TOTORRO. "Sofa so good" (2025)

 

Último día del año. Se va 2025. Otro año más, otro año menos, otros 365 días que han pasado como una locomotora, con sus cosas buenas y males, con sus tormentas y sus días de sol. Y para despedir 2025, el que para mi es el mejor disco del año. Si, ha venido casi en la clausura del torneo, quitándole la antorcha de vencedor a otro compatriota, Michel Cloup. 

Y es que el disco de la banda de Rennes es una fogata en medio del campo repleta de electricidad, ternura, guitarras que se posan en un mathrock lírico, con una prístina melodía, con un aire de felicidad completa ("Matthews bridge").  Por eso este disco viene bien que se aúpe con el premio. Nos da esperanzas en una año que malo no ha sido en cuanto a novedades discográficas. Lo dice uno que ha estado bien pendiente de cada aullido celestial para acompañar nuestros días. 

Ya me fije en ellos en sus anteriores y buenos trabajos, pero lo de este "Sofa so good" roza lo inconmensurable. "New music",  uno de los temas del año, lo dice todo. Tiene delicadeza, tiene rayos de luz que se enfrentan a la noche, tiene un poderío que roza la catarsis. 

"Destiny's chives" es otro boomerang guitarras que juegan en la bruma, que se encabritan mientras pasan los minutos y tu colapsas ante tanta belleza, ante tanto despilfarro de arte. La verdad es que es de esos lps que levantan un mal día, que se enrollan en tu cabeza, que te hacen andar sobre una pira de susurros de alivio ("Sensation IRL"). 

"Bernard guez" y "Bonnet free jazz" es la parte más arty de una colección de gemas bien trabajadas, pulidas con antojo, rabiando como un lucero espectacular. Para terminar, "Smile pasta", la mejor manera de sacudirnos los síntomas del tiempo. Totorro, una garantía, lo mejor del año. Vamos a por el 2026. 

MICHEL CLOUP TRIO. "Catharsis en pièces détachées" (2025)

 

Cada paso que da Michel Cloup es un avance más en un carrera loca, atribulada, para sumergirnos en un bello caos sonoro, donde los estilos se disputan su lugar, donde la rabia es el eje donde predomina todo el universo de Cloup y sus colegas. 

Acompañado por Julien Rufié y Manon Labri, desde que suena la desasosegante y brutal, "La honte", sabes que estas ante uno de los mejores creadores que ha dado la música independiente gala. Y claro está, no faltan esas melodías que son himnos instantáneos como "Catharsis" o "2027".

Pero claro, lo de Michel siempre fue la incorrección, y por eso nos regala cosas como "David, Goliat et Godzilla", entre lo industrial y el hip hop. Hip hop que abraza sin freno, en la siguiente, "H&M (hachoirs et matchettes)". 

"Le poison/le antidote" es una burrada minimal, y en "R.I.P", vuelven a sonar las bases en medio de un estruendo maravilloso. "Le début d'une autre fin" es revoltosa y repleta de reivindicación, para darnos un respiro con "Place du Ravelin", ante el final que se avecina. 

Los 21 minutos de "Pour qui? Pourquoi" y los 14 de "SISRAHTAC" certifican que estamos ante uno de los discos del año. Algo majestuoso, algo bestial. Como siempre Michel, un verso libre, un puño al aire, un verso sin domesticar. Lo suyo no va de farol. Lo suyo va muy en serio. 

SHANNON WRIGHT. "Reservoir of love" (2025)

 

Después de cinco años de silencio, tras su disco "Providence", únicamente interpretado con piano, tenemos la fortuna de que la norteamericana Shannon Wright, haya decidido coger la guitarra para llenarnos de buenos confetis de electricidad como vemos en la que titula el lp. 

"The Hits" nos recuerda a las maneras más apacibles de la carrera de esta autora que tanto nos trae a la memoria a PJ Harvey, y "Weight of the sun" es otro mazacote de sinceridad ruidosa en medio de un bálsamo de silencio siempre prudente. 

"Countless days" tira de un buen abanico de cuerdas para componer un buen decorado de suculentos vientos sinuosos. Como "Ballad of a heist" que comienza tranquila y al poco re recuerda a aquellas grabaciones que en su día hizo Shannon con Steve Albini. 

"Mountains" es sobrecogedora, loa campestre, torbellino de guitarras, y el final con "Something borrowed" nos recuerda su pasado más calmado. Un disco leve y conciso, sin aspavientos. Disfrutable.

HONEY FOR PETZI. "Teleski" (2000)

 

Honey for Petzi eran suizos, tuvieron su momento álgido cuando Steve Albini se fijó en ellos, y su música la verdad es que es todo un primor. Con este inicio empiezo este artículo de un grupo extraño, que jugaba sus bazas en las ligas de un post rock cercano al indie como vemos en sobre todo en "Rebecca" y "Herr Kenobi", y que compusieron una buena cantidad de discos con sobrada calidad. 

Este "Teleski" tiene unas cuantas canciones de esas que te pueden valer para hacer una buena selección de lo que has oído en este año ya casi difunto (yo lo haré). Y sino ponte la dramática "Harmonium" donde casi rozan el emocore pero siempre conservando su ser. 

Tienen para todos los gustos, para todos los paladares. Se ponen a veces tristes y les sale una maravilla como "Oldy", para en "Bebe bromure" parecer casi un grupo grunge. Pero es en temas como "Tom & Jerry" donde se les nota más a gusto, donde la melodía es un todo, donde campan a sus anchas entre viajes de góndolas silenciosas. 

"Anjolivane" (vaya títulos) es la más post rock del disco, para terminar con los casi 20 minutos de "Shame++". Raros y sin posibilidades de ponerles una etiqueta, la verdad es que un lujo encontrarte así por casualidad con bandas de esta alcurnia. 

DEPRESIÓN SONORA. "Los perros no entienden internet (...y yo no entiendo de sentimientos)" (2025)

 

Marcos Crespo, el culpable de este interesante proyecto llamado Depresión Sonora, estudió en la misma Escuela Universitaria de ingenieros en telecomunicaciones donde trabajo. Las veces (cuando aún no era conocido ni estaba en mente su aventura por los portales fríos del post punk, que nos habremos cruzado o coincidido en los múltiples lugares comunes de la vida universitaria). 

Vale esta introducción para confirmar en este su segundo disco, que lo de Marcos va en serio. Esta bien sobre todo que sea bandera de enganche para tanto joven que se ve representado en sus letras de juventud siempre dolida, de eterna búsqueda, de traspiés de la edad, de esos arañazos que marcan y que no se quitan con nada. 

Las canciones son una continuación de su primeros pasos, evolucionado, con singles tarareables como "La balada de los perros" , o esa bella ejecución de synthpop llamada "Sin volverme loco". Lo que hace Marcos es elogiable: dar rienda suelta a sus pensamientos, cantando, recitando, casi parece a su manera un chiste de Sr.Chinarro en "La ley del pobre",  y se nota que los 80 los tiene grabado en su ser cuando oímos cosas como "Guárdame ese secreto" más pop que nunca. 

Para que los chavales no paren de bailar en la pista, "Domingo químico", y tampoco le sienta mal ese experimento llamado "Éxodo 32:15-28".  Mi favorita, "Cómo será vivir en el campo", un canto a la huida, lejos del cemento, de los humos, de los autos vociferantes, alojarse en un prado, mirar las estrellas mientras te miro sentimientos. 

"Desordenarlo todo" es cálida y chispeante, y "Me va la vida en esto" es puro post punk de juguete repleto de ansiedad y de caricias. Otro de los hits que se te queda de inmediato es "Vacaciones para siempre", aguerrida, vigorosa, candente, como para regalar abrazos. 

Termina el disco con "Qué pena que nos vayamos a olvidar",  sin artificios, extraña, ni dos minutos para decirnos adiós y para definir de nuevo un presente lleno de rebosante futuro. 

