Con este disco empezó la maravillosa historia de Superchunk. Y con ese pedazo de himno llamado "Sick to move", da el pistoletazo el trabajo más aguerrido y punk de la banda comandada por Mac McCaughan y de la que no me he perdido ninguno de sus trabajos.
Años 90. Tenía que ser en esa época dorada donde nacieran cosas como "My noise", rabia, incontención, fuego a raudales de un grupo que nunca dio un paso en falso. Hasta los trabajos recientes, ya más moderados, conservan esa gracia que desde principio les ha acompañado.
Que decir de esa descarga llamada "Let it go", surgida de la estela de Husker Du, o "Slow" con esa melodía de entrada inmediata en tu ser, toda una jugada perfecta para tu goce y el cuidado de tus recuerdos. Después viene una de los hitos más importantes de su carrera, "Slack motherfucker", un torbellino que atruena, vehemente y brutal.
Todo este disco homónimo esta cargado de una brutal energía, temas como "Half a life", o "No tomorrow", vienen a confirmar que se estaba gestando el inicio de algo grande. Y vaya que lo fue. Admirables siempre Superchunk, una autentica debilidad.
De Irlanda Gurriers nos trae su malestar, su propuesta de post punk aguerridos, otro grupo más que se apunta a la fiesta de esta nueva ola de bandas que tiene tanto que decir, que nos invita a la insurrección a base de ritmos tan dislocados como "Party lines" o la inicial que titula el lp.
La verdad es que esperaba algo más de ellos de todas formas después de escuchar ese inflamable "Shades". Pudiendo elegir me quedo con lo último de Westside Cowboy, pero he de reconocer que Gurriers tienen fundamentos para que les sigamos muy de cerca.
En "Pins" bajan la nota general. Es como si lo hubiéramos escuchado muchas veces, y "Today is not enough" suena a su manera peligrosamente a Idles. Menos mal que la cosa resurge con brutalidades como "Drones", donde aquí si, dan todo lo que tienen, para hacerse un hueco entre tanta cantidad de bandas que aparecen por doquier.
"Nothing happens twice", también comparte ese arreón de distorsión que tan bien les sienta, para en "Waiting for fisher" acercarse al punk. "Crybaby" es la más relejada de todo el disco y también la más floja.
Al final te quedas con una sensación de que la cosa podía haber ido algo mejor. Esperaremos sus futuros trabajos para ver que pasa.
Sin duda que cuando hagamos los resúmenes de lo mejor del año, Westside Cowboy ocuparán una posición privilegiada. Este primer disco de estos pipiolos de Manchester es una explosión de tonalidades, de guitarras urgentes, de melodías incandescentes.
Nada más empezar el álbum te topas con "Kick stones (the boys)", y te preguntas que cojones es esto tan maravilloso. Bueno, pues espera por que después viene "Paperchains", un arreón de esos donde la electricidad es una fuente inagotable de placer.
Ahora que grupos como Black Country New Road se han convertido en un mal chiste para olvidar y desdeñar, aparecen Westside Cowboy, para que sigamos confiando en la juventud y en los primeros discos de bandas nuevas, para afrontar con optimismo el estado actual de la música independiente ("Dobro").
Que unos jovenzuelos como estos puedan fabricar canciones del calibre de "Well done kid, you did it", dice mucho del futuro que viene si la cosa no se tuerce como con otros (quizás en demasiados). ¿Y que me decís de "Worried age" ? Un aullido de indie rock con destellos y rastro de los 90. Vaya canción!!!!!!!!
La cosa se relaja algo con "Big wheels", para a continuación aparecer el pelotazo del disco, "Pin up boys". Pedazo viaje al pasado, a una época donde las guitarras ardían, donde desde el árbol troncal del indie rock degustamos tantas frutas prodigiosas. Cuánta melancolía.....
"Coyote" es otra estampida para disfrutar a todo volumen, para finalizar con la excitante "You have died..." donde resumen toda fuerza y futuro que poseen. Lo dicho, va para uno de los discos del año.
La verdad es que ya no se hace música como en los 90. Es impensable que nos encontremos en la actualidad con cosas como la que nos ofreció este grupo de Chicago, afincados en el afamado sello Touch and Go.
"The problem with me", su segundo trabajo, desde que empieza a sonar ese torrente de electricidad contenida que es "Bunch" es un ejemplo de los puentes que existieron entre el indie rock y el slowcore. Su música siempre estuvo repleta de espasmos tristes, pero no se cortaban cuando querían hacer de la furia una seña de identidad.
Hasta en temas como "Road to Madrid", se acercan al emocore, pero lo de Seam fue siempre otra cosa. Se te pone la piel de gallina con "Stage 2000", con ese toque enigmático que todo lo envuelve, con ese ritmo que poco a poco se va enfadando en una colosal y activa gama de colores sónicos.
"Sweet pea" es otra dentellada, otro slogans para escuchar sin detenerte, una jauría sónica de que da paso a "Dust and turpetine" otra de las joyas de un disco que es un convite de delicada distorsión. "The wild cat" casi en la recta final, resume a la perfección los valores de una banda que nunca nos defraudó.
