sonrojo. Bravo por ellos. 

SQUID. "Cowards" (2025)

 

Vaya discazo lo último de Squid. Supera a sus anteriores trabajos, han conseguido quitarse el paracaídas a tiempo y el post punk que era el eje aglutinador de sus canciones, abrió la puerta a otros sonidos,  especulaciones como ese pedazo hit instantáneo llamado "Cryspy skin" o la gozada que suena a puro 80, "Building 650".

Los de Brighton se las apañan para componer gemas del calibre de "Blood on the boulders" sin apenas despeinarse, o montarse en un tío vivo psicodélico con las dos partes de "Fieldworks". Lo que han hecho es de aplaudir. Podían haber puesto el piloto automático y continuar por la senda de las guitarras bramando distorsión, pero aquí hay muchos más matices, como "Cro-magnon" y su aire levemente progresivo.

La que titula el disco es la más tranquila, una amalgama de texturas oníricas que da paso a "Showtime" donde se pueden ver ecos de lo que eran antes. Para terminar "Well met (fingers through the  fence)", otro certero dardo para emocionarte. 

Buena obra la de Squid, un combo que tiene suficientes cosas que decir para seguir haciendo canciones fuera de lo trillado que está el asunto éste de la música independiente.

THE DURUTTI COLUMN. "Circuses and bread" (1986)

 

"Circuses and bread" fue el séptimo disco de la columna de Durutti, de la mano de su factótum Vini Really, sacaron odas musicales para proveernos de un montón de nociones de como dibujar la calma, la belleza, la candidez partiendo de la particular manera de tocar la guitarra de Vini, acompañado por todo un elenco orquestal que quita el hipo ("Pauline"). 

Aquí nos encontramos ante uno de los grandes temas de The Durutti Column, "Tomorrow", con la voz de Vini en un mar de tranquilidad perpetua, en un sonoro equilibrio de dicha y bienestar. De Manchester, ficharon pronto por Factory, pero lo de The Durutti Column no tiene parangón ni tampoco se puede asociar a nada de lo que se hacia por esa época. Vivían una historia paralela. 

Instrumentación que se dejaba llevar por ritmos a veces levemente electrónicos, ("Dance II"), y sobre todo cantos a una tristeza creativa que te llenaba de confort como vemos en la maravillosa "Hilary". El piano se hace fuerte en "Street fight", y "Royal infirmary" marca del casa, es para enmarcar. Luego suenan las cuerdas como una tormenta sin ruido como vemos en "Black horse" hasta que llegamos a la mas larga del disco, "Blind elevator girl (Osaka)",  especial y llena de suave a catarsis. 

Así eran The Durutti Column, una banda que la podías reconocer desde el primer minuto, con una identidad tan particular que viajar con ellos siempre es un placer, como ir en coche buscando acantilados, mientras el sonido de mar rompe rocas, como ver el cielo empezar a nublarse mientras piensas que va a ser de tu vida ("The afternath"). Música para gozar. 

THE CRAMPS. "Fiends of dope island" (2003)

 

Rock and rolk. The Cramps. Poison Ivi y Lux Interior. Basta con este inicio para definir la importancia, la pegada de este grupo tan necesario, de esta banda que abandero el espíritu más freak y mas punk dentro del rock, del garage, de los sonidos primitivos. 

Este fue de los últimos trabajos que sacaron pero esta todo lo que en sus anteriores lps podemos encontrar. Desde "Bib black witchcraft rock" a "Papa Satan sang Louie",  "Fiends of dope island" es tan digno como cualquiera parada que hagas en todo el coctel musical de su grandiosa historia. 

Pasote la chulería de "Hang up" y esa brutalidad agitadora de pies y conciencias que es "Fissure of Roland". Como "Dr. Fucker M.D.(musical deviant)", rock con ínfulas de eternidad. Es imposible que te aburras con un disco de The Cramps, que no te dejes llevar por sus sonidos que piden que de tu pelvis salgan pájaros salvajes ("Dopefiend boogie"). 

Hasta cuando bajan el pistón aciertan. Suena la impactante "Taboo" y no puedes hacer otra cosa que quitarte el sombrero. Ya cuando llegas hasta aquí con tu equipo echando humo, te chocas de bruces con "She's got balls". Para que queremos más. Bueno sí, "Oowee baby",  y el final con "Color black". Pura dinamita. Los quiero, los adoro, los venero. Siempre nos quedará The Cramps. 

HORSEGIRL. "Phonetics on and on" (2025)

 

Horsegirl no paran de crecer. Lo suyo es para no perderlos de vista. Si "Versions of modern perfomance" (2022) era bueno, este último disco es aun mejor. Canciones más redondas, estribillos que cabalgan entre un noise pop de juguete ("Whrere'd you go"), hits inmediatos para incendiar tu corazón ("Rock city"). Este cd tiene todo para estar con orgullo entre lo mejor por ahora del año. 

Penelope Lowenstein y compañía, producen un efecto encantador cuando suena la maravillosa "In twos", puro indie tranquilo noventero, o la fenomenal y juguetona "2468". Todo cabe en esta caja de sorpresa de canciones que irradian alegría ("Well i know you're shy"). 

Hasta se permiten sonar con timidez algo a Stereolab como vemos en "Julie". Lo de este grupo es de nota alta. Y sino ponte sin  parar "Switch over", la más agitada de esta aventura. Cuando quieran sonar algo lofi van y te sueltan "Information content" o la muy emocionante "Frontrunner". 

Vuelven las caricias que arañan con "Sports meets sound", para terminar con "I can't strand to see you", en su vertiente más pop. En definitiva, corto, pero intenso. De disfrute inmediato. 

CRANES. "Future songs" (2001)

 

Adoro a Cranes. Quizás lo deba a la melancolía. Cuando a principios de los 90 tuve la oportunidad de verlos como teloneros de The Cure y me topé de golpe con la voz de ensueño, entre cianuro, de su cantante Ali Shaw. Desde ese momento no me perdí ningún disco suyo, y tengo en gran valor este "Future songs", por su alejamiento de su vena más shoegazing, para abrazarse sin compasión al dream pop. 

