MAZZY STAR. "So tonight that i might see" (1993)

Si el primer disco fue bueno, "She hangs brightly". este quizás lo supera. Vaya sonido de ensueño. Vaya forma de empezar un viaje sonoro perfecto con la maravillosa "Fade into you", cálida, envolvente, repleta de susurros mientras pasa la noche aspirando agonía. 

Hope Sandoval lo volvió hacer. "So tonight that i might see" rezuma misterio por todos los costados, calidez, a veces cierta cercanía al sonido de la Velvet como vemos en "Bells ring", un portento de esos que te deja sin palabras. 

"Mary of silence" es terrible y oscura, pesarosa, narcótico por vena para días de sombras siempre funestas. Vaya tema. "Five string serenade" es un mar de helechos convencidos del imperio gratificante de su frescor y en "Blue light" te ves sumergido en una catarata de ensueños para poblar tus malos días de olores amorosos tiernos. 

Estupendo este segundo disco de principio a fin, con una estructura de ternura, de un vapor que llena los aires de un festín de luces en penumbra como vemos en la maravillosa "She's my baby". En "Unreflected" hay signos de una psicodelia campestre bien llevada y "Wasted" es el blues con la voz de Hope, la que cautiva tus sentidos. 

El final con la que titula el trabajo es la forma más espectacular de terminar este viaje repleto de suspiros, de anhelos, de una belleza de esas que te congela el alma. 

FRIKO. "Something worth waiting for" (2026)

 

El segundo disco de esta banda de Illinois, se abre con una de las mejores canciones del año hasta la fecha, este pepinazo de indie rock dramático llamado "Guess", un torrente de electricidad, un marasmo de latidos sincopados, un mar de avispas que te hace sentir por momentos que tu perdida y lejana juventud asoma en los casi cuatro minutos de este tema. 

Debutaron en 2024, siendo solo dos con  "Where we've been, where we go from here",  ahora ya cuarteto, la cosa cobra enjundia con este trabajo, donde te puedes encontrar vitaminas de pop agitado del tipo de "Still around", aunque lo que más me pone es cuando agitan la coctelera y nacen placeres sónicos como "Choo choo". 

Quizás baladas pop del tipo de "Alice" desentone con el enfoque general del disco, o quizás hagan de él una figura geométrica con distintos prismas. "Certainty", es pop de violines y grandilocuencia barroca en su estructura. 

Lástima que la vena aguerrida no predomine en el disco, si no podríamos estar hablando de otra cosa. Eso si, no fallan los temas, como ese pequeño hit arrebatador llamado "Hot air balloon" que te convence desde el minuto 1. 

Curioso es el guiño que hacen a Bowie en "Seven degrees" y la que titula el disco es junto con la inicial "Guess" lo más reseñable de un lp que si pulen en su tercer entrega esta parte más visceral, estaremos hablando de algo muy serio. 

PETER KERNEL. "White death & black heart" (2011)

 

"White death & black heart", el segundo disco del grupo formado por la pareja Barbara Lehnoff y Aris Bassetti,  aparte de ser el mejor de su carrera (y no tienen disco malo) es un auténtico compendio de hits redondos, de art rock desmenuzando distorsión y melodía (ese inicio con "Anthem of hearts" es una buena muestra de ello). 

La verdad es que todavía no sé como Peter Kernel no han salido de un anonimato que no se merecen. "I'll die rich at your funeral" es una fiesta continua de indie rock con enjundia y "Hello my friend" es otra cascada de emociones que reparten distorsión a diestro y siniestro. 

Borricos en "Panico! This is love", donde casi parece una versión alocada de McClusky, repletos de una gracia colosal para la melodía, "Captain's drunk!", cuando encienden la máquina de la tensión absoluta, hacen saltar todo por los aires como comprobamos en la brutal "The peaceful".

"We're not gonna be the same again" es minimal y combativa, y en "Make, love, choose, take" se les enciende la vena más juguetona, para encontrarnos después con un himno del calibre de "Want you dirty, want you sweet", de esos temas para radiar una y otra vez.

Si aun no los conoces, no pierdas más tiempo, Peter Kernel es de esas bandas que provocaran en ti una afectuosa sensación de alivio musical. Grandes. 

MEDICINE. "To the happy few" (2013)

 

Como todos los discos de la banda norteamericana de shoegazing, Medicine, nos encontramos con una de esas portadas sugerentes marca de la casa, que acompañó cada salida al mercado de una discografía sin peros, sin fallos, donde Medicine se proclama como uno de los mejores grupos de shoegazing salido de EEUU. 

En este quinto disco de su carrera, empiezan como un trueno, con ese rutilante single llamado "Long as the sun", donde la banda de Brad Laner y Julia Montreal se lanzan al vacío en un feedback de esos que tanto nos gusta. Nunca Medicine perdió el regusto al noise pop como vemos en la efectista "It's not enough". 

Pedazo de banda Medicine, te envolvían con sus tentáculos fabricados con esporas de burbujas repletas de una sensualidad que te llegaba a electrocutar ("Burn it"). Chupachups de pop envenenado como "Butterfly's out tonight", shoegazing de fabricación casera como "All you need to know", todo cabe en este coctel de sensaciones únicas.

"Find me always" tiene aire a Curve, y el final con "Daylight" no puede ser más adictivo,  con toda esa parafernalia para nuestro goce. Grandes Medicine.

KURT VILE. "Philadelphia's been good to me" (2026)

 

La verdad es que he quedado algo desencantado tras la escucha de este nuevo disco de Kurt Vile, dedicado a la Philadelphia que le vio crecer, ser quien es. Y eso que empieza como un tiro con la inicial "Zoom 97", un pequeño caramelo de rock tranquilo y frágil. 

Se le nota a la legua su querencia por el Neil Young menos catártico como comprobamos en "99 BPM", quizás de la más lograda del lote, pero al rato, cuando aparece "Rock o'stone" y las que empiezan a latir en el disco, te da la sensación de que estás escuchando la misma canción con pequeños matices de cambio. 

Hay veces que la jugada le funciona como con la deslumbrante "Chante to bleed", para caer de repente en insulsos viajes a tierra de nadie como la incomoda "Philly's been good to me". "Holiday OKV" repite la jugada, sonido de guitarras siempre muy similares, o las aires hippies de "Every time i look at you" que la verdad me dejan bastante frío. 

"Avalenches of Snow" parece remontar el vuelo, con ese aire dulzón por el que transcurre la canción, pero en general después de bastantes escuchas te queda un regusto amargo tras este disco, para mi fallido, de Kurt Vile. 

THESE NEW PURITANS. "Crooked wings" (2025)

 

Sin duda "Crooked wings" fue uno de los grandes discos de 2025. Los antiguos bestias del post punk nos destartalaron con un conjunto de canciones donde prima la belleza, la calma, los pasajes que nacen de expresiones parecidas al universo de Craig Armstrong, Cocteau Twins, Talk Talk, un dream pop acariciador, música para flotar ("Bells"). 

Seis años después de su último trabajo, y de la mano del que fuera líder de Bark Psychosis, Graham Sutton, These New Puritans nos abrió el corazón de una manera como muy pocos grupos lo han hecho últimamente.  Aquí hay hondura.

"A season in hell", es quizás la que mas recuerde (siempre con matices) a como eran antes These New Puritans, aunque luego llega "Industrial love song" con la colaboración de Caroline Polachek para certificar que los fantasmas de Talk Talk sobrevuelan cada canción de este potente trabajo. 

Es la delicadeza lo que inunda todo, los desarrollos íntimos, la carga emocional que en temas como "I'm already here" te dejan adherido a un combate de soledad perpetua. Que placer escuchar este disco. De principio a fin, sin paradas, todo seguido, para que no se marchite esta secuencia de abrazos acogedores. 

"Wild fields", se eleva como catapulta casi industrial, y "The old world" , sonidos de iglesia, te deja la piel de gallina, como "Goodnight" y ese espectacular abanico de suspiros dotados de inmortalidad. Gran disco de una gran banda. De esos que ya se hacen inolvidables.