Stuck vienen de Chicago, y este fue su primer trabajo, un compendio de noise rabioso con aristas de post hardcore. Y la verdad es que la jugada les sale bien desde el inicio con "Ceiling" y ese aire a Pile a su manera, o esa brutalidad sónica llamada "Invisible wall".
Se nota que han escuchado mucho a los amos de todo este cotarro, los inolvidables Shellac ("Era"), pero Stuck ponen su grano de arena para definirse de una manera valiente, con una buen puñado de disparos al aire que no dejan títere sin cabeza ("Dimed").
"Bug song" promete darnos un buen puñado de sensaciones repletas de seísmos y paradas que conllevan una buena colección de minutos de detonación pausada. Airados, aguerridos, pero con suficiente personalidad para parar de golpe su acometida y especular con destreza sobre las alfombras del noise ("Plank II").
La que titula el lp, es la más redonda, la que te deja seducido por ese organizado caos que es puro frenesí. Y en "Wrong quiestion" se escoran al punk en un festival organizado de rabia. "Anniversary" casi al final, escenifica todo el desarrollo musical de una banda repleta de interesantes aristas.
Un grupo de un solo disco. Para que más. Bajo Springtime nos encontramos ni más ni menos que con Gareth Liddiard de The Drones y Tropicañ Fuck Storm, Jim White, de Dirty Three, y Chris Abrahams, de The Necks. Desde Australia y con mucho amor.
Una brutalidad la conjugación de fuerzas de estos tres pedazos de músicos, que desde que suena la impactante "Will to power", dejan claro que lo de juntarse era para hacer algo serio. Y la verdad es que es un disco que deja sin respiración.
Cuanto te pones "The Viaduct love suicide", con ese drama que te deja rendido, con una tristeza que es universal, que agoniza mientras el piano se pierde en un puente donde se ve los que se fueron por un suicidio largamente anunciado.
La experimental "Jeanie in a bottle" es hipnótica y desbordante, y "She moved through the fair", siempre con la poderosa voz de Gareth como timón de este viaje, escenifica a la perfección el buen rollo entre los músicos, la perfecta conexión para crear un clima lleno de misterio.
"The island" es magnética y descacharrante, y el final con "The killing of the village idiot", es la mejor manera de viajar a Australia con los ojos cerrando misterios. Gran trabajo este que no hay que perderse.
Podríamos intercalar la carrera en solitario de Robert Pollard, con la de su grupo, Guided By Voices, y nos daría prácticamente igual, por que los que hemos seguido la carreras de Pollard, siempre nos va a tener comiendo de su mano.
Es admirable la capacidad que tiene de construir melodías, de edificar canciones de esas siempre redondas, con un halo de misterio, con una mixtura entre pop, el indie rock, con distorsiones siempre queridas ("Whispering whip").
En este su sexto disco en solitario nos encontramos con hits de esos de toda la vida como "Boxing about", junto a una colección inacabable de temas de esos que nos harán felicitar estar vivos ("Serious bird woman").
Para este disco el prolífico Pollard escribió la cantidad de 47 canciones, para quedarse al final con las 16 que componen este trabajo. Así es él. Una creador total ("Get a face full"). Te lo pasas bomba con temas como "I feel gone again", y "Gasoline ragtime" nos comunica que el proceso de hacedor de canciones es inagotable en este músico.
"Pegasus glue factory" y "Join the eagles" son otras de las gemas de un disco de esos redondos, como todas su extensa biografía. Todo un placer.
Junto con Camellos son una de las propuestas más divertidas e insolentes que han salido por aquí hace tiempo. En este su cuarto disco, la banda de Javier Ferrara y sus chicos desde que empieza el disco con "Intro", no dejan de sorprendernos, dando un paso más en su evolución musical.
Más melódicos e igual de irreverentes, como "Esto que vivimos" o "Aftersun", donde el desamor se junta con las obsesiones de siempre de un grupo que la verdad es imposible aburrirte con ellos. "Mi peña" y su electro vacilón donde no dejan títere con cabeza, todo un pasote. Como "Rizo de gitana" y su humor lúcido y cordial.
No hacen nada nuevo, pero su música esta bien como entretenimiento. La que más me gusta es "Tonto", donde no dejan títere con cabeza, y que suscribo cada nombre que aparece. Hay tanto mierda que nos jode la vida. Ojala se pudran.
"Todos los madrileños" esta más actual que nunca, con la vulgar y lela presidenta y el retaco de alcalde, haciendo de esta ciudad donde habito un sitio cada vez más inhabitable. Es imposible no enfermar con tantas cosas como están pasando.
"Tuk Tuk por Lavapies" y "Ya no volverán", bajan algo la nota buena en general para terminar con "Ya no volverán", tiempo lento para finalizar un trabajo curioso y divertido.
Maravilloso. Este segundo disco de esta fabulosa banda de ensueño que fue Rachel's, dedicado a la vida y obra del pintor Egon Schiele, es desde que se inicia con "Family portrait" un viaje hacia el neoclasicismo, hacia un mundo de cuerdas que te sumergen en una especie de paz interior donde se alejan todos los malos barruntos del mundo.