GIARDINI DI MIRÒ. "Dividing opinions" (2007)

 Casi 20 años duró la carrera de este grupo italiano que transito esa carretera que va del indie rock al post rock menos coñazo. La verdad, es que junto a Uzeda, es una de las propuestas más interesantes que han venido del país transalpino.

En este, el que fuera su tercer disco, empiezan marcando su identidad con la que titula el disco, indie rock con texturas amables que da paso a "Cold perfection" con la colaboración de la banda de música electrónica Apparat. 

"Embers" es íntima, reflejando el estado de ánimo de una banda que la verdad nada nuevo descubre, pero lo que hace, lo hace bien. Hay hasta en temas como "July's stripes" que nos recuerda los momentos más calmados previos a la explosión de Mogwai. En "Spectral woman" bajan el ímpetu de la distorsión para girarse de nuevo a la electrónica suave con solvencia. 

Pero lo que predomina en todo "Dividing opinions" es un post rock con corazón indie ("Broken boy"), que fabrica emociones en cascada ("Clairvoyance"). Para terminar este viaje tranquilo, "Petit treason", una luz más en este pasadizo de suaves reflejos. 

MARUJA. "Pain to power" (2025)

 

Para que un disco sea disco del año tiene que pegarnos fuerte, noquearnos, dejarnos sin respiración mientras asistimos al baile, a la danza de la música que nos ofrece un paréntesis de paz entre tanta vorágine, tanta guerra del día a día. Maruja, "Pain to power", se merece la etiqueta, la opción, el premio. 

Los de Manchester han superado las expectativas de lo que ya escuchamos en los adelantos a manera de singles y epés que nos hizo fijarnos en ellos. Y es que la fuerza que tienen, el poderío brutal que poseen sus canciones, como esa inicial "Bloodsport" donde te hacen recordar a Rage Against the Machine, es una apisonadora, que sobre todo con el sonido del saxo, les hace tener una voz propia, un lenguaje que en "Look down on us" y sus nueve minutos se convierten en algo más, cuando justo a la mitad del tema, todo se calma, se atemperan los ánimos,  convirtiendo el volcán de su sonido en un épica y desbordante catarsis que te deja sin aliento. 

Harry Wilkinson, su cantante sigue siendo un portento. Pasa de la rabia casi punk a en "Saoirse" adentrarse en una especie de jazz diletante. En "Born to die" nos encandilan con otro bombazo atmosférico, más cerca del jazz que de otro estilo, dibujando drama, denunciando las tropelías que rodean esta época siniestra que vivimos. Hay veces que escuchando este disco y aunque estilísticamente no tiene nada que ver, me viene a la cabeza lo que supuso el "Grace" de Jeff Buckley.  En definitiva, algo rompedor. 

"Break the tension"  y "Trenches", son  rap combativo, con pinceladas de no wave, y con una furia eléctrica que hacia tiempo que no se veía en el panorama musical actual. "Zaytoun" y "Reconcile", son el fin de esta fiesta para los sentidos que es el disco de Maruja. Un trabajo, que si, que está en todo lo alto por merecimientos propios. 

FOR STARS. "...it falls apart" (2004)

 

Vuelven a Discos Pensados los californianos For Stars,  con el que fuera su cuarto disco, todo un bálsamo de sonidos que irradian una fuerza y una frescura necesaria en estos tiempos de tanta medianía, de tanto impostor vestido de innovador. Lo de For Stars es delicadeza al por mayor, como vemos en la magnifica "Calm down baby", o en la explosiva "I should have told you". 

En este discos nos encontramos de todo un poco. Puzzles que rozan el post rock, indietrónica con dramatismo envolvente ("It doesn't really matter"), o piezas que empiezan con piano para al poco enredarse en una cantinela de mil ruidos ("In the end"). 

"Shattered glass" es de nota alta, por su tristeza que te pone la piel de gallina, como "Reminds you", evocación perfecta para conquistar suspiros repletos de querencias de otros tiempos. La que titula el lp es una perfecta sincronización de todo lo mejor que For Stars hizo en su carrera: épica a mansalva y un buen puzzle de sueños por cumplir. 

Ya casi al final, la balada "Lend out your love", otro estallido soberbio y mayúsculo de sonidos para apaciguar males presentes y venideros. Art pop sin florituras sobrantes. 

HEAVENLY. "Le jardin de Heavenly" (1992)

 Siempre me encantó Heavenly, con ese indie pop de ensueño, que desde que empieza a sonar te embriaga y te da buen rollo. Así eran Heavenly, y así suena, el que fuera su segundo trabajo, en el sello Sarah Records, hogar de eso que se llamo tweepop.

Aquí nos encontramos desenfado ("Starshy"), y canciones que también tienen un buen sonido de guitarras para casar con ese pop de andar por casa ("Tool"). Te aprendes de memoria sus cálidas melodías que te entran en el corazón de tus añorados años vencidos ("Orange corduoy express"), o pequeños caramelos envenenados como "Different day". 

Hasta tenemos la fortuna de escuchar por aquí al capo de Beat Happening, Calvin Johnson, en la resultona "C is the Heavenly option". Y cuando suben el volumen de las guitarras es cuando más me gustan, como la golosa y acertada "Sort of mine"; puro indie rock. 

Pero lo de Heavenly siempre fue la dulzura pop sin artificios, ("Our love is Heavenly"), con estribillos perfectos para vencer un días de mala nostalgia ("Wrap my arms around him"). Heavenly fue un grupo de canciones, de buenas canciones, delicado y con apego a la melodía. No hay que olvidarse de ellos. 

HALF STRING. "A fascination with eights" (1996)

 

Shoegazing de Arizona. Un gran secreto guardado, una  banda que paso de puntillas en los 90, pero dejó discos como este "A fascination with heights", que harás las delicias a los que disfrutamos del shoegazing y de todo lo que significa ahora y ayer. 

"Shell life" es la primera llama de este incendio de canciones que te seducen, de un grupo que siempre estuvo en segundo plano pero que supo a su manera hacerse un hueco. A veces sonando a Ride, como "Backstroke", otras acicalándose entre sombras y ternuras ("Hurrah?"). 

Distorsiones siempre comedidas, aspavientos de guitarras en progresión minimal hacia tu cándido corazón ("Departures"),  el tema que titula el álbum resume a la perfección la enjundia e importancia a su manera de una banda que tenía bien aprendido todos los rigores y cánones del estilo. 

"Momentum" es dúlce y cálida. Como ese otro portento musical llamado "Lolligag" plagado de un pop dulce envenenado. "The apathy parade" tira de psicodelia, para en "Numbers and fingers" desarrollar todo su encanto entre volutas de viento enternecedor. 

Half String. Unos olvidados que sacamos del baúl, una entrañable banda que la verdad te provoca una gran sonrisa por su capacidad para emocionarnos a las primeras de cambio. 

CATE LE BON. "Michelangelo dying" (2025)

 

La verdad es que escuchando el inicio del disco ("Jerome") de la galesa Cate le Bon, parece que estuviésemos con una aparición angelical de mis añorados Cocteau Twins. Posiblemente sea el trabajo que más se acerca al grupo de Elizabeth Fraser que se ha hecho jamás.  Las mismas composturas vocales, el mismo desenfreno de ensueño. 

"Love unrehearsed" une a todo ello, un deje minimal a lo The Durutti Column que ensalza todo un decorado musical barroco, leve, de colores múltiples. "Mothers of riches" se construye a base salmos de luz interior y "Is it worth it (happy birthday)", melosa, con el saxo viajando entre ternura, con Cate le Bon suspirando anzuelos con su voz nigromante. 

"Pieces on my heart" es una joya para navegar en canales de apaciguamiento, una sinfonía de luces intermitentes que da voz a "About time", otro joya más de un disfrutable colección de canciones que no tiene bajones, que se escucha como desde un anfiteatro donde se goza de la sensualidad de Cate, del carisma de sus palabras, y de esas instrumentación tan del sello 4ad.