THE MERCURY PROGRAM. "A data learn the languague" (2002)

 

Cuando todavía el post rock era un género salvable, donde hallar cosas como esta delicia sonora que nos regalaron los americanos The Mercury Program en el que fuera su tercer disco. Así con esta definición podríamos empezar este viaje, con el rutilante comienzo con "Tequesta" y esa levedad que inunda todo que en temas como "Fragile or possibly extinct", te hace añorar vuelos a baja altura de corduras siempre buscadas. 

Lo de The Mercury Program, siempre iba en serio, rosales, granizos instrumentales, guitarras con fundamento, ("Slightly drifting"), todo es un señuelo previsto de la suficiente enjundia como para penetrar en este paisaje provisto de lluvia armada de una buena cantidad de recuerdos ("Eqypt"). 

"To/ From Iceland", es una ración perfecta de melodías acariciadoras, descripciones honestas desde una balsa sónica donde es facil perderse en tranquilidades necesarias y acogedoras. "Your yourself are too serious" es otra laberíntica recreación repleta de ritmos galopantes envueltos en celofán acariciador. 

Para terminar este viaje de sintonías amistosas, "Sultans of El Sur" y "Gently turned on your head" poderío para volar la imaginación entre trincheras de sueños. Cuando el post rock tenía aún sentido, The Mercury Program, un grupo a seguir. 

PEDRO THE LION. "Achilles heel" (2004)

 Adoro al grupo de David Bazan. No me he perdido ningún lanzamiento desde que supe de este gran secreto de la música independiente norteamericana, que son Pedro The Lion. "Achilles heel", su cuarto trabajo, se abre con uno de los mejores temas de su carrera, la maravillosa y sensible, "Bands with managers". 

Fue a partir de este trabajo cuando el indie rock más aguerrido de sus anteriores discos se vio transformado en una cónclave de temas melódicos, como "The Fleecing",o "Foregone conclusions", donde priman los medios tiempos pero con la misma maestría que siempre. 

Y luego esta la voz de Bazan, que seduce, que te deja en un motín de agradables soniquetes acariciadores, como vemos en "Arizona", repleto de un seísmo que desborda, o "Keep swinging" con ese golpe de efecto de una electricidad siempre comedida. 

"I do" es otra de los joyas de un disco que quizás no supere a otros trabajos como "Control" (2002), o "Havasu" (2022), pero está lleno de pequeñas joyas escondidas para nuestro regocijo como buscadores de melodías para soñar. 

MINIMAL COMPACT. "One + One by one"(1981)

 Minimal Compact. Otro gran grupo a recuperar. Israelitas pero afincados en Bélgica, Minimal Compact nos regaló (sobre todo al principio), una buena andanada de temas de post punk cargados con suficientes razones como para que su sus canciones sigan siendo actuales. 

Este disco reúne tanto su primer lp como un maxi que la compañía belga Crammed Discs tuvo bien de juntar. "Statik dancin'" y "Creation is perfect (i am a camara)" con esa decadencia acunadora que persigue su carrera, nos hace adentrarnos en un baile de máscaras con insurgencias sonoras del calibre de "Ready-made diary" o "To get inside" y su malabarismo sónico. 

"Happy babouge" , con ese bajo que recorre tu espina dorsal y "Invocation  (for things to come)", oscura y repleta de sinuosos peligros, con dos más de las piezas que conforman el sonido de una banda clásica ya para los adoradores del post punk, que viajamos a traves del tiempo para encontrar piezas como la de este lp para saborear los peligros de una noche eterna ("Cold life"). 

El grupo siguió en activo hasta el año 2019, con "Creation is perfect", haciendo de Minimal Compact un grupo que acercó también el concepto de world music, junto a otras sonoridades como el dark wave y el cold wave, para hacer de su nombre algo para siempre recordar. 

Temas como "It takes a lifetime" o  "Head section", les hace merecedores de estar en nuestra colección de rarezas estimables.

SUEDE. "Antidepressants" (2025)

Vaya disco. El mejor para el que escribe de Suede. Y eso que los tiene buenos. Pero que desde que empieza ese petardazo llamado "Disintegrate", sabes que en este "Antdepressants" te vas a encontrar algo muy gordo. 

En este disco número 10 de su carrera, los hits salen como churros como esa bestialidad llamada "Dancing with the Europeans", para tararearla mil y una vez, o la que titula el disco donde lo primero que se te viene a la cabeza con ese inicio, es a The Sound. Sí, el disco más post punk de Suede es una bomba de relojería. 

Ya avisaron antes de sacarlo que estábamos ante algo muy fuerte. Y oyendo "Sweet kid", no puedes más que quitarte el sombrero ante la banda de Brett Anderson más en forma que nunca, con una colección de músicos detrás que son toda una garantía para que volemos en el tiempo a través de temas como "The sound and the summer". 

Hasta cuando se calman con "Somewhere between an atom and a star", la más oscura y épica del lote, les sale bien la jugada. Luego está esa bestialidad llamada "Broken music for broken people" y ya tienes el día hecho con la escucha de este potente artefacto secundado por maravillas del tipo de "Criminal ways" y "June Rain".

En definitiva, de enhorabuena, que felicidad en estos tiempos que corren de hallarte con discos como este "Antidepressants". Que alegría!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!
 

PARANNOUL. "After the magic" (2003)

 

El tercer disco de la banda coreana Parannoul, vino a confirmar que estábamos ante un grupo que sabido conjugar los conceptos del shoegazing, haciendo explosiones que como en la inicial "Polaris", con sus ramalazos de emo bien entendido. 

En "Insomnia" se retuercen en una diatriba de emoción explosiva, para en "Arrival" volcarse en una eficaz melodía siempre a lomos de galaxias de suavidad constante. A veces se les pasa de frenada el drama como vemos en "We shine at night", pero la mayoría de las ocasiones como en "Parade", asistimos a un festival siempre prudente de distorsiones matizadas. 

Los coreanos parecen salir de un cuento de invierno, su música hierve fría, "(Sketchbook"), un menú donde se condensa una tristeza febril de juventud, junto con la querencia de actualizar viejos sonidos de shoegazing pasados por el tamiz de las bandas que nos vienen de oriente. 

"Sound inside me, waves inside you" y la que titula el álbum, son un digno colofón a un trabajo repleto de misterios, delicadeza y confort. Grandes Parannoul. 

MOBIIL. "Fondre sur les hyènes" (2007)

 

Qué buenos que eran Mobiil. La banda del inquieto Olivier Mellano, con uno de sus muchos proyectos, Mobiil, nos inundó de música electrónica, indie elegante, canciones para el ensueño. "Arroser la colère" es el inicio de este magnífico viaje que sigue con la expansiva "Des chants". 

Podemos decir que Mobiil nos trajo en sus inicios esa ola de música inteligente del país vecino, cuando aun estábamos empezando a flipar con grupos como Mendelson, Diabologum,  Dominique A, y otros tantos que nos dieron buenos momentos para el goce. 

Mi preferida de este discazo es "Est-ce qu'un jour on les aura", un himno épico y melancólico que da paso a "Fragilithe" y sus espasmos electrónicos. "L'art de tuer la mort" parece un tatuaje sardónico de post punk. Qué buenos que eran. 

Mellano, más tarde enfrascado en banda sonoras y experimentos de todo tipo, concretiza en Mobiil su querencia por los susurros antológicos ("Je sais des choses sur moi"), y hasta sus inclinaciones por la industrial como ese petardo llamado "Pâte de temps". 

Acaba el disco con "Des petites boules grises" otra pequeña joya de bisutería sonora. Nunca es tarde para recuperar a Mobiil. De esos grupos que perduran con el tiempo.

ORCHESTRE TOUT PUISSANT MARCHEL DUCHAMP. "Sauvage formes" (2018)

 

Como me gusta esta orquesta tan especial. Esta especie de big band suiza tiene algo que los hace realmente irresistibles. "Sauvage formes", su cuarto disco, y de la manos ni más ni menos que de John Parish en la producción, es otro disco de esos que tienes que escuchar sí o si, de la discografía tan maravillosa de una banda que deslumbra.