Enmarcados en la primera ola de grupos de post-rock, cuando digamos que se genero el estilo, el grupo norteamericano siempre supo acicalarnos con trabajos medido y tranquilos, con temas como "Egon & Gertie", o cosas tan apabullantes como "First self-portrait series", donde el piano toma el protagonismo en una estampida de silencios que te sojuzgan.
Rachel Grimes, es la culpable que te queden sin palabras cuando en tu reproductor suenen cosas como "Mime van osen", o ese "Second self-portrait series", que son una delicia para compartir en tardes que avecinan melancolía.
"Promenade" se erige con un reguero de violines, y viajas en medievo con "Third self-portrait series". Luego viene esa delicia para bailar antojos llamada "Egon, edith & Wally meet" una tormenta perfecta de calma que tanto necesitas.
Tengo prácticamente toda su discografía. No bajan el nivel. Música necesaria para bajar la tensión, para degustar sin prisas. Y es que a veces viene bien bajar el pistón.
Llevábamos 15 años sin ningún disco de The Durutti Column. Y va el bueno de Viny Really, y nos regala este pedazo "Renascent" donde encontramos todo lo mejor de una banda con 50 años de existencia, y donde la guitarra de Really, sigue siendo ese motor lírico que todo lo empaña de una encantadora levedad.
73 años a sus espaldas y hace cosas como "You shadow at morning" o la inicial, "Echoes in the memory". Como no emocionarte cuando suena "Time present and time past", con esa delicadeza intrínseca en un grupo sigue guardando el frasco de las esencias de un sonido tan particular, tan detectable, para los que buscamos en esto de la música, rincones donde el esparcimiento sensorial casa con la creatividad total.
En "Agonistes" de la mano de Caaoilfhionn Rose, parece que el eco de Liz Frazer este pululando por cada segmento de canción. Y es que un tema te lleva a otro, y a otro, y no puedes más que sentir esa vaporosidad reptante ("Liars").
"Sargasso sea" también con el acompañamiento vocal de Rose, es otra gema de alto calibre emocional, que da la voz a "Scammer" donde con un poco de imaginación te puedes encontrar las influencias de Eno.
Un regreso tan inesperado como este, es una gran noticia, que merece una repetida escucha, con calma, sin mesura, por que aun hay artistas que el paso del tiempo no les impide realizar obras de enjundia, que sabemos que siempre perdurarán.
Este es un disco necesario para los que dicen que por aquí no se hacen cosas interesantes. La propuesta de este grupo madrileño es una muestra de que aun te puedes quedar sin palabras con un disco. Desde que suena la impactante "Todos bajan la colina", (vaya manera de iniciar un trabajo), con ese post punk avasallador, ruidoso, con fuego y distorsión, sabes que aquí se guarda algo interesante.
Aquí hay polvos industriales, mucha electrónica y una oscuridad que todo lo inunda. "Una flor" es una salvajada, visceral, catarsis mientras todo se llena de llamas, música muy física para indagar en la sedición.
Se cargan de himnos como "No soy un ladrón" y "Cenar de pie" donde se confabulan con la noche para sacar a relucir todo ese engranaje sónico que les hace tan atrayentes. "Ayuno y silencio" es un temblor, ruidos que amenazan, desfigurados paisajes de desdicha que da paso a "Granada FAI" revuelta punk para ponerte la piel de gallina.
Todo lo que hacen Somos la Herencia lo hacen bien. Han sabido no sucumbir a la repetición de clichés, han edificado un buen montón de secuencias sonoras todas repletas de nervio y agitación. En "Insistir en la llamada" se acercan al hip hop, y lo hacen con desparpajo y sin caer en lo fácil. Tienen las cosas muy claras, y en "Cruel elección de diseño" se escoran hacia la música industrial.
Terminamos este tour de force con "Jora" y sentimos con alegría que aún florecen flores negras con polen venenoso en este país nuestro dan dodo a aupar lo vulgar.
El grupo de Montreal ha sacado el mejor de sus tres disco, este "Cost of living adjustment" ajustando todo lo que conocimos en sus anteriores dos primeros trabajos, puliendo su sonido, fabricando melodías de esas que se te clavan en la memoria como vemos con el colosal inicio con "Forced position" y "Hedgesitting".
La verdad es que todo una gozada de principio a fin, post punk con aires arties, con una buena colección de canciones como "Fainting spells" que navegan siempre buscando el fácil acceso a tu sentir, con guitarras que emocionan, que se encrespan con cariño ("Fainting spells"), para bogar y construir dentro del post punk nuevas olas para pequeñas tímidas catarsis.
Y que decir de "Haveluck country", una de las mas reseñables de un trabajo donde no bajan de notable, y que te pide la escucha una y otra vez por su manera tan sencilla de engancharte y decirte, que sí que este es el camino. Sin inventar nada, pero siempre a lomos de una fertilidad natural.
Pedazo de composición es "Satre-torial", y que decir de "Much of a Muchness" que suena a algo parecido a lo que Strokes nunca consiguieron en su mediocre carrera. Otro hit de este disco es la radiante y efectiva "Third double", donde parecen resumir todo lo que les ha llevado hasta aqui.