La que titula el lp y "Submarine", son una buena muestra de esa hipnótica manera que tenían de vivir en una oscuridad siempre iluminada. En este trabajo desarrollan su parte más sensible, más suave  ("Flute song"), donde aparecen joyas sónicas del calibre de "Sunrise" una letanía que te hace retorcer el corazón.

En ocasiones, parecen llegar al trance, como oímos en la casi trip hop aletargado "Don't wake me up", para toparnos de golpe con la mejor del lote, la embriagadora "Driving in the sun". Erizado que tengo los pelos del sentir. "Fragile" suena como tema para las ligas de las canciones perfectas, y en "Even when" continúan esparciendo odas al aire de una levedad mortecina. 

A los que seguimos con voracidad a Cocteau Twins, siempre tuvimos a Cranes a un grupo que a su manera supo tener una voz propia,  que en "Everything for", les acerca con cariño a The Cure. "The maker of heavenly trousers" es el himno del "Future songs". Levemente más agitada, pero con la angelical Ali siempre tensando las arterias de nuestro sentir. Grandes Cranes. No os olvidamos. 

DOG FACED HERMANS. "Those deep buds" (1994)

 

Como suenan Dog Faced Hermans. Esta banda desconocida que empezaron a dar guerra en los 80 como una especie de Crass del post punk, la verdad es que es una de esos tesoros ocultos que con el paso del tiempo te seduce cada vez más y más. Y mucho se debe al sonido de la trompeta, siempre presente en sus trabajos, como una especie de jauría donde sabes que empieza el peligro ("Blessed and the follies").

Con solo decirte que el disco se grabó en el sello de Dead Kennedys, Alternative Tentacles, te puedes hacer una idea de lo que te vas a encontrar en este bombazo llamado "Those deep buds". Marion Coutts y Andy Moor hacen todo lo posible para que sientas desasosiego ("Volkswagen"), con un sonido que coge aliento del free jazz, cercanos a lo que hacían los los holandeses The Ex con esa mixtura especial de estilos ("Keep your laws/off my body"). 

Ya cuando llegas a la fanfarria punk de "Lie and swell" te tienen convencidos de que lo suyo va en serio de verdad. Este fue su último disco (sin contar un directo de despedida que sacaron en el mismo año 1994), y todas las canciones resumen a la perfección las ideas de una banda que se alejo de lo acomodaticio de la época, descargando con inquina una autentica catarata de ruido siempre bien acompasado como lo muestra "Human spark". 

Incendiarios aparecen en "Les femmes et les filles vont danser", y en "Virgina Sur" con esa trompeta rompiendo cielos, con una cantidad brutal de elementos para hacer de Dog Faced Hermans una banda siempre a recomendar. Seguimos sacando del olvido grandes joyas. 

THE CURE. "4.13 dream" (2008)

 

Quizás este disco no sea de lo más conocido de la indispensable discografía The Cure, pero son The Cure, son una institución, son algo que cuidar y degustar, son el eslabón que nos une a muchos con unos años donde todo era posible. 

El disco empieza como un tiro, con la tierna y mejor canción, "Underneath the stars", de esas joyas donde la tristeza es el alma que todo lo mueve, donde es fácil perderte en sus coordenadas líricas. "The only one" suena a los tiempos del "Kiss me kiss me". En "The reasons why" y "Freakshow" suenan como queriendo buscar hits de esos que tanto tatareamos en nuestra memoria. 

Otro puntazo enorme "Sirensong", corta, radiante, efectiva, para silbar alegrías. Hay sin embargo bajones del nivel como "The real snow white" que perdonamos e Robert porque es muy grande. Pero aquí mandas las canciones, y hay muchas buenas. Aquí tienes "The hungry ghost" que tapa la excesiva especulación instrumental de "Switch".

No está en mis preferidos de sus discos, pero siempre es un placer dar al play y hallar cosas como "Sleep when i'm dead".  Siempre nos quedará The Cure y su creación oscura, sus papeles de teatralidad brutal, el bien que le ha hecho a la evolución musical desde que nacieron. Inmortales siempre The Cure. 

LITTLE SIMZ. "Lotus" (2025)

 

Vaya gozada. Llámame loco si quieres, que esto se acerca a las proclamas del rap, de lo que tu quieras, pero es que desde que suena "Thief", no puedes más que abrir tus sentidos y disfrutar de esta artefacto que esta lleno de sitios para que puedas militar en la desobediencia. Y eso que uno es muy post punk, pero joder, suena "Flood" y te deja desarmado, con ganas de suculentas guerrillas de sonidos de las calle. 

Esto es una bendita locura. Te pones el video de "Young" le pones a todo volumen y te quedas como un rey. Fuck a los machistas, fuck a los tontos, fuck a los que intentan hacer de la normalidad un todo. Vaya puntazo. Luego viene la bossa nova de "Only" con Lydia Kitto rompiendo la pista para en "Free" irnos a toda leche a la pista bailar entre sonidos calientes y mucho pavor. Vaya maravilla. 

Luego viene "Peace" con su corriente tranquila con la colaboración de Moses Sumney, un remanso de paz en medio de la tormenta, un vaho que se expande por el aire entre deseos incumplidos. La verdad es que es todo un punto este disco. 

Luego llega el rap mas ortodoxo de "Holow" pero siempre con esencias especiales de innovación que nos lleva a "Lion" con Obongjayar repartiendo las cartas en una partida voces con grave presión, música para no parar. 

La parte más interesante del disco, ( y aquí hay mucha tela) la encontramos con el tema que titula el disco con la aparición estelar de Michael Kiwanuka. Un goce brutal. Solo nos queda sumergirnos sin perjuicios en este mar sónico delicioso, arrogante, venenoso. 