18 músicos tocan en este "Sauvage formes", donde encontramos piezas tan delicadas y tan épicas a la vez como "Sous mes yeux", o esa vacilada que se llama "Blow", donde como en los discos del grupo, asistimos a una perfomance rítmica que quita el hipo. 

"Across the moor" es una vacilada, un detonante artificio cargado de una sonoridad que es un auténtico baile de estilos, una cartografía de expresiones todas ellas sugerentes. O "Bêtes fêroces" como si asistiéramos a una reencarnación muy particular de Penguin Cafe Orchestra. 

"The unknown" y "Lost and found", casi tribales, con un toque minimal, son dos expresiones vivas del carácter de una banda que termina el disco por todo lo grande con "So we all", art rock de altura con múltiples texturas. Bravo por está orquesta celestial y por los parabienes que crea su escucha. 

MOGWAI. "The bad fire" (2025)

 

Vale, vale, lo compro. Hasta yo que fui seguidor acérrimo de Mogwai en sus primeros trabajos, (luego me fui alejando de ellos por la repetitiva sensación de parecer escuchar siempre lo mismo),  siempre veía con cautela la aparición de un nuevo trabajo. 

Está claro ya que los escoceses ya no llegarán jamás a las cotas de "Rock action", pero después de escuchar atentamente "The Bad fire", desde el inicio con "God gets you back", reconozco que pasado los años se han sabido mantener en su sitio, sin venderse demasiado. 

"Hi chaos" es una pasada de post rock como las que nos tenía acostumbrados, y esa letanía llamada "What kind of mixis this" es otra delicada joya de artesanía para degustar con calma. Pisan el acelerador con "Fanzine made of flesh" y esas voces saturadas rompiendo el eje instrumental de su cancionero. 

"Pale vegan hip pain" es triste y difusa, pero hermosa en sus cadencias tranquilas. Como "18 volcanoes" y esa capacidad intacta de ponerte los pelos de punta como antaño. Si, los escoceses merecen nuestro respeto. 

Hasta les sale bien ese experimento electrónico llamado "Hammer room". La más bestia, "Lion rumpus", para terminar con "Fact boy" por todo lo alto. Lo dicho, hay veces que tenemos que dejarnos llevar, y aparcar nuestros críticas más vehementes. Este es un buen disco. 

OFFICE DOG. "Spiel" (2024)

 

De New Zeland y del sello Flying Nun, el mítico sello neozelandés que tantas cosas buenas nos regaló en los 80 y 90. Ya sin escuchar el disco, me tienen ganado. Y es que es difícil equivocarse. Y no hace falta mucho. La inicial "Shade" y ese torrente de emocore contenido que poco a poco se convierte en jauría es el aperitivo de lo que vendrá después. 

"Antidote" es un himno repleto de ternura, caricia eléctrica, con un aire a Totorro que engatusa y te alivia, y en "Gleam" se divierten de lo lindo en una andanada de electricidad repleta de enjundia y melodía. Pavor y rugosidad. 

En "Warner" se tranquilizan, para volver en "Big air" a las andadas, con un festival de épica, un torrente de luces que van y vienen, la hegemonía de la demolición. "Spiel" está repleto de canciones de esas que son un suculento festín, un preparado seísmo de estribillos que anidan en un mar de suspiros ("Tightropes"). 

Cuanto te cruzas por la calle de las escuchas con temazos del calibre de "Teeth", sabes que estás ante algo muy grande, y es que los neozelandeses saben todos los trucos para fabricar al por mayor canciones que te achuchan y te miman. En breve tendremos nuevo disco de ellos, habrá que estar atentos. 

MAZZY STAR. "She hangs brightly" (1990)

 

A Mazzy Star y a los trabajos en solitario de su cantante Hope Sandoval no lo he seguido mucho. La verdad es que hasta hace no mucho me pasaron inadvertidos ambos proyectos. Y como al final el tiempo pone a cada uno en su sitio, y nunca es tarde para descubrir joyas, aquí está el disco de debut de Mazzy Star, para rendir homenaje a una banda que nació en plena vorágine de música independiente,  aunque lo suyo siempre fue una especie de dream pop de ensueño ("Halah"). 

Vaya comienzo de carrera que tuvieron con este "She hangs brightly". "Blue flower" es un pelotazo que te recuerda a la Velvet. Con solo decir que mis amados Cocteau Twins, se los llevaron de teloneros en la gira por EEUU, dice mucho de este supergrupo. 

Caricias sonoras como "Ride it on", o como la mejor del disco, la que la titula, pura psicodelia, con esos órganos malsanos,  vitaminas para no dormir. Y si luego te pones la medio blues "I'm sailin", ya tienes ganado un lugar en el cielo oscuro de Mazzy Star. 

"Give you my lovin" es un torrente de emoción que sigue la estela de la candidez más sobrecogedora de la banda de Cale y Reed. Impresionante es poco. Pedazo de trabajo para iniciar una carrera. Con ese deje venenoso de "Be my angel",  con la hipnótica "Taste of blood", con la peligrosa "Ghost highway"....  Te pongas en lo que te pongas, caes rendido ante ellos.  A este grupo no hay que olvidarle.

BEVERLY GLENN-COPELAND. "Laughter in summer" (2025)

 

Este es un disco contra el dolor de la pérdida, contra el avance de la demencia que haga que el tiempo,  los recuerdos, la mente de Beverly Glenn, se hayan congelado en este disco elaborado junto a su mujer Elizabeth Copeland, ayudado, poniendo su voz, dando ánimos su amado, llevándolo por jardines efímeros de rosas agostadas antes de tiempo. 

Beverly es un musico trans canadiense, que lleva desde los 70 embarcado en proyectos donde su voz es la brújula, y este "Laughter in summer", desde que empieza a sonar "Let us dance" y "Ever new" es la mejor manera de dejar un legado, un testamento para que podamos imaginar el amor que se profesan estos dos amantes que saben que su amor tiene fecha de caducidad. 

Se te pone la piel de gallina cuando suena el tema que titula el disco, siempre con el piano como señuelo para que aparezca la garganta de Beverly y su mujer, recitando, cantando a pulmón cisnes, celebrando los amaneceres disfrutados, recordando los paseos por pasajes donde el viento se llenaba de besos depositarios de un cariño construido con la música como lenguaje, como artífice de una conexión sin igual. 

Como "Children's Anthem" donde ese binomio Beverly-Elizabeth provoca cataratas en tu sentir, o "Harbour (At Hotel2Tang)", donde lo sublime alcanza cotas superlativas. Tema para escuchar mil veces, corriente frenética de suspiros. 

"Shenandoah" casi a capela te deja helado, y el final con "Let us dance (movement two)", es un maravilloso colofón a esta historia de amor musitada con tanta ternura. Belleza a raudales. 

SANTIAGO AUSERÓN, VAGGELIS TZERETAS Y THEODOROS KARELLAS. "Nerantzi" (2026)

 

Vaya gozada de disco. El viaje que Auserón hizo a Grecia no pudo salir mejor. Acompañado por Vaggelis Tzeretas  y Theodoros Karellas, Santiago pone voz a canciones de desamor portuarias, nacidas en las tabernas, donde los aldeanos y los marineros se cruzaban en un confín desgarrador, entre miradas ebrias, y tatuajes aún por rematar. 

Cuando empezamos la travesía con "El desdén", ya sabes que esto va estar lleno de emociones a raudales, de parte de uno de los mejores artistas que tenemos por aquí, músico repleto de inquietud, sin posibilidad para aburrirte con su música, por que lo de Auserón es algo muy grande. 

Qué triste suena "Fedra", con ese aire melancólico que lo impregna todo, con esas alas partidas de un vuelo cercenado siempre por la degradación de las palabras que se convierten sólo en un vano intento de comunicación. 