"Ride" con su paisano John Cale pone otra vela en la tarta de un discazo altamente disfrutable que termina con "I knows whats nice", por todo lo alto, como al comienzo. El mejor disco de Cate Le Bon no hay que perdérselo. 

THE FRIDGE. "The Sun" (2007)

 

"The Sun", quizás es de los discos más logrados de esta banda inglesa comandada por Kieran Hebden, donde el concepto tan denostado a día de hoy de post rock, aún tiene algo de sentido, como comprobamos en las diez canciones de este trabajo, que empieza con un interesante galimatías experimental con el tema que da titulo al lp y su continuación con "Clocks". 

Cercanos en ideario musical a Tortoise, con Fridge es imposible aburrirse dada su capacidad de elaborar una arquitectura musical que fabrica suspiros de tensión siempre controlada, con algún deje de radiación melódica. "Our place in this" es bálsamo desbordante tranquilo y repleto de suspiros y en "Eyelids", la más traviesa del lote, confeccionan un juego de distorsiones radiantes y angulosas. 

"Oram" es dulce y especialmente agradable, con su coordenadas de sinuosos y laberínticos espacios sonoras para encumbrar burbujas ácidas, para facilitar los viajes espaciales de sueños sin paracaídas. "Comets" se nutre su la electrónica para tensar nubes en cielos plagados de sugerentes caricias. 

"Lost time" y "Years and years and years" forman la parte final de un trabajo que seduce y te hace traer del pasado músicas de un genero, el post rock que en mi humilde opinión a penas tiene nada que decir.

 

GEESE. "Getting killed" (2025)

 

Podían haberse quedado Geese en esa zona de confort de bandas que tienen un sonido uniforme (en este caso dentro del post punk), construyendo discos a base de tics parecidos. Sus dos anteriores trabajos, "3d country" y "Projector", venían a confirmar que estábamos ante una banda interesante pero sin salirse del tiesto. 

Pero llego "Getting killed", uno de los discos de este 2025 que se acaba, para sacudirnos con su sonidos desparramados ("Trinidad"), repletos de lugares donde no casa el conformismo, donde se visten un poco de Ween y otro poco de Beck para construir un disco de esos que irradian una dosis de alegría brutal. 

Los norteamericanos te seducen desde el inicio, en este su tercer disco. Qué decir de esa maravilla melódica que es "Cobra", que parece nacida en otro tiempo y otro lugar, llena de cariño y ternura. Como "Husband", cálida, deslumbrante, resonando a los años 70 como himno esperanzador. 

La que titula el álbum es un festival, una fiesta continua. Como "Islands of men" con ese deje medio funk que les queda de maravilla. Vaya disfrute y vaya cambio de registro el que ha tenido Geese. "100 horses" es otro abanico de sonidos repleto de aspavientos y en "Half real", mi favorita, transitan por sitios prendidos de un paz brutal. 

Letanía suave que suena a chanson, "Au pays du cocaine", para en "Taxes" volcarse con una rabiosa épica íntima. "Getting killed", de lo mejor del año. Bravo por ellos. 

GALLON DRUNK. "Fire of music" (2002)

 

Pedazo shock que me produjo en los 90 la adquisición del disco de Gallon Drunk, "From the heart of town", una auténtica batidora de ruidos, de saxos furiosos, de sonidos de esos de otra época, vorágine, distorsión y cañonazos repletos de frenesí. Los de Londres, eran como una especie de The Birthday Party actualizados, hijos de los 90, con igual de furia que de vientos. 

"Fire of music", su quinto disco, uno de los mejores, nos ofrecen una visión pausada pero no menos eficaz del veneno que también nos hizo. "Outside of love" y "Out of sight", son los primeros signos de que no sonando tan fieros como al principio, pueden triunfar en tus desolados abismos celestiales. 

El disco es una andanada de soul enfebrecido ("Things will change"), repleto de momentos celestiales que te harán gozar, bailar, disfrutar, con estos desacomplejados ritmos de otra época ("In this moment"), donde también hay recreaciones que se acercan al universo de Barry Adamson como "Everything is alright".

Todo "Fire music", resumen el ideario de un grupo que en pleno 90 siempre funcionó como una entidad autónoma, fuera de los clichés de la época. Es maravilloso escuchar esa larga letanía llamada "Forget all that you know", o la decadencia de "Just one word". 

El disco acaba con la mejor de toda: "Series of dream" la que mas se acerca al universo de Cave. Puro disfrute. Larga vida a Gallon Drunk. Jamás nos olvidaremos de ellos. 

BAR ITALIA. "Some like it hot" (2025)

 Nada nuevo bajo el sol con el reciente trabajo de Bar Italia que ante no hallamos disfrutado en sus anteriores discos. ¿Es eso malo? Si algo funciona, y se consiguen buenas canciones hay que ser seguir por esa senda. Con la brillantez como abren este "Some like it hot", con "Fundraiser", single automático. 

Nina Cristante y su colegas nos siguen llamando a fiestas del club como vemos en "Marble arch", melosos, como si los Sonic Youth se hubieran vuelto indie pop, o "Bad reputation" y ese aire canalla y decadente que lo envuelve todo y te hace sonreír. 

De momento la fórmula va bien. Hasta cuando miran a los 90 en "Cowbella" donde ahora si recurren a la distorsión para ser una especie de Gargabe traviesos. Son divertidos, amenos, desarrapados, conscientes de que viven a lomos de calles repletas de suspiros y algún susto ("I make my own dus"). 

"Plastered" es sensual y en "Rooster" con ese inicio de guitarra desenfocada, parecen seguir los pasos de PJ Harvey. Luego en "The lady vanishes" parece que estuviéramos con una sombra de Portishead. Y es que así son Bar Italia. Un grupo con muchas referencias, una amalgama de sonidos que entran a la primera, un grupo que sigue regalándonos buenas canciones. Que no paren en su empeño.

 

 

GUIDED BY VOICES. "La La Land" (2023)

 

Disco número 37 en la inagotable discografía de Guided by Voices, y tercer disco que sale criticado en el blog en este año que marcha hacia su fin. Y es que lo de Pollard sigue siendo algo para un estudio sesudo. Ya sus discos no son como antaño, poblados la mayoría de ellos de casi 20 canciones por álbum. Ahora son más concretos pero igual nos arañan el corazón. 

Melodías solventes como "Released into dementia", o la inicial "Another day to heal", ponen las piedras de un trabajo que como el resto de sus discos son un torrente de canciones para disfrutar ("Ballroom etiquette"). 

MientraS Guided by Voices siga entre nosotros viviremos felices por atestiguar que el mundo independiente a parte de impostadas bandas, también nos ha regalado artistas como Pollard con el toque mágico de construir canciones de esas que calan ("Instinct dwelling"). 

La sabiduría del que lleva tanto tiempo haciendo canciones, se refleja en temas como la cálida y triste a la vez "Queen of spaces". "Cousin Jackie" suena a power pop de otra época, y "Wild Kingdom" contiene todo ese dulce veneno que atesora el arsenal de Guided by Voices. 

GROUPER. "A I A: dream loss" (2011)

 

Liz Harris es Grouper. Grouper es Liz Harris.  Discos (doce vieron la luz) donde el slowcore juega a las cartas con el dreampop, con el ambient más amable, donde es fácil perderse en sitios donde la tristeza es lo que prima como vemos en el inicio de este disco con "Dragging the streets (first heart tone)" evocando el universo de Low. 

"A I A: dream loss", el que fuera su sexto disco (en el mismo año sacaría su continuación con "A I A: Alien observer", temática como se ve mirando más allá de los confines) es relajado, ambiental ("I saw a ray"), como la portada que parece reflejar algo inconcreto, pero que llama rápido la atención. 