DISCO LAS PALMERAS! "Nihil obstat" (2011)

 

Demasiada poca repercusión tuvieron en su día esta interesante banda gallega, que se cargó la mochila de viaje con destellos de noise y shoegazing. Y la cosa, desde que sacaron éste su primer largo, funciona desde que suena ese petardazo que se llama "La casa cuartel". 

En este primer trabajo eran un trio (luego cambiaron de miembros en el segundo largo),  la verdad es que suenan como una apisonadora con ese sonido a lo MBV en "Del miedo a mis viajes", o ese himno brutal que se llama "A los indecisos".

"Desde hoy perfecto" es también toda una andanada cerca de los parámetros de Triángulo de Amor Bizarro,  para acercarse casi al noise en "No lugares". "Estados emocionales (y vaticanos)" con su licencia pop te atrapa por sus contantes subidas y bajadas y "Me la jugaste en China" es para imaginarla en directo. 

El bajo marca la pauta en "La soga umbilical" el tema más intricado y arriesgado de "Nihil obstat", para volver en "Los economistas" a sacar a la distorsión a pasear. No tienen disco malo Disco las palmeras!, pero quizás me quede con éste, donde ya despuntaron, donde ya plantaron su personal forma de ver el shoegazing y el noise pop.

EDWYN COLLINS. "Nation shall speak unto nation" (2025)

 

Señoras y señores, abran bien los oídos, con ustedes unos de los discos del año, de lo mejor que sacado el ex-Orange Juice. Y no hace falta mucho para llegar a esa afirmación. Desde que suena la voz del indomable escoces en la inicial y vitalista "Knownledge", ya sabes que estas ante un disco de esos que no puedes dejar de escuchar una y otra vez. 

Ni la hemorragia cerebral que sufrió el bueno de Edwyn dejándole secuelas de por vida, pudo con el hacer de este artista total, que no ha parado de producir discos inolvidables, desde que tuvo su enfermedad. Aquí aparece la que para mi es la mejor canción de su carrera, "Paper planes", tierna, lírica, para pincharla cuando el sol se acueste, para tararearla con los altavoces lloviendo tímpanos de rosas. La piel de gallina. 

La marchosa "The heart is a foolish little thing" es de la más agitada de un catálogo donde la variedad es lo que predomina, el buen gusto musical de un héroe caído que no para de levantarse a cada trabajo que hace. La tierna "The mountains are my home" rezuma elegancia, fragilidad, susurros que se te pegan a los talones de tu corazón. "Strange old world" es otra tonada atemporal, otro conjunción de astros para los que seguimos desde años a este enorme músico. El saxo suena a aurora boreal. 

Hasta ramalazos de soul en la brillante "Sound as a pound" te puedes encontrar en este colosal entretenimiento, donde la balada "The bridge hotel", con los pájaros cantando ordalías, te deja el pecho repleto de prados para que pasten manos que te quieran sentir. 

"A little sign" te deja sin respiración, y en "It must be real" es la sutiliza del crooner lo que te deja desamparado bajo el hechizo de su voz tan especial. En conclusión, una maravilla, de principio a fin, música para curar heridas. 

DAKOTA SUITE. "Signal hill" (2000)

 

Esta banda inglesa de Leeds, siempre supo que lo suyo nunca iba a ser la alegría. Todos sus discos ( y tienen unos cuantos), son cantos de desesperanza y tristeza, son una amalgama de rayos de sol que dimiten de su calor para volverse de repente frío. 

Este "Silent hill" forma parte de la inmaculada discografía de un grupo afiliado por su pena enorme al slowcore como vemos en  la inicial "The cost of living", y que nos arrastra sin poder decir nada, con su folk oscuro ("Close enough to tears"), a lugares donde la luz es solo pecado. 

Temas que suenan siempre lúgubres ("Clean linen sheets"), o como la que titula el álbum hace que te dejes llevar por un bostezo imposible de parar. Lo de Dakota Suite no es ninguna impostura. Duele de verdad. Y si no, ponte un par de veces seguidas "A view of the sea", y me dices como se te queda el cuerpo. 

El tren y la trompeta suenan en "Riverside", y el calor de fuera, el que te deja sin sentido, se para frente a la barrera de las lágrimas, o de un recuerdo agrio que vuelve de repente. "Raining somewhere" es otro catálogo de sonrisas que se reparten en días de difuntos, y "Morning heavy", nos muestran la capacidad que tenían Dakota Suite de llevarnos a estados muy sinuosos de conciencia. 

Dakota Suite, una fábrica de emociones, un teatro de sueños concisos que van y vienen, música tranquila, con alma para que te sumerjas en días de vino y rosas necesarios para el fragor de la batalla del vivir. 

DIIV. "Oshin" (2012)

 Con "Oshin" empezó la interesante carrera de una de las bandas más importantes de shoegazing nacidas después de toda esa maravillosa explosión de los 90. Los norteamericanos aun no estaban del todo afiliados a la distorsión, y en este su primer disco, nos regalan piruetas de una dulzura desbordante como vemos en "(Druun)" y "Human". 

Pinceladas de melodías que nunca llegan a la catarsis pero que ponen la base a lo que seria en poco tiempo DIIV.  Aquí puedes disfrutar de esa especie de neopsicodelia que es "Air conditioning", o placeres más mundanos, como la arrebatadora  "How long have you know". 

"Wait" es puro ochenta y en "Earthboy" se dejan llevar por un torbellino de placidez que nos sumerge en una especie de lisergia de bellos sueños.  Otro de los puntos fuertes del álbum es "Follow", donde si que podemos ya vislumbrar por donde iban a trotar en los mundos del ensimismamiento aliado a los latidos de las guitarras. 

Pop agridulce en "Sometime". o himnos como "Oshin (subsume)", construyen todo un ideario musical que con "Doused" llega a la cumbre. Necesario retorno al inicio de esta banda que tantos comentarios positivos trae consigo. 