Brutal "Batalla por la vida", llena de una tristeza que inunda el aire, para beberla viendo como el atardecer se come el día. Clásicos populares helenos, canción folk griega, es igual como lo llames, el caso es que te pones "El color del alma"  y no puedes parar de bailar entre excesos de retsina para recordar el motivo de las llagas que pueblan tu ser. 

"La espera" casi suena a chanson, y luego por todo lo grande "Irenita", la mejor de este cancionero con un video que no tienes que dejar de ver. Todo un lujo, ver a Santiago en esta forma, con ese arranque vocal que te hipnotiza, con una de esas letras que te servirán cuando escuches un portazo en tu corazón. 

Anni B. Sweet, aparece en "Alborada en tono menor", para acompañar al maestro, antesala del final con "Naranjo amargo", donde Santiago deja Grecia, pero sabiendo que la huella de estas canciones ya forman parte de la historia de este gran tipo que tan bien nos hace a nosotros sus colmados seguidores. 

NUMBER GIRL. "Sappukei" (2000)

 

Con este tercer disco, la banda nipona salto la banca por su manera tan particular de a su manera, convertirse en un cruce bastante creíble entre Pixies, Husker Du y Sonic Youth. Lo de Number Girl era cosa sería, como vemos en las dos bombas que abren el disco, dos himnos radiantes, "Brutal number girl" y "Zegen & Undercover".

Eran estruendosos, melódicos, repletos de aspavientos de distorsión por doquier ("Sasu-you"), agitando siempre la coctelera con su propagación de ondas de luceros indómitos ("Urban guitar sayonara"). Así son estas bandas niponas que traducen a su manera sin dejar a penas tiempo para la pausa y la tranquilidad, todas las referencias habidas y por haber. 

Cañonazos del calibre de "Tattoo ari", o reservas espirituales de un noise sembrado como la que titula el disco, sirven para festejar que nuestros añoranzas hacia los 90, por todo lo que significó, puede ser gratificada cuando escuchamos cosas como "U-Rei". 

"Yaruse nakio no beat" afloja un poco la marcha veloz de este disparo frontal que es la música de Number Girl, para en "Trampoline girl" fusilarnos a destajo con una corriente frenética de caos sónico. Number Girl, victoria asegurada desde que lo escuchas por primera vez. 

MARK EITZEL. "The ugly american" (2003)

 

En "The ugly american" el bueno de Mark Eitzel se fue a Grecia, donde consiguió la ayuda de una banda de músicos griegos apasionados de su folkclore, para hacer versiones del cancionero de American Music Club, con  una solvencia que ralla la perfección ("Western sky"). 

La voz de Mark siempre comanda este crisol de tonos donde cabe desde una especie de minimalismo folk ("Here they roll down"), a lentas letanías esparcidas por el aire entre calmas incendiarias ("Jenny"), para recordar amores fallidos mientras te tomas un buen trago.

"Nightwatchmen" es otro de los puntos fuertes de un trabajo que quizás sirvió a Mark Eitzel como parada en mitad del camino antes de seguir rugiendo silencios en sus trabajos posteriores. "Take courage" toma otra forma de su original primera versión, para en "Anything" convertirnos en martires de su tristeza. 

10 temas que son como 10 rubores envasados al vacío, 10 temas para que nos sintamos cerca de este cantautor de tantos dolores y suavidades siempre íntimas. Escuchas las reinterpretaciones de "Last habour" y "Love's humming", con instrumentos griegos, y no puedes más que festejar viejos recuerdos que vienen de golpe. Otro gran disco de Mark Eitzel. 

LOVE OF DIAGRAMS. "Mosaic" (2007)

 

 

Este trio Australiano sacaron solo cuatro discos en su corta carrera, pero dejaron suficiente huella como para que su sonido afilado, su distorsión repleta de seísmos, no diga a las claras la capacidad que tenían para empantanarse entre volutas de humo y electricidad. 

En este su segundo disco, con ese inicio brutal con "Form and function", no tienen reparo en fustigarnos con alegría entre bombarderos de post punk activo, "The pyramid", siempre agitando una coctelera que como se nos muestra en "At 100%" supura daños corrosivos para la calma. 

"Ms V. Export" es una barco a la deriva de noise tranquilo, para volver a la carga sin pausa con "Confrontation". En "Mosaic" también hay sitio para pequeñas gemas envenenadas como "Single cable" que nos acerca al recuerdo de Elastica, o "All the time" y su adictivo poder embaucador tejiendo sombras como parte fundamental de un ideario musical repleto de rabia y sin concesiones. 

En "Trouble" filtrean con la no wave, para terminar por todo lo grande con "(Untitled)". Buena banda la del país de los canguros, que pasaron de puntillas pero que dejaron una buena dosis de inflamación sónica. 

JOE JACKSON. "Hope and fury" (2025)

 

De momento a día de hoy, mi disco del año. Lo que ha hecho Joe Jackson en este "Hope and fury" es para subirse por la paredes desde que suena ese pelotazo rítmico llamado "Welcome to burnin-be-sea". Vaya sonido, que suenen trompetas y se escuche aclamaciones, el estado de forma de Jackson es simplemente espectacular. 

Y es que un músico de la inquietud de Jackson no se iba a contentar con seguir un solo camino. Su carrera está plagada de cambios estilísticos de todo tipo (swing, música electrónica, new wave, orquesta, jazz...). Aquí ha tenido la enorme idea de incluir elementos latinos como el que vemos en esa explosión sónica llamada "I'm not sorry". Para no parar de mover los pies en horas. 

Y luego están las canciones, y todo "Hope and fury" es un chorreo incesante de melodías, de temas, que te dejan un regusto brutal en tus oídos. El encanto new wave de "Made god laugh" es para ponerte la servilleta y esperar a disfrutar el placer del menú que sigue con "Do do do" y esos sonidos que nos envían de golpe a finales de los 70.

Los teclados de "Fabolous people" te hechizan nada más sonar, y en "After all this time" son de nuevo los ritmos latinos quienes toman la batuta en una espectacular canción. Vaya sonido se gasta el bueno de Joe en este 2026. "The face" transita en una especie de prog con rosas en las guitarras, para en "End of the pier" caer de bruces antes este mago con la varita siempre preparada. 

En Otoño viene por aquí. La verdad es que artistas como este ya nos quedan poco. Una maravilla su carrera, su pasado y su presente, parece adolescente aun, después de tantos años. Bravo por Joe. 

NADA SURF. "The proximity effect" (1998)

 

Es mi disco preferido de Nada Surf. Sin ninguna canción que baje el nivel de uno de los discos más radiables en aquel lejano 1998, repleto como encontramos en "Hypersace" y sobre todo en "Amateur", hits de esos que han perdurado en el tiempo, indie rock balsámico, melódico, repleto de suficiente artillería eléctrica como para sacar del olvido a este gran grupo. 

La banda de New York comandada por Matthew Caws y el español Daniel Lorca, en este segundo trabajo, pusieron las bases de una carrera con sus altos y bajos, pero siempre repletos de honestidad. ¿Qué podemos decir cuando te topas con esa emocional "80 windows" repleta de aristas sentimentales? Disfrutar a tope de ellos. Como ese cañón llamado "Mother's day", o la delicadeza que te deja helado de "Troublemaker". 

Así eran Nada Surf, en estos inicios prodigiosos, con torrentes eléctricos del calibre de "Bacardi", para tararear y bailar sin parar, o turbulencias como "Dispossession", o rabiosos singles como "Slow down", repleto carisma y rabia. 

Ya en la recta final, "Silent fightning" y "Spooky", vienen a confirmar la grandeza de un grupo que siempre se mantuvo fiel a unos principios, honestos y radiantes en su manera de enfocar un indie rock para todos los públicos. 

LOU REED. "Ecstasy" (2000)

 

"Ecstasy", el disco número 18 de Lou Reed, con esa magnífica portada que parece que te este llamando para una pronta escucha, es otra muestra más del arte del músico que tantas buenas horas nos ha hecho pasar. 