"Soul eraser" es una sonda mandada al espacio, derramando su energía inútil en un viaje sin retorno que acabará en el olvido, ambient y ciencia ficción. "Atone" es quizás favorita de un disco ideal para sobremesas en busca de sueños foráneos, para litigar en silencio con tus deseos para quedarte largamente parado. 

"Wind return" es otra pincelada de suavidad matizada en una fiebre de tormentas y aires fresco para paliar tu ansia de dicha. En resumidas cuentas, música para soñar. 

THE GET UP KIDS. "Four minute mile" (1997)

 

El mejor disco de The Get Up Kids. El primero. Producido por Bob Weston (Shellac), es el trabajo mas aguerrido de un grupo que poco a poco fue perdiendo fuelle. No es el caso de este "Four minute mile", repleto de suculentos arrebatos de emocore enfebrecido como "Coming clean", la canción que lo abre. 

Aquí la melodía es todo un referente, pero juega con todo ese entramado de distorsión que en "Don't hate me" consiguen efectividad desde la primera escucha. Como "Fall semester" donde el término de emocore tiene más sentido que nunca con su rabia repleta de flores mustias y desgastadas. 

"Lowercase west", es otra travesía de una calma que necesita sentirse a gusto en medio de la amenaza de una tromba eléctrica que es más evidente cuando te topas con "Washington square park" y su aguerrida soflama de tormentas siempre perfectas. 

Sin duda, la mano de Bob Weston se nota. "Four minute mile" suena como un martillazo adherido a pulsiones de rabia, tejiendo golpes mientras vienen de repente negros nubarrones ("Last place you look"). 

Ya casi al final "No love" y "Shorty" terminan como un epílogo de un inicio soberbio, que desgraciadamente se fue difuminando con el paso del tiempo. 

THE MURDER CAPITAL "Blindness" (2025)

El tercer disco de los irlandeses The Murder Capital, sigue la senda de sus dos anteriores trabajos, sin  mucho cambio de guion, pero con la misma garra que sus dos primeros discos, como nos muestran en la eléctrica "Moonshot". 

En directo los vi, y la verdad es que aunque el cantante es bastante cargante, suenan bastantes solventes. Para este "Blindness" se han traído al productor habitual de Mogwai y Explosions in the Sky, para reforzar un sonido que sabe tirar de hits casi de britpop ("Words lost meaning"),  y seguir en la senda de su post punk ("Can't prend to now"). 

Tiran de ironía en tracks como "A distant life", y construyen andanadas de calma que poco a poco se incendian y rabian ("Born into the fight" y "Love of country"). Mientras The Murder Capital sigan manteniendo esta intensidad, los seguiremos teniendo en cuenta, estaremos pendientes de sus percusiones de rabia, de su condimento de otra época ("The fall"). 

"Blindness" es un torrente, una catarata de explosiones siempre con matices, canciones que rápido consiguen atinar en su empeño de gustarte ("Death of a giant"). Con "Trailing a wing" acaba este viaje de post punk cargado de buenas ideas para que la fiesta no pare. Seguiremos confiando en ellos. 

FOR STARS. "We are all beautiful people" (2001)

 

Cuatro discos sacaron los californianos For Stars, comandados por Carlos Forster, cuatro pequeños artefactos dotados de una belleza sublime, donde se alternan canciones con altas dosis de emotividad tratada de diferentes formas. 

"We are all beautiful people" fue su tercer lago y empieza con un brío de esos que te hiela las venas con la soberbia y eléctrica "Wires", para caer en una calma te hace recordar los verdes pastos de Irlanda con "I got connected". 

Por aquí te encuentras señuelos de dream pop, folk con texturas íntimas, un montón de maneras de expresarse, a veces acercándose al lado más pop de Mercury Rev, como "How it goes", y otras con baladas de un intensidad brutal ("Back in France"). La épica de la melancolía te envalentona en canciones como "Beautifully..." con sus cadencias eléctricas, para volver a melodías sinuosas en "In open plains". 

Que gran banda fueron For Stars. Por aquí fue el sello Acuarela quien nos los regaló como una caída de hojas otoñal, donde también la alegría tenía su cobijo ("In open plains"). "People party" es luminosa en sus candencias tranquilas y "If i could", remata la jugada con su expansivo discurso demoledor.  

GIRLS AGAINST BOYS. "Freak*on*ica" (1998)

La verdad es que no entiendo la inquina y la manía que genero la salida de este disco a los seguidores de Girls Against Boys. Es lo de siempre. Grupos que llevan haciendo un sonido particular durante mucho tiempo, cuando osan cambiar algo su registro (sin olvidar su alma claro esta),  les dan palos por todos los sitios. 

Yo que los seguí desde sus inicios, que tengo todos sus trabajos, la verdad es que disfruto con la incursión en la música electrónica, de la banda de Scott McCloud ("Park avenue"). La voz de Scott es la misma, las guitarras también raspan, pero hombre, como atreverse a decir en las entrevistas dela época que a Scott le gustaba Depeche Mode. 

Siempre preferiré trabajos como "Cruise yourself" (1994), pero siguen teniendo el colmillo afilado como vemos en la visceral "Psycho-future" con la misma voz en las cavernas de Scott. Pero claro, un inicio dance como el que vemos en "Black hole", a los cenutrios de turno, no les venía bien. El caso es estar siempre encuadrado en la zona de confort. 

"One firecraker" tiene la pegada de antaño pero con el aditivo tecnológico que en "Exorcisto" les da un punto enigmático que les queda de maravilla. Y "Vogue thing" aunque suene a pastiche me parece divertida. Es la mejor forma de reinventarse sin perder de vistazo los orígenes, sin acabar postergado en la repetición. 

Ya casi al final, la mejor, "Exile",  cruda, exigente, con vista puestas a esos orígenes tan repletos de aristas y urgencias. Siempre grandes Girls Against Boys. 

LA DISPUTE. "No one was driving the car" (2025)

 Si el post hardcore aun tiene sentido es por energía que insuflan al género grupos como La Dispute, donde el cantante y letrista Jordan Dreyer procura mediante sus largos recitados, hacer que no solo de explosiones de guitarra viva un género que quizás viva últimamente una temporada algo decaído. 

"Autofiction detail" y "I shaved my head" son una muestra de como enfocan La Dispute el post hardcore,  como "Enviromental catastrophe film" delicada y repleta de dramas internos alejada de los avisperos eléctricos del genero. 

Hasta se tranquilizan y te dejan desarmado con la casi folk "Self portrait backwards", todo un lujo que se disfruta por la capacidad que tienen de dejarte descolocado. Donde esperabas explosiones contenidas de guitarras te encuentras spoken words con ansias de rebelión ("The field"). 

La mejor, (ojo al video), "Sibling fistfigh...." que recuerda un cruce imposible entre Placebo y Pavement. Brutal en todos los sentidos. "Landlord calls the sheriff in" se encuadra más en la ortodoxia, como "Steve". 

"Saturation diver", vuelve a lugares más tranquilos, y el final, con "End times sermon", sirve de epílogo a un disco pausado en sus formas, efectivo en sus manera, donde el post hardcore queda lejos por ejemplo de grupos que como Fugazi, dieron el pistoletazo al estilo.

GEESE. "Projector" (2021)

 

El grupo de Brooklyn con este su segundo trabajo se posicionó a las primeras de cambio dentro del vendaval de grupos que como Fountains Dc, Squid, Shame y otros, revitalizadores del post punk desde el arrojo de la bendita juventud ("Rain dance"). 

Y es que lo bueno que han tenido Geese desde su gestación como grupo es que han sabido transitar dentro del post punk pero sin hacer remilgos a mezclas, intenciones sónicas de otro tipo, como vemos en "Low era", donde filtrean con el funk y les sale a la perfección. 