CAROLINE. "Caroline 2" (2025)

 

Vasta sólo la primera canción del segundo trabajo de Caroline, "Total euphoria", para quitarnos de golpe el mal trago de haber escuchado el pésimo ultimo disco de Black Country New Road. Lo que ha hecho Caroline es coger el testigo. BCNR, ya es pasado, hay que olvidarse de ellos. Caroline, con su valiente segundo trabajo nos ha emocionado, ha cogido las distorsiones, la calma, lo frágil y lo envolvente, y nos ha convencido. 

Llega "Song two" y se les ve sumergidos en su mundo, en un sitio donde el caos pide paso con las guitarras como calambres, con el violín recitando estrofas de una calma siempre chica, con una pasión que intuyes y te sobrecoge. "Tell me i never knew that", con la colaboración de Caroline Polachek, es lo más cerca que han estado Caroline de una canción más o menos normal. 

Pero es cuando suena "When i get home" con sus latidos como fuente principal de fuerza y arrojo, cuando te das cuenta de lo imponente de Caroline. "U UR ONLY ACHING" es folk que se ve sometido a la fiereza de los drones y ruidos para no dormir, y "Coldplay cover", que no, que no es una versión de Coldplay, es como si reviviesen en ellos el espíritu de los islandeses Mum. 

Mi favorita, al final, "Two riders down", donde el desgarro es mayúsculo, donde el grupo toma nota de su evolución, y se siente a gusto es un lugar donde es imposible estar en una paz total. Aquí hay mucha tela que cortar. Caroline, promesa hecha realidad. 

DANGER MOUSE & SPARKLEHORSE. "Dark night of the soul" (2010)

 

Mark Linous (cuánto te echamos de menos) con sus Sparklehorse y Danger Mouse (Brian Burton), unieron sus fuerzas contando con una serie efectiva de colaboradores para justo en el año que se nos fue Mark, construir un enorme puente repleto de sentimientos, de pop, de arrugas de guitarras, un gozo vamos. 

"Revenge" con Flamin Lips y "Just War" con Gruff Rhys, son el inicio de este abanico de sonidos que son un placer pop efectivo y etéreo, mucho recuerdo a Beatles como vemos en "Jaykub" con Jason Lytle. En "Little girl" aparece el bobo de Julian Casablancas de los Strokes, pero le perdonamos su aparición por que luego Black Francis, parece hasta recuperado con "Angel's harp". 

Y luego viene lo mejor del disco "Pain", con el dios, la Iguana, Iggy, agazapado, dando zarpazos, comunión total con la idea de este viaje con la travesía repleta de lugares donde parar. Como me gusta encontrar por aquí a David Lynch en "Star eyes" y la que titula el disco. Todo un punto. 

"Insane lullaby" con sus tics electrónicos es otro punto dentro de un disco que se defiende con su escucha, repleto como en "The man who played god", con Suzanne Vega, de islotes donde la calma se hace amiga de un hechizo instantáneo tras su escucha. Un disco disfrutable y dulcemente artesanal. 

DEWAERE. "What is pop music anyway" (2022)

 

"Slot logic" (2018), me encandiló de tal manera que la verdad no me he perdido ninguna noticia discográfica de estos galos que sin riesgos a equivocarme y salvando la distancia, bien pudieran ser el mejor grupo que nos haga traer del olvido a esa otra pedazo de banda que fue The Fatima Mansion. 

"Mt shangri-laaa" y "Clink and cluster" son buena muestra de ello. Y buena culpa de esto la tiene su cantante Maxwell Farrington. Y eso que hay veces que suenan como un combo de post punk. Pero joder, te pones la tremenda "Voilà now you're old", con su tranquilidad amenazante y piensas, que lo de Dewaere va por otro camino.

Opereta bufa de sacudidas directas y concisas peros siempre atribuladas como "The pretty one", sacan de la chistera himnos como si no fuera con ellos. "Make in the morning....." es quizás la más punk de un repertorio que un gozoso disparate. 

Me encanta como se acercan a lo barroco de Pulp en "Satellite", para en "Bricks" revivir de nuevo toda la furia que llevan dentro. O "Taiwan, Ireland and Japan", que es otro pogo de baile inmediato. Pero lo de Dewaere tiene tantos registros que en "Replay" se acercan a los Damned después de la resaca punk. 

Para termina el disco, "Everybody wants one now", el perfecto single para provocarte una sonrisa regeneradora. Mucho Dewaere. Son muy buenos. 

VENTURA. "Superheld" (2025)

 Lo de estos suizos es de traca. Cuando me tope de casualidad con "Ultima necat" (2013), mi cabeza no paraba de dar vueltas tras múltiples escuchas. Por allí andaba echando una mano David Yow de Jesus Lizard, pero lo de Ventura va por otro lado. Canciones donde las melodías duelen, el post hardcore se convierte en indie por momentos, donde tienen la habilidad de crear clímax para soñar siempre tormentas. 

Este "Superheld" la verdad es que va a estar entre lo mejor del año.  Y no tardamos mucho en darnos cuenta de ello. El inicio con "Dwell" ya nos va indicando que el grupo ni ha perdido rabia, ni tristeza. Y claro, tu oyente siempre al filo de la navaja, no puedes más que flipar. Luego se te vienen encima "Advertiser" y "Most arts" y sientes que no ha cambiado nada desde que los escuchaste por primera vez. 

A veces juegan en "Bubbles" casi con el slowcore, para "Freeze in hell" convertirse en unos adoradores del indie de los 90. Pasote. Pero cuando más me dejan helado es cuando como en "Patron saint" se hacen parecer a unos Les Thugs más refinados, más maduros, con reflexiones y con distorsiones de esas que te dejan noqueado. 

"Optimistic" es un sube y baja frenético, y "Obviously" tiene la magia de las canciones que en poco segundos se convierten en ciclón. La más bestia del disco. Un buen pelotón de espasmos sin contención. "In me, there are three" es otra carta marcada por la fogosidad, pero también por la calma. Para terminar, "From evil", y el deseo de que no tarden mucho en venir por aquí. En directo esto puede ser brutal. Altamente recomendables. 