Y luego la que es mi preferida, la decadente y más post punk guiños años 80 del lote, "Conflagration mindset", lírica, compuesta por los amasijos de un montón de referencias del ayer, y que es una buena manera de casi acabar este prodigioso lp. A estos Cola, no hay que perdérselos.
"Just for a day" fue el primero y sin duda el mejor grupo de esta banda de shoegazing que promovió con su propuesta un mar de sensaciones acogedoras, donde se puede atisbar las querencias musicales de una banda que tuvo a Cocteau Twins como uno de sus principales influencias ("Spanish air").
Neil Halstead y sus chicos nos sumergen en un mar de burbujas de electricidad gaseosa como vemos en "Celia's dream", donde te ves imbuido de una calma que solo necesita los segmentos musicales para sentir el golpe del vapor sobre tus sentidos.
Es una pena que poco a poco, se fueran diluyendo con el paso del tiempo. La verdad es que la vuelta que tuvieron en 2017 con su disco homónimo, desde su silencio en 1995, cuando sacaron "Pygmalion", no hizo más que confirmar que no les ha sentado bien esta segunda vida como banda.
Pero este disco es otra cosa. Aquí tienes "Catch the breeze", una de las canciones más hermosas y con más feedback de su carrera, o "Ballad of sister Sue", bonita, decadente, repletas de estalactitas del sentir. "Erik's song" fabrica almohadas sónicas para dormir y en "Waves" se revisten de un tranquilidad que te embarga.
"The Sandman", casi al final, nos regala otro montón de sensaciones que son un lujo para un género, el shoegazing, que dio muy buena cosecha en esos años 90 que tanto añoramos.
Seguimos en Discos Pensados, con la Pulpmanía, desgajando su valiosa discografía, de la mano siempre de Jarvis, mentor y dulce caudillo del britpop, siempre aclamado, siempre consciente de su versatilidad, de su capacidad para hacer grandes canciones.
"Different class", su quinto trabajo, empieza fuerte con "Mis-shapes", un lujo, un torbellino, ideal para la boda que vemos en la portada del álbum. Quizás sea el disco más aclamado por la crítica y los fans, y la verdad es que razones no faltan. Esta repleto de esos hits que tantas veces hemos tarareado, junto con perlas como "Pencil skirt".
Aquí tenemos "Common people", uno de sus suculentos manjares, que ha servido para anuncios, para pelis, y sobre todo para nuestro regocijo personal. Fantasías pop como "I spy", o danzas bailarinas del tipo de "Disco 2000", no hacen más que reafirmar la solvencia de un grupo que nos ha regalado grandes momentos para el recuerdo.
Vaya pelotazo "Live bed show", y que ternura que desprende esa otra canción llamada "Something changed", enganchada estilísticamente a la chanson. En "Sorted for E's & wizz" se les intuye que han escuchado mucho a Bowie, para en "Underwear" sumergirnos en el encantamiento de Cocker. Excelente disco este "Different class", donde una vez mas Pulp tocan la tecla: nos dan de lleno en el corazón.
Que a estas altura, una banda que inició su andadura a finales de los 80, hayan grabado el que por ahora es el disco del año, dice mucho a favor del grupo comandado por J Mascis, ese eterno joven con esa voz desgastada, con esa forma de tocar la guitarra tan reconocible, y que formó parte junto a Sonic Youth y Pixies, de esa triada invencible que hicieron de los 90 ese espejo en el que tantos nos miramos.
Y es que no es una exageración decir que estamos ante uno de los grandes trabajos en la carrera de Dinosaur Jr. Supera con creces a "Sweep it into space" (2021), y se acerca bastante a la fuerza y electricidad de sus mejores discos ("Green mind", "Farm"...).
Empezar el trabajo con ese hit inmediato llamado "Several got away" es solo la mejor manera de meternos de lleno en este viaje nostálgico y real, donde hallamos gemas melódicas del calibre de "No friends", o "Everything at once" donde simplemente me quito 30 años de encima saboreando esos recuerdos que aparecen de golpe con esos punteos de Mascis, con una banda en perfecto estado de forma.
No hay tema que baje el nivel, aquí hay singles repartidos por doquier como la maravillosa "Take me with you", o ese pepinazo llamado "Blowin,up" donde como no, los rastros de Neil Young son más que evidentes.
Uno de los puntos álgidos de "There near", es "Clam along", donde resumen a la perfección todo lo importante que han sido y que son, en el devenir de la música independiente, con ese engranaje perfecto vocal, con ese radiante sol que nace en su música, medicina para nuestros corazones ya mayores, cortina de humo para satisfacer nuestra necesidad de atrapar con la manos momentos que seguro no volverán a pasar.
"Read the room" es solemne y bendecida por el arte de este gran grupo, donde hay que destacar como no el papel de Lou Barlow, indispensable para que Dinosaur Jr, sean lo que son en la actualidad. Glorioso trabajo, dejando el listón bien alto para lo que resta de año. A ver quien lo supera.