Tienen el único bajón del disco en "Fantasies/Survival" que poco nos dice, pero la cosa rápidamente coge vuelo con ese pedazo de letanía sónica llamada "First world warrior". Aunque mis preferidas del álbum son las que escuecen por su distorsión de alambre, como "Disco", o el anguloso tema que titula el disco. 

En "Exploding house" se escoran a un mathrock de perfiles amables, para seguir la fiesta con "Bottle" y su ración de luces que se encienden y apagan. "Opportunity is knocking" mi favorita, un hit en toda regla para tenerlos en cuenta. Y es que este grupo está dando mucho que hablar. 

FLANGER. "Spirituals" (2005)

 

El dúo germano formado por Uwe Schmidt y Bernd Friedman se las apañaron a la perfección durante su existencia para regarnos de jazz con infusión a media mañana de té electrónico. En este "Spirituals", se embarcan en una recuperación de los sonidos de New Orleans de los año 20 ("Funeral march"), con andanadas de nostalgia para dar y tomar. 

Y la cosa funciona. Vivir en blanco y negro con susurros como "Crime in the pale moonlight", donde el swing es un abrazo de esos enormes que te deja llagas de sentir. Por aquí aparece el clarinetista Hayden Chrisholm para confeccionar juguetones saltos de una ayer muy lejano de bailes enfebrecidos ("How long is the wrong way?"). 

En "Down the river" nos encontramos ritmos suaves a lo Count Basie, y en "Music is our secret code", se envalentonan con una suave experimentación a los Django. "Tiny Tina" sigue el mismo guión, y "Peninsula" se abraza a los rumores de la música de clubs. 

En resumen, el disco más orientado al jazz clasíco de Flanger. Una buena dosis de catarsis contenida de añejos sabores de la época inicial del jazz reinterpretada con respeto y carisma. 

FUTURO TERROR. "Presente" (2023)

 

Con este disco de siete canciones se despidieron esta grandísima banda alicantina, que en sus cinco discos dieron suficientes muestras como para ser uno de los mejores grupos de post punk que ha habido por estos lares. 

Canciones que son como dagas venenosas, como "Leoncio Badia",  con su oscuridad militante, con sus escozores de himno, o "Mundo real" con ese punteo de guitarra que nace de Joy Division, principal influencia de una banda que nunca nos defraudó. 

"Joven guardia" vive de las sombras de Killing Joke, y "Los niños" es puro divertimento ochentero, más cerca de Parálisis Permente. Una delicia a los que seguimos el post punk, Futuro Terror. Sus maneras nos provocan brío y sedición. 

"Kurdistan" y "Redimió su condición" son otros artefactos de explosión inmediata que dejan desolado el pasaje, batalla de suspiros íntimos, noche eterna. Para terminar el disco y su disidencia discográfica, "La miseria", punto y final. Siempre nos quedará la oscuridad. 

THE FALL. "The real new fall" (2003)

 Este disco fue el que hizo el número 23 en la carrera de la banda de Mark E. Smith, y sus necesarios The Fall, uno de los grupos que más hizo para que el post punk fuese algo con intenciones modificables en su música, por su variedad y sus maneras de cruzar estilos ("Green eyed loco-man").

El disco vivió una segunda grabación del mismo porque Smith no quedó contento del primer intento. Así era él. Un outsider incorregible que nos regala cosas como la bizarra "Them from Sparta  F.C." utilizada en la BBC en un programa de fútbol. 

Pero claro, cuando The Fall se ponían, eran brutales con sus guitarras ardientes y corrosivas como nos muestran en "Contraflow". Vaya sonido. Y como no, sus parrafadas de siempre como vemos en "Last commands of Xyralothep via M.E.S.". 

"Open the boxoctosis=2" y  "Loop41 Houston" son experimentales y estrafalarias, como era Mark. Igual que "Mike's love xexagon", donde su voz está a pruebas de incendios y gripes malditas. Mi favorita, es un himno, de los mejores temas de The Fall de su carrera, "Proteinprotection", repleta de catarsis y electricidad sin medida. 

Como echamos de menos a Mark. E Smith. Y a todo lo que conllevaba su escucha. Un festival de sensaciones, de motivos para vibrar. 

WEDNESDAY. "Bleeds" (2025)

 

"Bleeds" es un buen disco de primeras que poco a poco va perdiendo fuelle. Esa es la sensación que tengo tras escucharlo bastantes veces. Lo de Karly Hartzman sigue siendo un valor seguro, en este su sexto disco donde por contra, asistimos a buenas raciones de  experiencia sónica como "Reality tv arguments bleeds" o "Townies" junto a flojas canciones de country que la verdad es que no dicen nada "(Elderberry wine" o "Psish pepsi"). 

"Candy breath" parece recuperar el pulso,  con su medio tiempo con fundamento, para caer otra vez en la apatía con la sosa "The way love goes". Luego viene uno de los puntos fuertes con la traviesa "Pick up that knife", que da paso al punk brutal de "Wasp" y su jolgorio infeccioso. 

La verdad es que si hubieran seguido la estela de este tema, la cosa se hubiera levantado de la sensación general de querer y no poder, de tener los suficientes elementos para como "Bitter everyday" agitar la coctelera lejos de parámetros más trillados. 

Escuchas "Bleeds" y se reparten las sensaciones de conducir a piñón fijo ("Caroline murder suicide" o "Gary's"), que hace que al final afirmes que mejor pasamos a otra cosa. 

BERMUD. "Oceans on the moon" (2025)

 

Desde Angers nos viene esta interesante banda, que a su manera nos viene a traer a la memoria a nuestros añorados Pavement ("Lullaby"), Dinosaur jr, y toda esa jauría de necesarios grupos que tanto bien nos hizo a nuestro crecimiento musical. 

Bermud consiguen sonar creíbles sin sonar reiterativos, porque también saben evocar otras cosas como nos muestran en "Miles", más cercano a un postpunk meditado. Pero a los chavales les gusta sacar su guitarra a pasear ("Striken god"), o pararse en medio del ruido para refrenarse sin contenerse ("Fallen moon"). 

"Oceans on the moon" tiene una buena cantidad de razones en forma de canciones para entretenerse con ellos ("Ignorance"), para sacar del armario nuestra juventud ya vencida y ponerte a saltar ("Anyway"). "Call out" es más reflexiva y "Wherever it's brightest" es otro espectáculo para todos los públicos que les sale bastante bien. 

Tendremos que esperar sus siguientes pasos musicales para confirmar que lo que encontramos en temas como "Ghost cry" evoluciona hacia algo más que una buena acumulación de sonidos que te hacen degustar viejos sabores. 

EDITORS. "The black room" (2005)

 Con este disco empezó su andadura esta banda de Londres que fue de menos a más, pasando por un interesante grupo de post punk con varios registros, a terminar siendo un chiste mirando  al mainstream.

Tanto en "Lights" como "Munich", al comienzo del disco,  vemos a un grupo que quiere decir cosas, que se mira en el espejo de los grupos de post punk de los 80, con oscuridad siempre comedida, con aires y fragancias envolvente para aplacar la apatía. 

"Blood" mantiene el tipo con su suculento entramado de danza lúgubre, y  en "All sparks"  vemos a las claras que aunque les queda lejos los ecos de Interpol, defienden bien la rúbrica de la noche eterna. El dramatismo de "Camera" me convence, y "Fingers in the factories" es otra anomalía de sustos interiores. 

Editors no pasarán a la historia, no se harán ricos en mi personal muestrario de grupos necesarios, pero los pongo de fondo y me hacen pasar buen rato, sin tampoco sobrepasarme en adjetivos de esos para ensalzar cumbres oscuras ("Bullets"). 

"Someone says" es la más redonda de un lp que a los que como yo sigue el post punk como género dador de grandes emociones,  provoca un dulce picor pero sin sobresaltos. 