DÉCIMA VÍCTIMA. "Décima víctima" (1982)

 

Junto a Parálisis Permanente fueron mis grupos favoritos de eso que se llamó La Movida, donde nos dieron gato por liebre con tantas cosas, con tanto moderneo insulto de relleno, donde sin embargo podíamos hallar bandas como los históricos y siempre recuperables Decima Víctima. 

Este, el que fuera su primer largo, se abre con la que es una de sus mejores canciones, "La voz que me persigue", oscura, decadente, como un vals triste que irradia claveles zurcidos por cristales. Qué hermosura. 

Formados por dos suecos, los hermanos Mertaneny, Carlos Entrena (voz) y José Brena, ponerte hoy temas como "Más allá del silencio", es decir que ellos fueron los que más se acercaron a todo el post punk que venía de las islas. Oyes a Décima Víctima y te recorren por el cuerpo Joy Division y Siouxie, la decadencia y la noche, las sombras que siempre avanzan. 

"Escombros de futuro" se la pondría a toda esa recua de nuevos indies que solo tienen pose, faltos siempre de actitud, repelentes y vacíos de contenido. "Otro futuro" es otro faro en la corta discografía del grupo, donde la negatividad vital era un carnet de bienvenida para el club de los oscuros. Como "Almas perdidas", tantas veces escuchada, a todo volumen, en otra época lejana, cuando aun el tiempo no había efectuado su baile maldito. 

"Fe en ti mismo" es una loa a esa individualidad tan necesaria y "Detrás de la mirada" es otro de los hits, que cuando me compré hace mucho ese disco recopilatorio llamado "Resumen", enganchó mis afanes degustativos de noches perpetuas. "Desde al acantilado" es otro de los platos fuertes, hipnótica, especial, de esos temas que tarareas mientras pueden contigo las sombras. 

Para terminar, "Decisión", quizás la canción más elaborada de su carrera. Y es que escuchar a Décima Víctima era todo un delirio necesario y gratificante. Por eso hay siempre que recuperarlos. 

DAVID SYLVIAN & ROBERT FRIPP. "The first day" (1993)

 ¿Qué podíamos esperar de la unión de estos dos genios? Por una parte el jefe de King Crimson, y por otra, David Sylvian, ex-Japan, con una carrera en solitario que supera con creces a las aventuras de new wave de su grupo. Y claro la explosión nuclear no se hace mucho esperar. 

La forma tan suya de tocar la guitarra  de Fripp ya empieza a provocarnos evocación en el inicio, con "God's monkey". Aunque antes habían colaborado juntos ( en "Gone to earth" o el cortometraje "Steel cathedrals"), fue este "The first day", el que marca el antes y después de esta unión tan especial. Si buscas aquí algo parecido a un single, ese sería, "Jean the birdman",  con la voz de Sylvian, volcada como siempre en un lirismo atronador. 

Trey Gunn, también de King Crimson, aparece por aquí, a parte de otros músicos como Jerry Marotta (tocó con Peter Gabriel). En "Firepower" se ve la mano de Fripp, llevando el la batuta con sus sinfonía de acordes tan reconocibles. Luego volvemos al funk que recorre el disco de una manera sibilina pero presente, en "Brigthness falls", para seguir con la más experimental de lote, "20th century dreaming (A shaman's song".

Y si quieres fliplar, métete en los 17 munutos de "Darshan (the road to graceland)", todo un abanico de ritmos de bailes deformes, en una rave para gente extraña. En fin, que decir de un disco como éste. Solo dejarse llevar y alucinar con ambos monstruos. 

PULP. "More" (2025)

 

Jarvis Cooker es único en lo suyo. Es igual que hallan pasado más de 20 años sin que Pulp sacará disco, donde hay arte, donde hay magia, siempre es posible pensar que ser barroco y elegante, por que no, no es mala cosa, en estos tiempos tan lineales que nos presiden. 

Fueron la mejor banda de britpop para el que escribe, y el carisma de Cooker, sigue como hace tantos años, como vemos en la inicial "Spike island" donde parece que el tiempo se halla parado. Que grandeza la de Pulp. Vaya defensa de lo charmant que hacen Pulp con esa delicadeza, esa manera de hacer del pop un suspiro de porcelana ("Tina"). 

En "More" todo rezuma a los Pulp de toda la vida ("Grows ups"),  con sus tradicionales y rutilantes acercamiento al mundo crooner ("Slow jam"), siempre dispuesto a realizar sus malabares pop  del calibre de "Farmet parket",

Música para bailar mientras cae la noche barruntando excesos ("Got to have love"),  lecciones de suavidad contrastada ("Background noise"),  se dan la mano con suaves sesiones de susurros como vemos en "Partial eclipse" y "The hymn of the north". 

Y hasta se atreve en "A sunset" con una especie de soul amaestrado en algún tugurio de corazones rotos. "More", la vuelta de un artista encantador, de un músico con pinceladas bohemias,  siempre al margen de convencionalismos. 

DEAD KENNEDYS. "Fresh fruit for rotting vegetables" (1980)

 

Aquí empezó todo. 1980. Jello Biafra es el maestro de ceremonias de esta bomba de relojería, uno de los discos punks más indispensables de la historia, más necesario, más peligroso. Das al play y suena "Kill the poor" y ya no puedes parar de moverte. 

El sonido de Dead kennedys siempre tan característico ("Forward to death"), la llamada a las armas, a la rebelión ("When ya get drafted"), o incendios que son imposible de parar como "Drug me". Así eran Dead Kennedys, la respuesta al punk ingles, unos músicos que hacían desquiciar a sus instrumentos como vemos en "Your emotions". 