Directo y roquero, contundente desde que empieza a sonar "Paranoia key of E" o "Mystic Child", "Ectasy" es otro de los trabajos donde la maestría de Lou alcanza cotas de esas donde muy pocos puedan llegar. Tan solo con recordar que en aquellas fechas en Austria subió al poder el ultraderechista Haider, y Reed anuló sus conciertos allí, nos dice mucho de como era el gran Lou. Se echa en falta que los grupos y músicos que amamos ahora, tengan más compromiso con lo negro que está todo y lo que nos viene. Parece que a muchos les da miedo hablar. Así nos va. 

En "Ectasy" hay canciones sobre el desamor, sobre las relaciones,  y las canciones, como la que titula el álbum, funcionan a la maravilla desde la primera escucha. Lenta, tranquila, parsimoniosa. Qué hermosura. "Modern dance" es otra apasionante tonada de esas que te embruja sin pedirte permiso. Joder, los pelos de punta. 

"Tatters" es otro de los puntos fuertes de un compacto trabajo donde parece que reverdecen los campos por donde pasea Reed su carisma desbordante a pruebas del efecto del paso del tiempo. Me sigo emocionando como cuando la escuche por primera vez con "Turning time around" y esa fragilidad que todo lo inunda. 

Un disco como "Ecstasy", para recordar al que tanto amamos, un disco como este para soñar con el hombre de la Velvet, un disco como este para sentir que nos hacemos viejos, un disco como este para sentir que aún nos quedan células rebeldes jóvenes. 

DEATHCRASH. "Somersaults" (2026)

 

Puede ser sin riesgo a equivocarme que Deathcrash sea la banda más en plena forma dentro del slowcore actual. Sus canciones tristes te llegan sin matices, la melodía que nace de la lentitud se enrabieta para como vemos en el tema que titula el disco, dejarnos un magnífico sabor de boca. 

Y es que quizás estemos ante el mejor disco de los londinenses. Te cogen de la mano y no te sueltan. "NYC", es otra agitada y concreta canción de inmediata puesta a punto de una serenidad frugal acompañada con buenos arreones de guitarras. 

Todo "Somersaults" rezuma calima, sosiego, un mar de suspiros que en temas como "Triumph", haces que te sientas incomodo en la silla, que te quieras levantar, dar una vuelta, pensar sintiendo cosas tuyas, al albur de esta banda sonora de climas interiores de susurros. 

Belleza y tristeza, tristeza y belleza. Ahora le toca a "Bella" y su abanico de pasión desaforada que da la voz a "The thing you did", otro pulso a favor de la radiación de intimidades socorridas. Cuando más se parecen a Codeine es en "Wrong to suffer", colisión de aristas internas, letanías en manga corta, para en "Stay foerever" corear sin remilgos nubarrones y mil tormentas. 

Buenos estos Deathcrash, un buen motivo para desempolvar tus viejos vinilos de Codeine. Desde la calma total hacia cielos imposibles. 

MOONSHAKE. "The sound your eyes can follow" (1994)

 

La banda inglesa Moonshake formó parte de esa primera andanada de bandas de post rock (Labradford, Tortoise, Laika, Pram entre otros), que pusieron patas arriba la escena musical a principio delos 90. A mi modo de ver el post rock, se les queda corto al grupo de David Callahan. 

Lo suyo eran collages nerviosos donde el saxo se divertía ("Your last friend in this town"), en una continua serenata de ritmos rotos como vemos en la impactante e inicial "Joker John".  Dieron el pelotazo con el primer disco, el mejor de sus cinco trabajos, "Eva Luna", (1992), y este, su tercer disco es el más experimental de todos, con gozadas como "Just a working girl". 

Escuchando ahora este "The sound your eyes can follow", puedes ver con bastante claridad, los movimientos británicos actuales en la vertiente post punk. Estoy seguro que las bandas de la islas se han aprendido este lp de memoria (Squid, The Murder Capital, Yard Act).

Lo de Moonshake es una auténtica coctelera rítmica ("Ghosts of good intention"), repleta de un art rock donde los vientos juegan un papel fundamental ("We're making war"). Mi favorita, la casi punk "Shadows of tall buildings" y su descontrol volcán que es imposible que te deje indiferente. 

Para terminar, una soplo de casi jazz con "Into deep neutral". Vaya lujo. Lo dicho, este grupo hay que recuperarlo si o si. Verdadera premonición musical de lo que vino después. 

THE TWILIGHT SAD. "It's the long goddbye" (2026)

 

La espera ha merecido la pena. Después de siete años en barbecho, los escoceses The Twiligh Sad sacan un portentoso trabajo, rodeado de grandes músicos, (el inicio brutal con "Get away from it tall", la más feroz del disco, cuenta con la colaboración de Alex MacKay de Mogwai.), y donde nos demuestran que son unas de las mejores bandas de post punk del momento. 

Tristeza, épica, guitarras saturadas, se ven acompañadas también de cierto aire cold wave, que sienta de maravilla al grupo de James Graham, junto a esa forma tan suya de cantar,("Designed to lose") que fue una de las cosas por las que todos los trabajos de The Twilight Sad hayan aparecido por Discos Pensados, todos ellos con nota alta. 

"Attempt a crash landing" es puro 80. Vaya teclados, para regocijo, para nosotros, los disfrutones del post punk, los que vemos en lo negro la luz y la esperanza. La tensión que crean te atrapa. Al disco hay que darle escuchas. A la primera no entra de golpe, pero poco a poco va llenando espacio en el ambiente, va creando balsas de luces emotivas. 

Lo grande aparece cuando escuchas "Waiting for the phone call" y nos encontramos la primera de las tres colaboraciones de Robert Smith, que a la guitarra, se muestra audaz, en una pieza electrónica desaforada. No me extraña que les lleve de gira el bueno de Robert. Parecen herederos a su manera de ese legado tan especial de The Cure. 

Piano y suavidad en "The Ceiling underground" para tranquilizar un poco este vaivén frenético, que da paso a "Dead Flowers" , donde de nuevo Smiths entra en escena para colapsarnos a todos. "Chest wound to the chest", viene a reafirmar que lo de Twilight Sad no es ninguna broma, que lo que ya escuchamos en sus anteriores trabajos significa que lo suyo no es un farol. Un grupo este que no hay que perdérselo. 

LOW. "Secret name" (1999)

 

Seguimos con la dulce y gozosa tarea de traer a Discos Pensados discos de mis amados Low. Esta semana el encantamiento nos viene del que fuera su cuarto lp "Secret name", que contó con Steve Albini en la producción. Qué mas se puede pedir para hacer de la tristeza un abrigo de esperanza. 

Escuchas "Two-steps" y sientes a la desaparecida Mimi Parker cantar entre adelfas premonitorias de extrañas angustias, y sientes que todo tu cuerpo tiembla, que se para el tiempo, que tu mente y tu corazón necesita un descanso para evaluar tanta belleza. 

Podría escribir horas y horas sobre lo que me produce la escucha de la música de Low. Me genera automatismo que amplifican la ya de por si querencia mía por soledades impetuosas, por guerras internas provocadas por gritos silenciosos ("Weight of water"). 

Luego "Missouri" y ese dueto tan característico entre Alan y Mimi, y parece que de golpe todas las tormentas del mundo organizasen una velada de boxeo con tu corazón henchido de pena y de viajes remotos a islas siempre abandonadas. 

En "Don't understand" se parecen a Swans,  y en "Immune" desprenden esa levedad maravillosa que ha hecho de ellos los amos del slowcore. Es imposible resistirse a este tipo de sonidos, edificantes, contemplativos, repletos de molinillos de viento de ternura. 

Y en la parte ya final, cuando suena "Will the night" y "Home" resulta que te miras en el espejo del baño, y te aparecen pequeñas sombras de lágrimas bajo los ojos, tenencia ilícita de dolor en una cara que se desencaja con la evocación que provoca la música de estos seráficos seres. 