FROG EYES. "Paul's tomb: a triumph" (2010)

 El grupo canadiense Frog Eyes, de la mano de Carey Mercer, lleva desde el año 2002 sacando discos, (su último trabajo "The open up" es de este mismo año), rellenando nuestro oídos de buen indie rock, con un dramatismo para nada impostado, y con este disco,  como quizás el mejor baluarte para seguirles la pista. 

Y es que comienzan desbocados con la brutal "A flower in a glove", con sus casi diez minutos de tensión y lirica extenuada, principio de un torrente de energía que muchos comparan con sus paisanos Destroyer, pero vamos, que los superan con creces por su actitud, y su pegada envolvente ("The sensitive girls"). 

Temas que corren y se expresan con una mayúscula electricidad que te hace saltar de bote en bote, ("Odetta's war"), junto con locuras que nos hacen pensar en los mejores tiempos de Pere Ubu ("Rebel horns"). 

Hasta nos regalan un emocionante viaje de casi punk en "Styled by Dr. Roberts" donde colapsan entre ritmos destartalados y pulsiones de distorsión de esas que se te quedan grabadas. Otra de las joyas es "Lear in love" una pasada repleta de suspiros eléctricos, ruidos, melodía perfecta, coros que son espejos, torrente de indie en un volcán. 

En "Violent Psalms" se vuelven más especulativos para terminar a lo grande con el tema que titula el disco. Frog Eyes, una enorme anomalía de indie rock.

FLYYING COLOURS. "Fantasy country" (2021)

 Podemos afirmar sin motivos para equivocarnos, que Flyying Colours es uno de los grandes grupos que nos ha dado la escena Shoegazing en los últimos años.  Ya vimos sus costuras, en el primer largo de los australianos, "Mindfullness", y este "Fantasy country", viene a confirmar que la verdad es que lo suyo no va de farol. 

"Goodtimes" es un perfecto  inicio de burbujas de feedback que da paso a la mejor canción del disco, "Big mess",  shoegazing de pop inmaculado, catarsis que no se refrena, un caramelo brutal. Aquí no hay relleno, aquí todo es una delicia fiesta de luces que se encienden y se apagan ("OK"), donde por debajo de la puerta de tus oídos aparecen las referencias a The Cure ("It's real"), o caricias de psicodelia que recuerdan a Ride, como "White Knuckles" o "This one". 

Lo bueno para la supervivencia y la fiabilidad de un género, en este caso el shoegazing, es construir sobre lo edificado con dosis de personalidad propia, para que lo que nazca sea una ventolera de aire expansivo ("Eyes open"). Y Flyying Colurs saben navegar de una manera soberbia con sus maneras tan particulares de sumergirnos en ebulliciones brillantes. 

"Boarding Pass" tira de psicodelia de esa trotona y minimal y pone el colofón a una disco de esos que te cautivan por  su propuesta, por su melancolía, por el hechizo de sus fundamentos sónicos. 

ELEVENTH DREAM DAY. "Zeroes and ones" (2006)

 

Este es mi disco favorito de Eleventh Dream Day. Y eso que la cosa es complicada en una discografía siempre con garantías, sin ningún paso en falso. Lo que hace especial a "Zeroes and ones" es esa concreción en el sonido de la banda. Dejado de lado sus arreones eléctricos de los que tanto disfrutamos, aquí se han tranquilizado, se han escorado más hacia la canción indie rock, con intensidad y redondez en sus composiciones ("Dissolution"). 

Rick Rizzo a la guitarra y la voz de Janet Beveridge dando siempre dulzura a temas como "Insincere inspiration", donde se encrespan pero siempre sin llegar a los incendios de antaño. Que emoción quedarte rendido con "For Martha" y esa delicadeza brutal, con los teclados como contrapunto, con una melodía de esas que te llega al instante. Hit, pedazo de hit. 

"Lately i've been thinking" recuerda a los mejores Bevis Frond, y es cuando llegamos a la canción 5 de "Zeroes and ones", cuando rozamos el climax con ese torrente de emocional que es "New Rules". Me desahogo con su escucha, me rompo con ese solo de Rizzo, con esa artesanía instrumental que te lleva a lugares de ensueño. La mejor canción de toda su discografía. 

"Lost in the city" repite la fórmula de éxito total para tu goce, con sus inclemencias guitarreras que dan paso en la tranquila y suave "Return of the long shadow" a una carrera de exabruptos líricos que te deja sin palabras. 

Los de Chicago suenan colosales también cuando se acercan a sonidos de los 70 en "From K to Z", para en "Pinwheels" sumergirnos en un volcán demoledor. De escucha obligada para todos los que crecimos musicalmente en los 90. 

ROCÍO MÁRQUEZ & PEDRO ROJAS OGÁYAR. "Himno vertical" (2025)

 

Quizás sea el disco más valiente editado este año por aquí. La fusión que hacen Rocío Márquez y Pedro Rojas. Experimentación y flamenco, guitarras que acunan la voz de Rocío como en "Dictado 1- obertura" , pura locura de dos artistas que han colisionado de una manera genial. 

"Apariencia, fandango", es una explosión de esas que te queda sin respiración, abrumadora, sometido el flamenco a la genialidad de Rocío tocada con la varita mágica de lo increíble. Como "Palabra", donde el chelo de Isadora O'Ryan te deja un regusto de suspiros que te hielan el corazón. Cuanta belleza, cuanto canto demoledor.

"Arde" a ritmo de seguiriya, es combustión espontánea de una electricidad a lomos de la voz de Rocío, susurrando síncopes que te acarician, que te arroban, pulcritud, genialidad, desbordado por todos los costados. "Sombra", soleá, minimal, escurridiza,  volcados todos tus sentidos en un diccionario de expresiones íntimas. Brutal. 

"Dictado 2" se abre las venas en otra parte del disco, como una ordalía de sugerencias, que da paso a "Ausencias", en clave de malagueña, rimbombante, activa, repleta de sueños, de emociones muy íntimas. 

Un disco como "Himno vertical", fabricado con una sensibilidad de esas capaz de llegarte muy adentro, que pondrás en tu discografía junto al "Omega" del gran Morente. Música para espantar las devastaciones del corazón, música para soñar despierto. 

SPRINTS. "All that is over" (2025)

 

El segundo disco de Sprint, tras el potente "Letter to self", es toda una píldora adictiva de octanaje por la vena, donde los irlandeses matizan su sonido, lo envuelven en una madurez para que no suenen como una banda más de garaje punk. La inquietud que se refleja en el inicio de "Abadon", da paso a "To the bone", más calmados de lo que nos tenían acostumbrados aunque luego se enervan con el paso de la canción. 

Pero llega "Descartes", furibunda y brutal, y sabes que las cosas siguen en su sitio. Karla Chubb sigue con su vozarrona condimento para la agitación. Como "Beg" y su vacilona y casi bailable para ponerte el cuerpo a tono para que todos los días sean fines de semana. 

"Something's gonna happer" es quizás mi preferida. dentro de un conjunto de canciones que representan que la furia de su primer disco, aquí también tienen otras formas de expresarse. "Pieces" es para un pogo de esos de imposible parada, y "Better" otro hits de eso para recordar. 

"Coming alive" suena post punk con arrebatos de destrozos internos, otra de esas gemas que esconde un soberbio trabajo repleto de savia y mucha fuerza. El final en plan western oscuro con "Desire" y ese final de catarsis brutal viene a confirmar el buen estado de forma de un grupo que no ha querido quedarse encasillado en un punto fijo sin retorno posible. 

THE FATIMA MANSIONS. "Valhalla avenue" (1992)

 ¿Algún día se hará justicia con The Fatima Mansion? La verdad es que es inconcebible que una banda con la personalidad y la originalidad de su propuesta, no sea recuperada de los pasajes del pasado. Los irlandeses, comandados por Cathal Coughlan, nos regalaron seis discos donde la originalidad casaba con la variedad de estilos, siempre superándose a ellos mismos. 