Pogos y más pogos, fuego, resistencia, peleas, ("Chemical warfare"), sus conciertos eran una bacanal de devastación, con el público hipnotizado ante tal vorágine de rabia repartida en temas de corta duración (como buena banda punk), adictos a la disidencia siempre, en "Fresh fruit.." encontramos hits del calibre de "California uber alles" uno de sus himnos más recordados. 

Eran increíbles, junto a Black Flag y Circles Jerks, quizás formen el trio más influente en sus vertientes posteriores (hardcore, post hardcore, hardcore punk, punk rock...). "Stealing peoples'mail" es otra batidora de urgencia explosiva de esas que te explota en las manos. 

El punto más fuerte del que fuera su primer disco, lo tenemos al final. "Holiday in Cambodia" y "Viva las Vegas", atronadoras,  canciones para identificar con los primeros acordes a una de las bandas más importantes del punk de la historia. 

DAVID KILGOUR. "Sugar mouth" (1994)

 

El músico de New Zeland, David Kilgour, conocido sobre todo por ser miembro de The Clean, firmó en este "Sugar mouth", su mejor disco en solitario para el que escribe. Un trabajo repleto de melodías adictivas (la marca del sello Flying Nun es evidente) como la que da inicio a este concurso de bellas canciones, "No, No, no". 

"Fallaway" sigue por esa senda, para silbar contando alondras mientras te olvidas de las penas, o para subir el volumen y huir del silencio durante un rato. Parece mentira la frescura de "1987" para estos tiempos que corren, esa guitarra de Kilgour tan característica, junto a melodías radiantes del tipo "Filter" una de sus gemas más conocidas de su carrera. 

Y cuando se relaja, nos invita a lentas disquisiciones como "Beached" y su torrente de magia suave. Vaya punto. Hasta cuando se vuelve medio folk como en "Nail in my foot" tiene su punto. Pero cuando más me encandila es cuando suenan plenamente noventero, como la eléctrica "Crazy", donde parecen unos Yo la tengo desbocados. 

"Look at it" se regocija en una calma siempre alegre, para luchar contra lo calores suspirando tranquilidad y "Recollection" con su cristalino sonido, con la voz de Kilgour amansando ruidos, consiguen que la escucha de "Sugar mouth" sea un festín para tus sentidos. 

Ya casi al final de este viaje, aterriza en nuestros oídos "Winter", y un frescor necesario nos entra como una corriente de desenfreno. David Kilgour, un gran artesano de canciones. Alguien a recuperar. 

dEUS. "Pocket revolution" (2005)

 

Los belgas dEUS llevaban seis años en barbecho desde la edición de su disco "The Ideal crash" cuando sacaron este imponente "Pocket revolution", con un inicio  ("Bad timing") donde sintetizan lo que siempre tuvo la banda como principal seña de identidad: indie rock con guitarras que se baten en distorsión, con una amplia paleta de sonidos, de estilos, que hace que sus trabajos sean lugares donde pararse, donde detenerse y disfrutar. 

La banda liderada por Tom Barman, desde que comenzó su carrera con "Worst case scenario" (1994), donde empezaron más experimental y agresivos, siempre han fabricado lps donde cabe el art pop con ínfulas de ensueño ("7 days, 7 weeks"), hits inmediatos con soflamas guitarreras ("Stop-star nature" y "If you don't get what you want"), o delicadezas sónicas como "Include me out". 

"Nightshopping" es una ardua reflexión con aristas repletas de momentos de subidón y en "Cold sun of circumstance" casi parecen una banda de britpop con furia desatada. Así eran dEUS. Reconocibles por su intachable capacidad de viajar a muchos estilos, disolviendo su éter independiente en canciones que siempre tienen algo que decir. 

"The real sugar" te envuelve por su serenidad y su pop elegante y ya casi terminando la más brutal de "Sun ra", un buen punto final a un tremendo discos. Y es que dEUS eran muy buenos. 

CURVE. "Doppelgänger" (1992)

 

Curve fueron la banda dentro del movimiento shoegazing que más abrazo los ritmos electrónicos, la pasión por las turbinas del progreso tecnológico ("Already yours es una buena muestra de ello).  "Doppelgänger" fue su primer disco, y es donde la pareja formada por Toni Halliday y Dean García más desarrollan su propuesta tan interesante. 

En canciones como "Horror head" predomina también cierto exotismo que les sienta bien, y en "Wish your dead" la guitarra distorsionada junto a la voz de Toni  y todo el aparataje electrónico, hace que los británicos hallan pasado a la historia como una de los combos con más personalidad de aquella maravillosa época.

"Lillies dying" tiene fuerza, concreción en sus aristas que hasta se inclinan algo hacia lo industrial, pero siempre sin perder de vista esa burbuja de feedback tan característica del shoegazing. "Ice that melts the tips" y esa fulgurante Toni Halliday casi como una sosia de Siouxie, es otra de las muestras palpables de la capacidad de Curve para recrearse en expansivos seísmos desgarradores. 

En sus discos posteriores, continuaron pertrechados sobre los mismos parámetros, pero es en este su primer bramido, con temas ya tan irrepetibles como "Sandpit". Gran grupo. 

LIFEGUARD. "Ripped and torn" (2025)

 

Nada nuevo bajo el sol. Eso es lo que pensamos cuando escuchamos un par de veces el primer disco de estos veinteañeros que vienen de Chicago, a remover el avispero del post punk. Y ojo, que "Ripped and torn" no es un mal disco, que comienza como un tiro con dos pegadizos temas, "A tighwire" y "It will get worse" repletos de melodías, guitarras punzantes y mucha actitud. 

Es estimable que las huestes jóvenes intenten a su manera recrear todo el ideario post punk, lo que pasa es que también es fácil caer en lo ya manido como vemos en "Under your reach", donde recrea con excesiva similitud lo que se vivió en Inglaterra a principios de los años 80. 