No me canso de oírles, de pertrechar fechorías de palabras al albur de esa secuencia musical que despide estas flores en un jarro repleto de ebrio liquido sanador. 

MIST. "Bye bye" (2015)

 

Vaya elegancia que transmitían esta banda holandesa de indie pop, comandado por Rick Treffers. El nombre (niebla) viene bien a lo que nos regalaron en sus seis discos repletos de delicadeza, artesanía pop (como suena "Weightless"), aristas de una cortesía sonora brutal. 

"Bye bye", el que fuera su segundo disco se abre en plan majestuoso con el tema que titula el trabajo, y a partir de este comienzo, todo transcurre por caminos donde a veces como en "Only for a moment" se aceleran algo en una especie de pop electrónico, para en "Slow man", continuar por la senda de una calma maravillosa. 

"How to drain the swamp?" es otra reliquia sonora que vale para atardeceres con sombras, para confeccionar ramos de orquídeas mientras te sube la tensión del cariño. "Heart surgery" es otro pétalo rendido en un paseo entre palabras perdidas que jamás encontrarán el destino de un afecto añorado. 

"Relapse in time" es otra de las gemas de este arcón de melodías con sabor a otoño todas ellas, confabuladas con atardeceres con síntoma de pestañeo del corazón. Todo "Bye Bye" es un laberinto de suspiros, un puzzle de cartas mandadas al azar para sumergirnos con pasión  en el entramado de un grupo que jamás dio un paso en falso. 

TROPICAL FUCK STORM. "Fairyland codex" (2025)

 

El inicio de "Fairyland codex", el último trabajo de los australianos Tropical Fuck Storm, no podía ser mejor: "Irukandji syndrome" y su iracundo sonido, donde los ex-The Drones, Gareth Liddiard y Fiona Kitschin, se nos meten en el bolsillo de una manera inmediata. 

El sonido de Tropical Fuck Storm, como en sus anteriores discos, siguen siendo ese volcán descacharrado, conviviendo siempre con el caos, pero donde hay tiempo como en "Stepping on a rake", de los mejores temas de su carrera, para una delicadeza que apabulla. Extraordinaria. 

"Teeth marché" es otra de esas joyas con sonido despampanente, como si asistiéremos a una revisión orate de B-52'S. Me encanta estos nuevos registros de los Tropical, cuando como en la que titula el lp se mueven en pasajes donde reina una calma que adormece. 

El video que acompaña "Dunning kruger's loser cruiser", define a la perfección la valentía y el sonido tan particular de un grupo que ya ha puesto su pica en nuestro corazón tan necesitado de cosas como esta. 

Y luego para terminar este viaje tan brutal, "Moscovium", con sus continuos subes y bajas, la mejor forma de acabar un disco de esos que engancha desde la primera escucha. Y es que los TFS, son muy grandes. 

MENDELSON. "Quelque part" (2000)

 

Mendelson ha sido uno de los grupos más importantes de la escena independiente francesa. Discos como este "Quelque part", lo confirman. Comandados por Pascal Bouaziz, supieron llenarnos de zozobra, de guitarras que dan pena, de saxos que viven en continua depresión ("Le brouillard"). 

La música de Mendelson siempre incomoda, siempre transpira riesgo y una voluntad de transgresión continua, como vemos en la que titula el cd, lenta, cadenciosa, con Pascal como siempre recitando y que da paso a "Katherine Hepburn", otra joya decadente, poblado de minutos para la conmoción. 

Tristeza infinita en unos temas que como "Pinto" son pinceladas evocadoras de una nostalgia por venir, con cirros caídos en desgracia que se empeñan en dibujar en el cielo mustias postales para seducir a la noche.

Siempre he disfrutado de Mendelson, siempre he gozado de esa arritmia provocadora de suspense y noche de tensión alta. "Quelque part" también contiene la para mi mejor canción de su discografía, "Monsiuer", incendiario paseo electrico y que te desborda, con un saxo desquiciado que entre susurros de atrapa y te hace soñar delirios. Vaya canción. 

"Une vie tranquille" viene a decirnos adios, como diciendo que a pesar de todos los dramas, de las disidencias del existir, hay la posibilidad de cerrarlos ojos y volar tranquilo hacia espacios tranquilos donde abunde la cordura. Mendelson, si no los tiene en tu agenda, apuntalo sin perder el tiempo. Un auténtico torbellino. 

LOU REED. "Set the twilight reeling" (1996)

 

"Set the twilight reeling", el que fuera disco número 17 del gran Lou Reed, fue un trabajo que el músico de New York, dedicó a la que fuera luego su esposa, Laurie Anderson, y empieza de la mejor manera posible con la eléctrica y efectiva "Egg cream". 

La verdad nunca entendí que este lp fuera considerado como una obra menor de Lou. Aquí no hay desperdicio, no hay sobrantes, ni temas que no aporten  garantías de lo que fue toda su carrera: brillantez, emoción, siempre las cosas bien hechas. Hasta contiene una de las mejores canciones que grabó en su carrera, la espectacular "NYC  man".

"Finish line" fue un tema dedicado al que fuera su socio de correrías en la Velvet Underground, Sterling Morrison,  fallecido el año anterior, y  en "Trade in" vuelve a los aires más tranquilos y sosegados de "NYC man". Y es que Lou siempre fue un todo terreno. "Hang on to your emotions" es una vacilada, y "Hooky wooky" es la clásica tonada de Lou. 

"The proposition", es otra de esas piezas características de Reed, para terminar el trabajo por todo lo grande con la que titula el trabajo, la que escenifica a las claras toda la valía de un artista ya inmortal con un legado que perdurará siempre. 

THE NAMES. "Encore!" (2025)

 The Names se formaron en Bruselas a finales de los 70, sacaron  un discazo en el año 1982, "Swimming", y tuvimos que esperar hasta el 2009, para llenarnos de nuevo con su post punk vintage, con sus teclados resultados en el muy interesante "Monster next door". 

De gran noticia fue la aparición el año pasado de su cuarto, que empieza por todo lo grande con una especie de himno coldwave, "Last train from nowhere". Un puntazo. Como "Procrastination" donde el grupo de Michel Sordinia se lo pasa a lo grande mirando por el retrovisor de un pasado lleno de oscuridades benditas. 

Y es que un grupo que militó en el sello Factory hogar de Joy Division, siempre tendrá cosas que decir. Y todas ellas buenas. Como "Touch, touch, touch" y ese aire a Magazine que te engancha de manera inmediata.

"Encore!" esta repleto de canciones que se desperezan a base de teclados envolventes ("Apophenia"), o gemas melódicas de esas de enganchón inmediato ("Sunny side"). Mi favorita, "Swimming with Brian Jones", con sus mordiscos de distorsión radiante. 

"Mort d'Amour" es puro romanticismo repleto de susurros que perforan el corazón. Así hasta que acaba este viaje con "Laudanum", la mejor manera de mediante al cloroformo musical quedarnos extasiados por este viaje al pasado tan fructífero y elegante. 

LOW. "Long division" (1995)

 Este mismo mes aparecía por el blog la crítica de "The curtain hits the cast", el que fuera el tercer disco de una de mis grandes debilidades, estos Low, que tanto bien han hecho para esta Venecia de sentimientos que es el slowcore vertiente aflicción.

"Long Division", su segundo trabajo, redunda en todo lo que se puede decir de una producción de Low: desde que suena "Violence", austeridad, sensibilidad a raudales, estados sobrecogedores de conciencia que te deja rendido, al albur de una amalgama de sonidos para temblar. 

¿Quién se puede resistir a canciones como "Below & above" y esa caligrafía íntima? ¿O a ese rugido silencioso que es "Shame"? Banda siempre perfecta para tus intimidades abordo de un mercante a deriva, con restos de ayeres descompuestos, mientras las gaviotas volando arañan el silencio con su agresivos vuelos invasores ("Throw out the line").