"Valhalla avenue" fue el lp número cuatro, y es toda una gozada meterse en sus 19 temas. Empezando con las dos primeras, "Evil man" y "Something bad",  que nos recuerda a la época más lírica y dramática de Killing Joke. Como la que da titulo a esta aventura colosal, pura lisonja para tus oídos. 

Experiencias que casi rozan la música industrial (100%), se juntan a hits instantáneos como "North Atlantic Wind", uno de los temas estelares de su carrera, con ese caos sónico en medio de la canción que te apabulla y te golpea. Eran los años 90, y The Fatima Mansion jugaba a otra cosa. Siempre jugaron a otra cosa. 

Aires de jazz de medianoche en "Purple windows", cortes de post punk brutal como "Go home bible mike", y lentos y apacibles viajes como "Greyhair"  con su misterioso ritmo de otra época. The Fatima Mansion, también sabían sonar peligroso como vemos en "Ca7/Breakfast with bandog", oscura, temible, extrema. Vaya pedazo de banda. 

En "Be dead" tiran de electrónica con todo el descaro del mundo y los dos tracks en directo, "Evil man" y "Behind the moon", nos muestran de todo lo que eran capaces la banda de Cathal Coughlan. Es una obligación volver a ellos, un canto brutal de inconformismo. 

ENRIQUE MORENTE. "Sueña la Alhambra" (2005)

 Se hizo un documental en la Alhambra donde Morente actuaba con distintos artistas, y se hizo este pedazo de disco (ambos de visión y escucha obligada), donde el más grande cantaor de todos los tiempos, el más transgresor, el que más énfasis puso en ir un poco más allá,  nos pone la piel de gallina desde que empezamos a escucharle. 

El comienzo con "Martinete" es brutal. Minimal, con su voz regrabada y vuelta a escuchar, con las palmas de fondo como telón a su eco. Pura emoción. Luego viene un poema de María Zambrano que se hace canción en "Generalife", donde el maestro, a lo suyo, abre cielos, nos deja sin palabras. Pat Metheney se encuentra por aquí, poniendo su granito de arena para que te quedes más flipado todavía.  Innovación y clasicismo del flamenco. Todo junto. Tremendo. 

"Seguirilla de los tiempos" , sin florituras de modernidad. Guitarra y su garganta. Para que más. Uno de los puntos fuertes de este pedazo de disco es "Cristalina fuente", con la colaboración entre otros de Estrella Morente y Juan Manuel Cañizares a la guitarra, poniendo música a unos versos de San Juan de la Cruz. Y luego va y pone su empeño en revivir un tango de Astor Piazzola en "Chiquilín de bachín". 

Qué decir del que nos cambió la vida cuando se juntó con Lagartija Nick en ese histórico "Omega".  Recurre a Tomatito en "Solea de la ciencia" para caminar por la ortodoxia con arte y desmesura. Se te hinchan los sentidos cuando escuchas los versos de Luis Cernuda en "Donde habite el olvido". Qué grandeza. 

En conclusión, una pedazo de obra para encumbrar a un artista irrepetible, a un voz que por siempre ha quedado grabada en nuestros corazones ávidos de sensibilidad contra tanto mal fario que nos rodea.

DOUBLE VIRGO. "Shakedown" (2025)

 

Si echabas de menos a Bar Italia, no te inquietes, aquí tienes a Double Virgo, formados por parte del grupo, (Jezmi Tarik y Sam Fenton), que se dan el gusto de darnos placer con un sonido hermanado con Bar Italia, hasta tal punto que parecen ellos. 

Pedazo de disco "Shakedown". Y vaya inicio con "Sams fragant dungeon", con esa melodía que te cautiva, con esas cadencias repletas de suspiros y paseos por nostalgias por llegar. Temas vitalistas que provocan sonrisas ("Bemused").

Me encanta la languidez que se escurre entre tus dedos de "Due dilettante", y "Red card" con esa soberbia propuesta de tranquilidad militante pero siempre nerviosa. Y como no, ese sonido que recuerda a unos Sonic Youth de bajón ("Alarm bells in central plaza") que les sale de maravilla. Hasta cuando se relajan ("Touching space" y "Just for a buzz up") funcionan como un reloj bien engrasado. 

"Shakedown" es un perfecto señuelo para los que no conocen a Bar Italia, y para los iniciados en el mundo repleto de sugerencias de la banda inglesa, hace que nos regocijemos con ese esplendoroso entramado de melodías para repartir confetis y algarabía al por mayor. 

FACS. "Void moments" (2020)

Qué pedazo de banda que son Facs (antes Disappears). Los de Chicago llevan deconstruyendo el post punk  desde ya hace unos años, y cada trabajo que han sacado nos muestran el nivel de las composiciones de este trio, siempre en perfecto estado de gracia.  La verdad es un dulce reto enfrentarte a ellos. 

"Voids moments" continua lo que ya vimos en "Negative houses" (2018), y que el inicio con "Boy" es indicativo, con esas guitarras que crujen entre espasmos, en una oscuridad de enjambre. El sonido de Facs te hipnotiza por sus minimales formas, por su manera tan espectacular de descomponer las aristas de su música, post punk pero siempre algo más ("Teenage hive"). 

A veces recurren a una calma que se torna en un aspaviento de rubores tecnológicos como "Casual indifference". En "Version", se muestran esquivos, como unos PIL en plena disgregación de sus moléculas musicales.

"Void walker" está repleta de filigranas sónicas, de frases que se rompen, que crean un mapa sonoro repleto de retos, que te atrapa desde la primera escucha. No cabe duda de que el sonido de Facs en indiscutible por su capacidad de distinción del resto de grupos del género. Un valor seguro que a día de hoy, con la aparición de su nuevo largo, "Wish defense", no hace mas que confirmar que estamos ante un gran grupo. 

EDITORS. "An end has a start" (2007)

 Nunca preste excesiva atención a Editors. Siempre me parecieron la versión comercial y para todos los públicos de Interpol. Sin embargo sus dos primeros disco, merecen que nos paremos con ellos, que disfrutemos de ese post punk juguetón lleno de épica como vemos nada mas empezar con "Smokers outside the hospital".

"An end has a start" continua lo que ya oímos en "The Back Room", con esa oscuridad de andar por casa, que la verdad, no esta nada mal, como vemos en el movidito tema que titula el disco o con ese hit de tristeza total que es "The Weight of the world". 

"Bones" podía estar en cualquier disco de Interpol, y eso es lo que le resta credibilidad a Editors. Una voz propia. Sus trabajos posteriores no merecen mucha atención, caídos en la desgracia de parecer simpáticos, de alejarse del post punk, la verdad es que se difuminaron con rapidez. 

Aquí, aún conservan gancho, aquí las canciones se pelean y crecen: "Whan anger shows". Hasta les sale bien la jugada con su paseos con el baile ("The racing rats").  Tienen algún que otro desliz más olvidable ("Well worn hand"), pero en resumidas cuenta, el disco no ha envejecido mal. Post Punk para oídos poco exigentes.

EARLY DAY MINERS. "Jefferson at rest" (2003)

 "Jefferson at rest" fue el tercer disco de esta banda de slowcore de Indiana, que como en el resto de sus discos, elaboran una amalgama de sonidos inspiradores de tranquilidad, dando voz a una calma que se perpetua con las cadencias líricas del grupo ("Wheeling"). 

Mirando de soslayo a Low y a Codeine  ("New Holland"), la música de Early Day Miners amansa, se convierte en un sonajero de gratificantes olas de una suavidad que estremece ("Jefferson"), donde desfilan un arsenal de emociones que te halagan y te tranquilizan.

"McCalla"  encalla algo en su propósito de hurgar en heridas fronterizas con el dolor, para remontar el vuelo con "Awake" , donde nos encontramos con la acostumbrada cualidad que tiene Early Day Miners de soñar suspiros. 

"Into pines" y "Cotillion" son otras dos bellas colisiones de silencio que hacen que ponerte la música de Early Day Miners sea un buen medicamento para tus días más malos. 