Tampoco les sienta bien que se acercan a cosas como lo que hicieron los nefastos The Rapture, en "How to say deisar", restan más que suman. En "Like you'll lose" se vuelven más corrosivos, incidiendo en su vertiente más transgresora para caer un desenfreno noise sin mucho sentido en "Music for 3 drums". Una de cal y otra de arena. "France and" si que tiene pegada, se esfuerza por buscar la expansión entre ritmos rotos y sesgados. 

"Ripped + torn", casi el final sube el listón de un trabajo primerizo, que peca de irregular, aunque se intuye buenos mimbres para quien sabe un futuro con más solidez musical. 

CUELLO. "Venga" (2021)

 

"Venga" fue el ultimo disco hasta la fecha de esta banda valenciana que nos regaló una buena colección de canciones para disfrutar pogeando, con unas letras siempre carcomidas de simpatía y con una pegada de esa que te hacer fortalecer el ánimo como lo demuestran en "La saliva del atardecer" y "Una gran ficción". 

Antes de que apareciera Biznaga, Cuello ya estaba por aquí dando muestras de su potencia, de su desparpajo, de su ambición que en temas como "Nene" supone uno de sus momentos más álgidos en una carrera sin ningún bache. Que maravilla. Como suenan. 

Grabado por Santi Garcia, "Venga" tiene de todo para que no pares de moverte. Como "Léxico cruel" y su agitada estampida brutal que da paso a "El rumor sin destino", con esa cargada instrumentación marca de la casa, donde el bajo es una apisonadora apasionada. 

"Querida sobriedad" , quizás mi favorita, es una ráfaga de viento que permanece en el espacio, otro single para ponerlo sin parar, laberinto punk, paroxismo total. Para terminar, la más larga del disco, "Muy dentro no hay día", perfecto final para un disco de esos radiantes, energéticos, brutal. 

ROBERT FORSTER. "Strawberries" (2025)

 

Qué delicia volver a escuchar a Robert Forster. El ex-The Go Between, vuelve con uno de sus mejores trabajos en solitario, que empieza con uno de esos temas que te hace alegrar cualquier día aciago que tengas, "Tell it back to me". Un caramelo. 

Hay mucha cosa buena en este "Strawberries", sobre todo la certeza de comprobar que el estado creativo de Forster es inmejorable. El rock and rolk de "Good to cry" es puro vacile, y la que titula el disco, con la colaboración vocal de su mujer Karin Bäumler, parece una reliquia con recuerdos de la Velvet. 

Y es que "Strawberries" es un disco repleto de mimo, artesanía de un pop ejecutado con destreza, resistente a toda esa apatía musical que nos rodea. En "All of the time" continua en la calle de los hits perfectos, escorado al glam de tiempos pasados para en "Such a time" encogernos el corazón con una balada de esas que te provocan un volcán de besos. 

Y "Strawberries" acaba como comienza, a lo grande, con esa burrada llamada "Diamonds", con saxo virulento, tranquilidad comedida, distorsión con paraguas..... Enorme disfrute "Strawberries",  trabajos como este te sirven de aspirina para tus malos despertares, banda sonora para las sonrisas. 

DINOSAUR JR. "Dinosaur" (1985)

Aquí empezó todo. Bajo el sello Homestead Records, antes de la avalancha indie que vendría años después. aquí ya nos encontramos a J.Mascis, con sus guitarrazos marca da la casa ("Bulbs of passion"). Se nota que estamos en un estadio primitivo de lo que sería luego el grupo, pero si escuchas la melódica "Forget the swan" ya te dejan huellas bien claras. 

Por aquí ya estaban Lou Barlow y Murph, y cuando te pones la amateur "Cats in a bowl", no puedes más que pensar en una versión juvenil de Husker Du. Aparece la melodía como rayo fulgurante en "The leper" y "Does it float", para sumergirse en aguas pantanosas después con "Pointless". 

"Repulsion", que aparecería en su siguiente disco, sigue siendo un disparo certero. Como esos dos minutos inflamados de hits emocional que contiene "Gargoyle". Vaya punto ese medio tiempo sin perdida de tiempo que es "Severed lips".

Se acercan a una especia de grunge en "Mountain man" (la más floja), para volver a sus influencias de Neil Young en "Quest". Para terminar, una toma en directo de "Does if float". Eterna vida a una banda que tantos buenos momentos nos hizo pasar.  

DIRTY ON PURPOSE. "Hallelujah sirens" (2006)

 

Sólo sacaron este disco esta formidable banda de New York. Recuperada de los anaqueles del pasado, del archivo musical que cada poco me da señales de una vida musical  lejana, donde bandas y más bandas pululaban entre inspiraciones y guitarrazos. 

El encanto que tiene Dirty on Purpose es esa mixtura tan bellamente ejecutada que recala en el shoegazing más ensoñador ("No radio"), junto con suspiros de un indie rock con reflejos de unos Sonic Youth amables ("Your summes dress"). 

La verdad es que tiene de todo este "Hallelujah sirens".  Pianos que te mecen en baladas que estremecen tu sentir ("Lake effect"),  hits inmediatos que con una sonrisa nos recuerdan a Yo la tengo ("Light pollution"),  o píldoras sónicas que te hacen divertir sonajeros ("Car no driver"). 

Me gusta esto de revolotear en el ingente archivo que tengo y descubrir esas joyas que en su momento pasaron desapercibidas dado el frenesí de las propuestas que coexistían. Pones el play y oyes cosas como "Always looking" y dices, joder, lo que nos queda aun por desenterrar. 

"Marfa lights" es un torrente de distorsión que no cesa y "Monument" es el reflejo de todas las influencias que pululaban alrededor de esta banda superlativa. 

CRANES. "Loved" (1994)

 

Siempre tendré asociado a Cranes a ese pedazo de concierto que vi en los 90, con The Cure, con Cranes ejerciendo de dignos teloneros de Robert Smith y sus chicos oscuros. Los descubrí y poco a poco me hice con toda su discografía, donde destaca sobre todo este "Loved", tercer disco del grupo,  que empieza con la especial "Shining Road"  donde nos encontramos la voz infantil de Alison Shaw, señuelo para desear más. 