Low evoca, Mimi y Alan, Alan y Mimi, reparten la barajas con las cartas manchadas de un hollín de derrota, componen alrededor de una fogata donde nacen historias de amores que nunca pudieron ser, de besos robados en la trinchera del dolor, de abandonos que saben a deshojar margaritas un día de tormenta ("Swingin'"). 

Por eso los amo tanto. Sirven de perfecta banda sonora para mis pensares aciagos, para mis reflexiones a pie de una urna donde se guardan los restos de ese juventud tan lejana ("See-through"). Hasta cuando se ponen más minimales y heladores, como en "Turn", ofrecen suficientes motivos para que tengamos sueños con ellos. 

"Stay" es otro de esos restos de naufragios que llegan a la arena de la playa cuando menos te lo esperas, un tonada fúnebre para respirar hacia dentro. Cuánta belleza. Cuánto dolor. Eternos Low.  Qué pena que se nos fuera Mimi. Queda para la eternidad su voz y sus canciones tan necesarias. 

MEDICINE. "The buried life" (1993)

 Qué pedazo de banda eran Medicine. Hijos de los 90, fueron uno de esos grandes grupos que nos quedaron en nuestra retina auditiva, en esos maravillosos años.  Shoegazing desde Los Angeles, que en este el que fuera su segundo disco, se disfruta de principio a fin, como vemos en la inicial  y descampanante "The pink" y su continuación con "Babydoll". 

Mucha distorsión, mucha melodía, muchas aristas donde perdernos en un bucle constante de ruido y melodía, el grupo comandado por Brad Larner y con la voz de Julia Monreal, edificaron una vibrante carrera de shoegazing con altas dosis de feedback ("Slut"), donde es imposible sustraerse, a esa telaraña sónica que no deja noqueados desde que los escuchamos por primera vez ("She knoes evertything" es una muestra vehemente de este vendaval). 

Los conocí con su primer trabajo, "Shot forth self living" (1992),  y hasta 2022, donde sacaron "Drugs" su ultimo disco, no han parado de pergeñar auténticas excusas musicales para que amemos el shoegazing ("Something goes wrong"), donde como no, el recuerdo de Lush, Chapterhouse, Ride, y otros afiladores del género, se hace presente cuando te pares con ellos. 

El disco no tiene descanso, como vemos en "Never click", y ese galimatías de envolvente emoción que te deja sin aire o "Fried awake" y ese revoltijo saltarín de notas y más notas orates desperdigadas por el aire. 

Ya en la parte final, "I hear" y sobre todo "The earth is soft and white", no hacen más que confirmar que lo Medicine siempre fue algo serio, para tomar en consideración. No les olvidamos. 

LLOYD COLE AND THE NEGATIVES. "The Negatives" (2000)

 

Lloyd Cole & The Negatives, duró lo que duró este disco. Pero la cosa, después de tanto tiempo, mereció la pena. Siento una especial debilidad para toda la carrera post-Commotions de Lloyd Cole, siempre me pareció un gran compositor, con una gran voz, con grandes canciones. 

Este trabajo está repleto de esas gemas melódicas a las que nos tiene acostumbrados Cole. El inicio con "Past imperfect", es la mejor manera de engancharte a un sobresaliente disco, lleno de pequeños himnos para sobrellevar lo cotidiano. 

Pop de ese que se erige eterno ("Impossible girl"), canciones tremendas como "No more love songs" repletas de susurros, acariciadora y repleta de zonas de confort para el ánimo. O "What's wrong with this picture" un jolgorio para tu alegría. 

"Negative attitude", es otro plato fuerte dentro de este elenco de perfectas canciones que son perfectas para los que tantos seguimos las andanzas del bueno de Lloyd Cole. "Vin ordinaire" la llevo escuchando en bucle toda la semana, y "Tried to rock" es otra pequeña miniatura artesanal para regocijo sanar los malos días que tenemos. 

Todo este "The Negatives" esta repleto de esas esenciales maneras que siempre ha tenido Cole de ver el pop como un oficio para amanuenses delicados. Una gozada volver a Cole y no olvida su gran destreza de artista.

SHARP PINS. "Radio DDR" (2025)

 

Vitaminas de power pop para contrarrestar las alergias primaverales, de parte de este grupo comandado por Kai Slater, también músico de Lifeguard. El comienzo de "Radio DDR" te hace recordar de manera inmediata a Guided by Voces, y también por que no a tantas bandas de jungle pop que amamos. 

Nos encontramos pepinazos de pop certero de ese que se hacía en los años 60, como "Lolerei" y ese magnífico juego de voces, que se repite en "You don't live here anymore". Fulgurante y colosal. Aunque cuando más me gustan es cuando elevan el sonido de sus amplis y juegan con nosotros al escondite ("If i was ever loney"). 

"Sycophant" es otra pieza delicada, orfebrería de un pop que se derrite en tus manos, balada para danzar entre hojarascas corrompidas por el efecto del hechicero calor. "When you know" es la más furiosa de este abanico de canciones que hace que el disco se vaya a la hora de duración. 

"Chasing stars" vuelve a los rincones más suaves, sin rabia ni colapsos sonoros. Bella y radiante que da paso a otro pelotazo de feedback con "Is it better". Así se va desarrollando un trabajo que siempre con subes y bajas continuos, donde los mayores aciertos están en los temas donde los encontramos más inflamados, aunque el resto, participa de esa sensación general de que mirar hacia atrás con buenas ideas, es un acierto siempre a destacar ("Storma Lee"). 

MCENROE. "Las orillas" (2012)

 

Siempre me gustaron McEnroe. Me parecieron  (a su manera claro esta), unos familiares cercanos de Migala siempre, quizás más introspectivos, más relatadores de vivencias diarias donde el dolor, la ausencia, el recuerdo, dejan un poso profundo en el ser. 

En este, el que fuera su tercer disco, no pueden empezar más efectivos, con la retadora y sublime "La Palma", lenta, pausada, repleta de suspiros evocadores y con un final casi de estruendo y distorsión.  Prima en el trabajo del grupo de Getxo, la delicadeza, la tranquilidad ("Agosto del 94"), con la voz de Ricardo Lezón como arma para dejarnos seducir. 

En "Vistahermosa" una ruptura amorosa es el objeto de unos minutos largos de emoción, post rock anzuelo de jardines floridos, palabras y más palabras de tristeza. En "La cara noroeste" nos encontramos con la versión más pop de McEnroe, suave, himno de sonrisas gastadas, febril celebración de los días de aplausos y alivio. 

"Las mareas" es otra celebración de la calma, de la aceptación de las cosas tal como son, de que hay ocasiones que es mejor resignarse antes que caer en una cascada de depresión. Mi preferida, casi al final, "En mayo", como un rayo desgarrador de distorsión. 

Buen grupo McEnroe, otoñal y capaces de repartir entradas para un festival de sentimientos a flor de piel. Buenos hacedores de canciones íntimas y pequeñas. 

GUIDED BY VOICES. "Thick rich and delicious" (2025)

 Antes de la edición del que es el disco número 42 en la carrera de Guided by Voices, se escuchaban voces en los mentideros anunciando la posible separación del grupo de Pollard, después de este disco. Que les den a todos. Los Guided siguen más vivos que nunca, con varios singles que anuncian disco próximamente. 

Este "Thick rick and delicious" es tan delicioso como el titulo del lp, con melodías superlativas solo al alcance de algunos portentados como cuando escuchamos  la vibrante "(You can't go back to) Oxford Talawanda".

La creatividad de Robert sigue rallando de una manera sobresaliente, regalándonos un trabajo que en nada desentona con sus últimos lanzamientos, donde es imposible aburrirse con cosas como "Phantasmagoric upstars" o esa delicia llamada "Lucy's wolrd".

"Our man Syracuse" es otro pildorazo de power pop radioactivo, distorsión a raudales, estribillos que se te clavan, nostalgia vencida por ese afán de Pollard de no parar en esa producción de locos que tiene. "Xeno urban" es otro atronadora fogata en medio de los 90 donde acudir para sacar nuestra melancolía a pasear. 