Aunque el slowcore ande últimamente de capa caída, la escucha de este grupo de Texas, te hace confiar que aun hay motivos para el renacimiento de un estilo que desde Codeine pasando por Bedhead, nos ha regalado muchos maravillosos momentos de música lenta para soñar en paz y silencio.
Tienen solo dos discos en su haber, y éste, su último largo, desde que empieza el tema que titula la aventura, te das cuenta de la validez de un trabajo, con ese guitarra que tanto nos recuerda a J.Mascis, y una música, eso si, embalsamada en una calma que te hace añorar melancolía.
"Sadie" es enternecedora, con arreones que a penas levantan el pie del acelerador, con las ideas bien claras de que lo suyo es provocarnos espacios para la introversión, para la militancia en la sedación, pero eso si, con mucho feedback.
"Untutled cowboy" es otro armazón sónico que te pone la piel de gallina, y en "Highway" nos unimos a ese aire campestre que tan bien les sienta. "God's gonna give you a million dollars", un disco para viajar entre nubes que anuncian tormentas, la vuelta del slowcore.
Estamos en el años 1981, y Martin Hannet, productor de Joy Division, decide grabar para el mítico sello Factory el que fuera el primer disco de esta banda de Lacanshire, y la verdad que atinó a la primera de cambio, desde que suena la inicial "Friendly fires", o esa catártica danza llamada "Dirty Disco".
Es evidente, eso sí, el magnetismo atrayente que supuso para Larry Cassidy y sus chicos Joy Division, ya que en cada surco de este trabajo ser puede atisbar pequeñas escenas disueltas en ácido de un post punk primigenio, oscuro, reptante y retador que nos evoca a Ian Curtis.
La instrumental "C.P." da paso a la agitadora "Loose talk", donde la mano de Hannet es más que evidente. "Melt close" es de la más brillante de un colección de canciones que reinvidican los usos de una época que hace que el post punk seminal se asiente para nuestro goce.
Si, ya se, suenan muchos a Joy Division, pero la decadencia barroca de "Hit" es otra prueba evidente del poder cautivador de Section 25. "Be brave" y "New Horizon" ponen el punto final a un viaje en el tiempo repleto de gozosos sentimientos post punks.
Cada disco que sacan es mejor que el anterior, cada conjunto de temas que componen en forma de lp me deja más feliz, más como ese adolescente que en los 90 se divertía con todo lo que salía y me hacía saciar.
Lo de Robert Pollard y sus chicos es eso. Una guía perfecta para perderte en melodías y en arreones eléctricos ("Lost in the sun" y "Out white a theory"), donde el indie rock se mece en un tobogán de sensaciones que te seducen.
"One last blow" tiene ese punto de fiereza que nunca han perdido con el paso del tiempo, y "We outlast them all", quizás la mejor del lote, es como cogerte el corazón, apretarlo, sentir que unas manos producen confort, adrenalina para el goce interno. Este es Pollard, una máquina inagotable.
Hasta en los temas más reposados como "A grand ceremonial jester" te convencen y te llenan de una dicha enorme. "Dagon's plunger" es consuelo y lucha, y en "Advance without dropping", parece que estemos empezando la década de los 90.
Y es que no me extraña que en estos casi 16 años de vida de Discos Pensados, sea el grupo que más ha salido por aquí. Por su productividad, por su calidad, por el viaje en el tiempo que nos provoca, por todo tenemos a Guided by Voices tan dentro.
"Arthur Square" es una tormenta que parece que quiere explotar y se contiene y en "Landscaping" tiene todas las razones para que los llevemos siempre cerca. Con ellos crecimos, con ellos nos hacemos viejos, con ellos todo es más fácil.....
Siempre me gustaron Sebadoh, unos digno continuadores de ese huracán que fue Dinosaur Jr. Trabajos repletos de buenas canciones, pero también de pequeñas desconstrucciones que quizás bajen algo el nivel de positivas sensaciones que provocan. "Bubble & scrape" es quizás mi preferido.
El disco se abre por todo lo grande con las poderosas "Two years two days" y "Soul and fire", de lo mejor de su carrera, puro indie rock con solvencia eléctrica y melódica. "Telecosmic alechemy" están en el grupo de temas que se mueven en estructuras rotas, alejados del concepto de canción, y es donde pierde algo de peso el resultado final.
Son 17 temas, y aquí hay verdaderos tesoros del indie rock de los 90. Como esa tristeza innata de "Happily divided", balsámica y acogedora, o la fiereza de "Sister", hija de una época que siempre estuvo a la altura de nuestras expectativas.
"Sacred attention" conserva la frescura, con su patina envolvente de hit para todas las épocas. "Elixir is zog" es de esos temas que meten siempre y que aportan poco al conjunto. Como "Emma get wild". Vuelven a levantarse por todo lo alto en "Homemade", y es que este Lou Barlow, es mucho Barlow.
A los completistas de los 90, un buen disco de Sebadoh, ayudarán a pasar sobremesas airadas, con miradas de reojo a otros tiempos siempre musicalmente mejores.