Nos encontramos la parte más aguerrida de la banda en temazos del calibre de "Pale blue sky",  shoegazing a gritos sin paracaídas posible que te pueda salvar. Y es que la banda inglesa comandada por los hermanos Shaw, supieron navegar dignamente por el dream pop más encantador ("Rêverie"), junto a mares abruptos de distorsiones colosales ("Lilies"). 

La dulzura de Alison se hace más evidente cuando te pones "Are you gone?" con su sencilla calidez, o cuando casi roza lo industrial en esa vesanía colosal que titula el disco. Por cosas como "Beautiful friend" fue el motivo por el que nos encandilaron Cranes. 

"Bewildered" es otras de las joyas del disco, decadente, repleta de suspiros, estirando el concepto de la música gótica hasta la estridencia desbocada. "Paris and Rome" es otro hit en toda regla, y el ocaso que llega con "In the night" no puede ser mejor, para que la nostalgia nos inunde con un pavor desmedido y total. Todo un gusto volver a Cranes. Que buenos recuerdos. 

NADA. "Nitrito" (2025)

 

Esto es una maravilla. Bajo Nada nos encontramos a la cantante italiana Nada Malanima (ganadora varias veces del Festival de canción de San Remo), que a sus 73 años de edad,  tras una discografía larga e interesante, eligió por otra vez a John Parish (su anterior disco, "La paura va via da sé se i pensieri brillano" también estuvo bajo su mando y es tremendo) para que nos quedemos sin aliento. 

¿Qué puede ofrecer John Parish a la producción de un disco? Basta con pararnos en la primera canción de "Nitrito", la mejor, "Bella piu' bella", catarsis de distorsión, con la desgarradora voz de Nada, con una guitarra traviesa haciendo estragos.....

"Ghiaccio" sigue la voluntad de buscarte emocionarte a cada escucha de Nada, con un inconformismo radical, con su melodía entre un sugestivo festival instrumental de rock en constante movimiento de sugestión. 

Temas donde el feminismo esta muy latente, donde la manera que tiene Parish de dar formar a la creación de esta artista te sobrecoge y te lleva a caminos de una intensidad brutal ("Sempre migliori"), amor  por la vida, personificada en los pájaros, el viento, las flores, en "Un giorno de regalare", que te encoge los sentidos,  o goces roqueros como "Uovo".

La verdad es que todo "Nitrito" rezuma caricias para llevártelas a tu confort anímico ("Primitiva"), para terminar con ese apoteosis final de "Una notte cha arriva" y "Che giornata". Solo tengo una palabra ante la escucha de "Nitrito": Imponente. 

ALAN SPARHAWK. "With Trampled with Turtles" (2025)

 

Hacia falta un disco como este para poner de nuevo a Low en nuestros corazones. Tras la perdida de Mimi Parker, Alan, rendido ante la evidencia del adios, le ha costado unos años volver a recuperar todo lo que significó Low. Su anterior disco, "White roses, with god", la verdad es que no me gusto mucho. Pero esto es otra cosa. 

Acompañado por Trampled with Turtles, aquí hay melancolía fina como "Heaven" y ese pedazo de tristeza envasada el vacío llamada "Too high". Alan ha querido rendir un sentido homenaje a Mimi, y han nacido canciones como puñales de melancolía, como "Not broken", donde aparece Hollis Sparhawk, la hija de Alan y Mimi. Vaya delicadeza, vaya emoción. 

Mi favorita sin embargo es "Screaming song" donde parece que el violín este llorando desconsolado, en un mar de tormentas repletas de rayos que se parten la cara entre sí por tanta pena. "Get still" es marca de la casa de Low, podría haber estado en cualquier de sus trabajos y "Princess road surgery" es otro abanico de ritmos que te gritan al oído, de suspiros de amor. 

"Don't take your light" y "Torn & in ashes", son el punto final de un disfrutable disco, precioso en sus formas, sentido y repleto de ecos de la que se fue, y que dejó un montón de lugares comunes para jamás perdernos. Bello. 

CORCOBADO. "Fotografiando al corazón" (2003)

 

Reconozco que he tenido mis tiras y aflojas con Corcobado. En los 90 con sus chatarreros caí rendido ante la expresión más cercana que se hizo por aquí del universo del primero Cave. Por no olvidar su pasado con Demonio tus Ojos y Mar otra vez,  Javier Corcobado siempre pasará a la historia como el representante de aquí de la No Wave más activo y peligroso. Tanto en lo musical, como con sus letras, por su actitud ante la vida. 

Luego llegaron sus discos de boleros, sus incursiones en la música de baile.... Vamos que donde antes había apego luego se convirtió en una manía militante. Que le vamos hacer. Uno es como es. Ha sido en la escucha de este "Fotografiando al corazón" cuando he recuperado a este autor provocador ("Ciudad erótica"), crooner que te lleva de la mano a mil infiernos ("Secuestraré el amor"), y canciones de esas de toda la vida, de las que nos enganchamos cuando formábamos parte de sus seguidores. 

La que titula el disco es abrasiva, retadora, y "Vivir en tus ojos" escorada más a un funk que te disloca, y que da paso a uno de los mejores temas de su carrera "Temblando", delicada, suave, tierna, devastadora.  Si, me parece que todas esas fobias se disuelven cuando te topas con "Desnuda en el Pacífico".

"Todo se rompe" es la más radical, y en "Yo no quiero saber más" y "Amor anórexico" nos encontramos al Corcobado de toda la vida, con sus diatribas y sus volcanes internos, y esos gritos que parecen salir del apocalipsis de un espasmo. 

Para terminar, "Poupée de cire, poupée de son", versión de France Gall, perfecto final para un reencuentro personal con un artista que al fin y al cabo, forma parte de esos actores de nuestro underground más incomodo.