Y querían jubilar al bueno de Robert. No le queda cuerda todavía. Tan sólo escuchando "A tribute to Beatle Bob" te das cuenta que lo de Guided By Voices sigue siendo un monumento contra el paso del tiempo.

Temas de dos minutos, algunos de tres y medio, como siguen siendo norma de la casa. Aquí no hay tiempo para el aburrimiento, esto no para ("The lighthouse resurrection"), y cuando llegamos al final con "Captain Kangaroo won the war", no tienes mas remedio que volver a empezar a escuchar el disco. Eternos e inmortales!!!!!!!!!!!!!

MARK EITZEL. "60 watt silver lining" (1996)

 

Siempre he tenido una especial debilidad por Mark Eitzel. En los 90 con su banda American Music Club, puso su dosis de tristeza y de canciones siempre redondas, a una época donde lo que predominaba eran la distorsión, el bello ruido, los paseos salvajes por el conocimiento de tantas bandas que nos conmocionaron. 

Tanto con su banda, como en solitario, no me he perdido ninguno de sus proyectos, y este "60 watt silver lining" le tengo un especial cariño, quizás por el acompañamiento musical que tiene de músicos de sesión de jazz, que hace que el sonido que conocemos de Mark,  ("Sacred heart" podría estar en cualquier disco suyo), se vea acompañado de otras sonoridades todas ellas radiantes. 

Temas como "Always turn away" con el piano como principal guía en este transito por la delicadeza, o "Saved" y ese aire música que se escucha en club nocturnos donde van a parar los que corren por las noches a lomos de su tristeza, hacen que "60 watt silver lining" sea un disco muy especial en la discografía de Mark. 

En "Cleopatra Jones" es la trompeta la que manda, y en "Wild sea" te puedes imaginar a Eitzel en el barco de portada del álbum, regodeándose en el silencio, recordando viejos disgustos, o preparando canciones para sus próximos proyectos. 

Y es que queda tan lejano 1996. Pero "Aspirin" suena inmortal, como "Some bartenders have the gift of pardon", y esa llamada al ocaso, a la rendición por fatiga, a los murmullos noctámbulos programados para mantenerte siempre alerta ante los vaivenes de la vida. 

"Everything is beautiful" termina este paseo por la zona más intimas de Mark. Un regalo "60 watt silver lining", para días nublados o tardes repletas de melancolía. 

LES SAVY FORTH. "Go forth" (2001)

 

El tercer disco de la banda de Providence de post hardcore, es el que ejerce de puente entre sus primeros trabajos más escorados a sonidos cercanos a Fugazi, para terminar en un punto donde se une la rabia, y ciertos matices que los acercan al indie rock. 

"Go forth" empieza con dos singles seguro de éxito instantáneo, ("Tragic monsters" y "Reprobate's resume"), donde el poderío vocal de su cantante Tim Harrington,  tiran del carro de un grupo que hasta se acerca a una especie de post punk funk en "Crarwling can be beautiful". 

En "Disco drive" ya no encontramos la furia de antaño, convertidos ya en algo más asequible, no perdiendo interés, pero si algo de esas fuerza que nos embaucó en sus comienzos. Temas cortos con pegada, como "Daily dares", juntos a pequeños hits melódicos de esos que se degustan con placer pero también se olvidan al rato ("One to three"). 

Con Les Savy Favy me pasa que en su día cuando los conocí si que me engatusaron con ese juego entre rapidez instrumental y un enfoque indie del post hardcore que les hacía divertidos. Ahora ya me sorprenden menos, a pesar de que "Go forth" contengan buenos temas  ("Pills" es una bomba), otras tracks como "No sleeves" o "Bloom on demand", muestran las costuras evidentes de un género, el post hardcore, que como pasó en su día al post rock, no ha envejecido bien. 

LOW. "The curtain hits the cast" (1996)

 

Nadie como ellos para dibujar la tristeza. Para pintar en una paleta colores grises de melancolía con alguna lágrima pasada de hondura, descargando aguaceros en tu sentir, cuando te sientas en casa, das al play y suenan cosas como "Anon", el inicio de este viaje que te desborda a base de ramalazos de lluvia fina. 

Siempre tendremos tiempo para recordar a la desaparecida y añorada Mimi Parker, que junto a Alan Sparhawk, su pareja, nos llenaron de pesadumbre, de emoción, con una discografía que los posiciona en lo más alto del slowcore, este estilo basado en la lentitud, en programar visiones de espacios catárticos de silencio. 

En este, el que fuera su tercer disco, tenemos joyas inmortales del calibre de "The plan", que suenan una y otra vez cuando tienes querencia de soledades salvíficas. Low tenían la facultad de sobrecogerte ("Over the ocean"), y tu no tenías más remedio que secarte las lágrimas cuando entra de sopetón el aire frío en tu alma ("Mom says"). 

Qué dulzura desprende la voz de Mimi en temas como "Coattails", con ese ritmo sincopado, seco, minimal y perfecta representación de un slowcore bañado con el sudor de los recuerdos. La hora que dura "The curtain hits the cast" es un vaivén de magia que te envuelve, donde esta definido a la perfección todo el ideario de un grupo que supo hacer algo que solo esta destinado a los grandes: tener una voz propia reconocible, marcar época, llegarnos al corazón ("Laugh").

Los catorce minutos de "Do you know how to waltz", experimental y extrema, repleta de miedos, pone el punto más alto de un trabajo que como todos los de Low no te deja indemne, te retuerce, te hace disolverte en una pasión desaforada por los espacios del ser donde habitan lo trágico, lo efímero, lo bello. Grandes siempre Low. 

YOUNG WIDOWS. "Power sucker" (2025)

 

La propuesta de Young Widow, me deja tras bastantes escuchas algo frío. Llevaban 11 años sin sacar disco, desde "Easy pain", y siguen en ese lugar donde se une el noise rock y el posthardcore como vemos en la inicial "The Darkest side", que asi de primeras, te hace esperar grandes cosas en el álbum. 

Y el caso es que después viene la mejor del lote, "Every bone", con ese estribillo que se te queda al instante, y dices, joder, parece que esto va a flipar. Pero cuando te metes de lleno en el álbum, con "Call bushit", te das cuenta que la cosa empieza  a ser algo reiterativa. 

Si, la verdad es que no será por pegada, que la tienen, pero escuchas "Exit slowly" y suena algo a mazacote, piruetas sónicas que como "Power sucker" o "Balloon", te dejan poco contento. Esperaba algo más de los que en su día fabricaron cosas como "Old wounds" (2008). 

Deberían por los menor haber introducido más matices, no caminar a marcha martillo con temas como "Turned out alright", casi bordeando el metal. En fin, una pena. disco para olvidar. 

MAN ON MAN. "Provincetown" (2003)

 Roddy Bottum (ex-Faith No More, también estuvo en Imperial Teen entre otros) y su pareja, Joey Holman, empezaron a pergeñar el proyecto Man On Man, durante la pandemia, donde ya esbozaron lo que en este segundo trabajo, es una realidad: lo suyo no es una broma. 

Reivindicativos siempre contra la discriminación sexual, "Provincetown" es un disco de indie rock con diferentes ropajes, como el bailarín inicio electro de "Take it from me", para en "Showgirls" pasar ya las guitarras a ser las culpables de que este disco funcione tan bien. 

"I feel good" es un grito para no parar de danzar jamás, para que viva el hedonismo, para gozar de la vida sin malditas cortapisas. "Haute couture" y "Peggy" son otros dos canciones de esas que funcionan como hits tranquilos para vivir rebosando felicidad. 

"Feelings" es otra golosina pop que da paso a la ruidosa "Gloryhole", distorsión a raudales, himno que  desborda, grito para luchar contra los homófobos, en este mundo que vivimos tan llenos de mentes obtusas y rancias. 

Lo mejor, para el final, con "Hush" y la colaboración de J.Mascis,  la mejor manera de terminar un disco plenamente disfrutable.