La verdad es que aun no se la razón por que se dio de lado este trabajo, dentro de la excelente biografía de Pulp. Pocas veces valorado, para mi es otra pieza más fundamental dentro de esa maquinaria perfecta que es el universo de Jarvis Cooker.
No hay nada más que empezar este que fuera su séptimo disco con "Weeds I" y "Weeds II", para darse cuenta de que todo el arte de Cooker está en su sitio, para regocijo de nosotros, pulpianos absolutistas. Scott Walker ni más ni menos se encargó de la producción del disco. Eso son palabras mayores.
Si es cierto que digamos que el trabajo tiene un aire más conceptual, pero es igual, esta lleno de temas cargados de una intensidad sobresaliente, como "The night that minnie timperley died", o ese maravilloso de single que fue "The trees", con esas cuerdas que te mecen, con ese pop total.
"Wickerman" es la más psicodélica de un lote repleto de canciones mayúsculas, para a continuación dejarnos sin palabras con la volcánica "I love life", una de las creaciones más salvajes de su carrera. "Bob lind (the only way is down)" es otro ramalazo lírico que te envuelve y atrapa.
Ya en la parte final, "Roadkill" pone el colofón a un disco (otro más) repleto de sabores sobresalientes para tu paladar.
Yo creo que ningún grupo de por aquí se ha acercado a los teatros del silencio del slowcore como los valencianos Polar. Una prodigiosa y necesaria discografía, atestigua su capacidad para llenarnos de paz, de silencios cautivos, como vemos en la inicial "Red leaves falling".
Formados en 1994, no dieron ningún paso en falso, y se mantuvieron siempre en ese lugar donde la reflexión encallaba con el pensamiento ("No chances"). "Amy says" es como encontrarnos con unos Codeine campestres, rurales. "Home" es la más eléctrica de este paseo por los lugares recónditos, casi post rock para cauterizar heridas.
"Pat Garrett & Billy The Kid" ahonda en la idea de la tristeza como campo de batalla donde rendir cuenta del acicate de las dudas que nos trae el vivir y "Understand" nos arrastra mediante la fragilidad un mundo de palabras que caen en el rellano de un pecho para que los suspiros la den forma. Que pedazo de grupo.
"Surf song" es otra estratagema entre pianos y soflamas silenciosas que viene a confirmar lo buenos que eran esta pedazo de banda.
Los hermanos gemelos Shears, parapetados bajo el nombre de The Garden, y en activo desde 2012, nos han regalado uno de las sorpresas del año, con este pedazo de bomba sónica que desde que empieza sonar con "Ugly" y "Pin drop", no puedes dejar de moverte. Te lo impide el veneno que despiden.
Punks por que les da las gana, también se acicalan con el post, y sobre todo con una frescura y un forma de componer que se hecha de menos ahora. Vaya pedazo de lp que han confeccionado, cargado de bilis hasta con esa especie de himno de rap decadente llamado "5 mile ponytail".
Los de California no se andan con chiquita. "White Cadillac" es electro venenoso, galimatías de teclados ruinosos, como "A 50's guys eyes" y sus soflamas repletas de superficies de tecnología. Pero ellos siempre fueron muy punks, "Duck and cover" es adrenalina, guitarras nerviosas, caricias de mentira.
"Eve of nothing", otro trallazo inmenso, se da la mano con "The mess",peligrosa, sedimentos de sedición y de podredumbre. Luego de golpe, te encuentras con la extraña "The kockroach", y dices, joder, estos tíos orates, no te dejan de sorprender.
La más post punk del lote, "Flailing on the tracks" brilla con su cegadora sutileza, y "Banned from paradise" vele como himno para cargarte de cervezas en tu pub favorito. Grupazo estos The Garden para los que aun no los conozcan.
Qué pedazo de banda son los australianos RBCF. Vaya sonido que tienen, que manera más brutal de recuperar los sonidos de The Church o The Feelies con una solvencia maravillosa, como nos muestran en la canción que da inicio a este, el que fuera su segundo trabajo, "The Second of the first".
"Falling thunder" tiene todo para que te alegre un mal día, un sonajero repleto de sonidos vitales, puro jangle pop promocionando el recuerdo a las viejas bandas de los 90 australianas. Y que portada. Si es que el disco tiene todo para que te encandile a la primera escucha.
Como no caer ante el fuera uno de los singles del disco, esa maravillosa y pegadiza "She's there". Como suenan. Te pones "Beautiful Steven" y no puedes más que pensar en Robert Forters y sus The Go-Between. Y es que todo lo hacen bien estos Rolling.
4 discos, cuatro perfecciones sonoras que hacen la delicia a los que nos gustan las cosas bien hechas. Para bailar sin parar mientras te tomas un coctel es "The Only one", y en "Cars in space" aceleran la máquina, en una vibrante canción de esas donde la electricidad y los juegos de voces te dejan magullado por dentro. Que buenos.
Luego te encuentras con ese vacile modélico que es "Not tonight", vamos, para tirar cohetes. Saltando de gozo en gozo. "The cool change" pone el colofón a esta fiesta. Y es que con los RBCF es imposible aburrirte.