ESCLARECIDOS. "De espaldas a ti" (1989)

 Esclarecidos en una debilidad. Quizás la más grande dentro de ese cajón de desastre que fue La Movida, y donde tanto gato por liebre nos dieron. Y mucha culpa de eso la tiene Cristina Lliso, con su voz sugerente, provocando siempre expectación, y acompañada de músicos de una solvencia notable. 

A ver que grupos de esos años dedicaban un tema a Miles Davis, o hacían una versión del "Heaven" de los Talking Heads. Fueron una dulce anomalía de pop bien manufacturado, con efectos contagiosos al oírles como cuando suena "Una sorpresa" o "Cita en Igueldo". 

"De espaldas a ti" fue el cuarto disco de discografía y contiene quizás uno de tus temas más emblemáticos, la agitada "Tucán" con letra de Javier Corcobado, que mantuvo con Esclarecidos una relación muy productiva, con diversas colaboración en la historia del grupo. 

Lentas tonadas del tipo de "¿Por qué?", suavidades que se enroscan en tu ser y litigan para que la calma se instale y te devore con dulzura. Como "El club de los inocentes", otra reliquia de pop que se degusta con placer, o "Las hormigas" y su fragancia siempre de otro tiempo. 

"De espaldas a ti", una magnifica manera de traer del olvido a un grupo que por muchos motivos, les he tenido un cariño especial que no se vence con el paso de los años. 

WATER FROM YOUR EYES. "It's a beautiful place" (2025)

 

Hay veces que pasa. Te lees una par de reseñas y te dejas de llevar por los parabienes que unos y otros dictan sobre la letra impresa, para luego llevarte una decepción que puede ser de varios grados de intensidad. 

Y es que el duo de New York formado por Rachel Brown y Nate Amos, empiezan como un torbellino de indie rock juntado a Stereolab con algo de noise pop como vemos en "Life sings",  el mejor tema de una álbum que se difuminando de manera gradual. 

Y la cosa parece funcionar con la envolvente y ruidosa "Nights in armor", pero luego empieza a decaer la gracia con "Born 2" y su infantil jugada de querer parecerse demasiado a Streolab. Luego la instrumental y sosa "You don't believe in god?" y la soporífera "Spacehips" nos hace decaer todas las expectativas que teníamos con ellos. 

Y la cosa no mejora con "Playing classics" y su terrible electrónica que no va a ninguna parte. Ya sin rastros de guitarra. Y para rizar el rizo, "Blood on the dollar", pop soso y hortera. Hay veces que me gustaría estar en la cabeza de esos sesudos críticos con tanta cobertura en los medios, para saber donde demonios sacan cosas que no existen. Grupo para desechar. 

SUPERCHUNK. "Songs in the key of yikes" (2025)

 Vaya regreso el de Superchunk. Vaya pelotazo de felicidad indie lo que destila este disco, de lo mejor de su carrera, con canciones tan felices y radiantes como la que empieza el trabajo, "It is making you feel something", pura adrenalina melódica como en los mejores tiempos de la banda comandada por Mac McCaughan.

Los de Chapell Hill han conseguido con sus canciones y sus estribillos ("Bruised lung"), traer a la actualidad toda esa amalgama de recuerdos que tenemos asociados a esos 90 donde nuestros veinte años ondeaban libres, signos de nuestra juventud tan voraz y repleta de primavera. 

"No hope" no consigo despegarla de mi ser, y "Care less" es un torbellino sónico con guitarras juguetonas,  y con una emotividad que te persigue y te llena de ese placer que nace en la nostalgia y te crea un buen rollo general que te atrapa. "Climb the walls" es la consecuencia de tantos años en la carretera en un estado siempre de creatividad brutal, de un grupo que siempre fue consecuente con su necesidad de vivir en una juventud parece que nunca se acaba. 

"Everybody dies" con esas distorsiones que te estrangulan, es otro de los platos fuertes de una regreso que los ponen en todo los alto, que escenifica de una forma brillante que una banda después de tantos años que puede hacer canciones como "Struck in a dream" se merece un hueco enorme, (del tamaño de nuestra añoranza de esos años),  en nuestro corazón ya algo herido por los combates de la edad, pero siempre latiendo con fuerza cuando escucha tonadas como la que encontramos en este reconfortante disco que tanto bien nos hace. Grandiosos Superchunk.

ELEVENTH DREAM DAY. "Beet" (1989)

 

Vaya petardazo. Vaya pedazo de banda los de Chicago, y vaya segundo disco que sacaron en el lejano 1989. No, no te apures. Dale al play y quédate sin respiración cuando suene ese abrupto llamado "Between here and there", donde parecen poseídos por el fantasma de The Gun Club. 

Rick Rizzo y Doug McBombs llevaban las riendas de esa jauría de rock desbocado, donde las voces de Janet Beveridge hacían de justo contrapunto a un disco donde la distorsión en lo que manda. Puro sonido indie incendiario lo de Eleventh Dream Day, con delicadezas del calibre de "Testify",  o esa barrabasada sónica llamada "Bagdad's last ride" donde esta vez las influencias que percibes son de la banda de Ira Kaplan. 

Puro noventa, aquí no hay descanso, las melodías escuecen, crujen, hacen daño en medio de una maraña de caos bendito, electricidad al por mayor que repica y repica sonidos devastadores ("Awake i lie"). Y como no, en todo ese maravilloso disco pulula la sombra de Neil Young, al que tanto debe la música independiente de aquellos años ("Road that never winds").

"Michael Dunne" es otro de los puntos fuertes de este visceral álbum, desbocada canción repleta de una intensidad que quema. Y luego te atropellan con "Bomb the mars hotel" , cocinada a fuego lento, semilla del mal, casi punk. Vaya sudores!!!!!

¿Qué piensas que Eleventh Dream Day no tiene himnos? Pues tómate un trago de "Teenage pin queen" y su lentitud que desmorona, y su tráfico rodante de crudeza que escuece. El fin con "Go (slight return)" es una vuelta al inicio del lp, se van como vienen, dejando todo el paisaje desolado. Brutal. 

THE CRAMPS. "Songs the lord taught us" (1980)

Casi 15 años lleva Discos Pensados en activo, y hasta hace unas semanas no aparecieron por aquí la grandiosa banda liderada por Poison Ivi y Lux Interior. Fallo imperdonable. Por eso vuelvo de nuevo con ellos, en ese majestuoso tercer disco, grabado por el mismisimo Alex Chilton, y que desde que se inicia con "Tv set", sabes que te vas a divertir de lo lindo. 

¿Quieres rockabilly punk? Toma dos tazas con "Rock in the moon" (versión de Jimmy Stewart). Grabado en Memphis, en los estudios donde salieron discos de Elvis Presley o Johnny Cash, el veneno y la ponzoña que destila su escucha es todo un bálsamo para tu espíritu. Escucha el caos que crean en "Garbagenman". Dicen que tuvieron problemas con los que produjeron el lp, por sus pintas, por su actitud. Jodidos sureños. The Cramps les dieron su merecido. 

Uno de sus mejores disco, no tienes tiempos que perder para sumergirte en ese universo tan particular que crearon The Cramps, con sinrazones sónicas tan bellas como "I was a teenage werewolf". Y luego están las pedazos versiones que aparecen, como "Sunglasses after dark" de Dwight Pullen o ese "Fever" que te pone la carne de gallina de Little Willie John. 

Y luego claro, esos ritmos endiablados marca de la casa de The Cramps como nos muestran en "The mad daddy", o "Zombie dance" para revivir a un muerto. Fueron de los más grandes y con trabajos como este no puedes más que disfrutar de todo lo que significan The Cramps. 

Luego llega "Strychine" de The Sonics y ya no puedes parar. En conclusión, larga vida a The Cramps. Puro disfrute su acidez, su rock, su revolución siempre vigente.