Vaya pedazo de banda que fueron estos chavales de Brooklyn. En los cuatro discos que sacaron mostraron su capacidad para emocionarnos, para brincan con ellos, para ejecutar un poderoso indie rock, repleto de temas de esos que no pasarán al olvido, como vemos en la inicial "He'll paint while we play".
"Remember the night parties", fue su cuarto trabajo, y quizás es el más efectivo de todos, con trallazos siderales como "Please visit your national parks" un himno arrebatador, donde se intuye el legado de Mission of Burma.
En "Loser city" la referencia musical entra a la primera escucha son los Wedding Present, con esas guitarras juguetonas, con ese arrebato demoledor. Pedazo de banda. Temas todos redondos donde abunda rebeliones sónicas del tipo de "Return of Burno", una burrada de esas que te la tienes que poner una y otra vez para saciar tu sed de psicodelia.
"Lady lawyers" es otro hit instantáneo, y si te dicen que "Let's vanish" es de los primeros 90, te lo crees de puntilla. Marcha triunfal la gloriosa "Kenny can't afford" con sus vientos entre algodones de melodía y que da paso a "Molasses" y "Forgot to write" donde parece que el fantasma de Pavement se pasea mirando la cara de estos Oxford Collapse.
En resumen, de esos grupos que con el paso de los años, han cobrado importancia, sin inventar nada, pudieron cabalgar a gusto con sus guiños tan reconocibles, pero con una voz siempre bien definida.
La verdad es que esperaba algo más de este último disco de mis queridos Mono. Los japoneses parecen que han entrado en un estadio donde se mueven de forma correcta, pero parece que algo se ha perdido en el camino. Quizás ya en "OATH" ya podíamos intuir lo que nos hemos encontrado en "Snowdrop".
El caso es que suena la canción da inicio al disco, con su tranquilidad siempre necesaria, para al poco meternos en ese enjambre de ruido y silencios, pero no, la cosa no es como antes. Lo mismo es uno que con el paso de los tiempos se ha vuelto más exigente. Pero es que los Mono de hace unos años no sonaban así.
Y eso que la cosa parece que se entona con "Winter daphne", pero no. Suena los violines en "Gerbera" y no hay continuación por parte de la banda para crear un clímax que nos haga elevar del suelo. Sí, son los mismo, siempre afiliados a la calma, reteniendo ruiseñores con sus guitarras, soñando cielos siempre azules. Pero "Statice" es fallida, no nos dice nada, y "Hedera" tampoco me hace sentir lo que me hicieron notar en mi corazón cuando los escuche hace tantos años.
En febrero los tendremos por aquí. Quizás en directo puedan afinar sus mensajes, nos hagan vibrar y nos traigan sobre todo repertorio antiguo. Temas como "Shion", dicen poco de este grupo que en su día puso a su servicio a los rayos mas inclementes para devorar tensiones. Estaremos atentos.
En los 90 dentro del shoegazing había grupos que tuvieron la fortuna y el mérito de militar en la primera división (MBV, Ride, o Pale Saints, por citar algunos), y otros como estos londinenses llamados Revolver que con solo dos discos en su carrera, fueron dignos participantes del movimiento sin levantar muchos revuelo.
Les conocí por su otro trabajo, "Cold water flat", (1993), que dio pistoletazo a su carrera y este "Baby's angry" esta lleno de buenas canciones con melodías, y como no con arreones de distorsión. "Venice" y "Red all over", te enganchan a la primera escucha, y cuando te pones "Heaven sent an angel", quizás la más conocida de su carrera, te pones ya las pilas de manera inmediata. Eso es lo que esperamos de una buena banda de shoegazing, con espasmos de psicodelia.
Temas con pegada como "Drowning inside", con buenos ciclones de feedback climatizado, se juntan con espasmos del tipo de "Molasses". La música de Revolver es de expansión inmediata. Crujen los suelos cuando te encuentras con "Cherish"y su cercanía a unos Ride en pleno estado de meditación.
En "Since yesterday" tiran de épica y acaban por todo lo alto con "Don't ever leave", otra forma más de fotografiar unos años gloriosos. Y es que fueron tan buenos los 90......
Se le echa mucho en falta a Rafael Berrio. Sus palabras, sus versos, su música. Por estos lares nadie se ha acercado a lo que nos ofreció en una carrera repleta de canciones para despeñarte por noches funestas, para hermanarte con sus letras que tanto dicen de como somos los pobres humanos al albur de las mordiscos de la vida.
Tanto en Amor a traición, como Deriva, sus otros proyectos, pero sobre todo en su carrera en solitario, este vate con la garganta repleta de ruiseñores excomulgados de cantar, es todo un placer para los que amamos esto de la música, y lo que representa, más que un arte, un país repleto de sinónimos, de teatros vacíos, de surcos en la tierra donde antes había flores, y ahora solo queda podredumbre.
"Diarios" fue su segunda obra en solitario, y se abre a lo grande con "La alegría del vivir" y "En las lindes del fin". Estoy seguro que Cioran, el filósofo rumano, se pondría su música para el nacimiento de nuevos aforismos de la desgracia, de nuevas formas para denunciar esa falsa felicidad que intentan inocularnos para olvidarnos que después de un camino sin retorno, es imposible la vuelta, ni la redención.
Siempre que le escucho se me pone la piel de gallina. Y con el paso del tiempo, con la juventud como un cuento que algún mercader venció al mejor postor, te das cuenta que sus palabras tienen aun más presencia, más validez.
En "Las pequeña cosas" nos dice que es imposible estar feliz con las cosas que no pueden suplantar el vacío que anida en nuestro ser. Madre mía. Y todo musicado en un fondo de instrumentos de vientos, para que la voz de Rafael siga volando etérea hacia nuestra alma siamesa de todo lo que nos dice su excelsa poesía.
Siembre fue nuestro Jacques Brel, un dandy bohemio que desde la barra de un bar que nunca cerraba, se miraba al espejo, su despeinado cabello, sus ojos cansados, la sombra de la enfermedad que acabaría con su destreza musical. Pero sería más tarde, nos dijo adiós en el año 2020, y hasta entonces nos dejo como herencia discos como "Paradoja" y "Niño futuro", desde hace años obras de lo mejor que ha salido por esta país nuestro tan dado a aupar a mediocres y dejar de lado exquisiteces como lo que hizo Rafael.
"Saturno" y su loa al vino como vehículo sagrado, como instrumento para volar y para caerse, para perderlo todo o para ganar unos momentos de dicha. Vaya emoción escuchar esto. O "Insomne" con ese piano dando la voz a Berrio, como una chanson que es un quejido, como el sueño perdido en una partida de cartas, como la querencia a una paz que no esta hecha para los que sienten volcanes, por que saben que ellos nunca tendrán la calma que desean.
"Sé libre, sé mía", la hizo suya Mikel Erentxun, el cual siempre estuvo pendiente de todo lo que hizo Rafael Berrio en vida y culpable del disco de versiones que hicieron de sus canciones cuando se nos fue, muy lejos eso sí de las originales. Y que decir de "La desgana", se puede decir más alto, pero no más claro. "Creo en la virtud de la desgana". Queda todo dicho. Y luego "Mi reputación" como un Brassens alocado, como un vate que despide sus sonetos para hallarlos en cualquier esquina perdida donde se dejaron besos, promesas, y algún toxicidad mal nacida.
Me encanta la levedad de "Amanece" para terminar con "María Inmaculada", canalla y esplendorosa. Rafael, te echamos de menos. Tus discos descasan en el mueble y me graznan pidiéndome la venía de su reproducción. Y yo me dejo llevar, y no puede dejar de llorar.
Su octavo disco. Como siempre dando la nota en la portada. Así de insoportable es él. También igual de creativo, en un disco que fue número uno en las listas británicas, y que se abre como un tiro con esa guitarrera "I will see you in far-off places", para continuar con la tranquila y hermosa "Dear god please help me".
Tony Visconti produjo el disco, y la cosa la verdad es que se nota. Tenemos de todo lo que ha caracterizado la carrera de Morrissey. Hits inclementes del tipo de "You have killed me" o "The youngest was the most loved", junto a ese barroquismo que nos tenia acostumbrado ("In the future when all's well").
"The father who must be killed" es otra de las piezas destacables de este buen trabajo, digno, y la verdad que ameno sin caer en las ampulosidades tan habituales suya. Se arremanga de melancolía y nos regala "Life is a pigsty".
Ya casi cerrando, mi preferida, la aguerrida y glamurosa "I just want to see the boy happy", como colofón para un trabajo que nos remite al mejor Morrissey.
En este primer disco de este grupo de Chicago, queda claro desde que suena la primera canción, "Camera obscura", que la alegría no es algo que va predominar por este valle baldío de sueños interrumpidos por silencios incomodos.
Slowcore. Y guiños al post rock menos irritante. Paseos como "Waterscene" por paisajes antiguos visitados de los que nos queda nada más que una pequeña resistencia que viene marcada por que a los recuerdos les cuesta emigrar de nuestro cerebro.
"In my pocket a letter, a red wrecked line" es otra estratégica pieza que ondea su bandera de desesperanza con sonidos siempre limpios, al albur de una corte de señuelos para que no perdamos de vista nuestra sin razón por la vida.
Hasta aquí todo bien. En "Flowers over there" se abonan a una dramatismo vocal que quizás rompa la calma total que impera en el trabajo, pero aunque se les nota que tienen aun mucho que mejorar, "Bloodchimes" los pone en algún lugar cercano a Low o Red House Painters, pero eso si, a años luz de distancia. Iremos viendo.
Un grupo formado por miembros de esa gran banda indie casi desconocida que fue Heatmiser y por músicos de Sleater Kinney, no puede ser malo. Y efectivamente, la carrera de Quasi, con sus 10 discos, fue un ejemplo de indie rock beligerante, alegre, repleto de himnos por doquier.
A veces me parecieron los hermanos pequeños de Ween, y en este "American gong", desde que empieza el disco con ese pelotazo eléctrico llamado "Repulsion", lo dan todo con un indie rock vigoroso y efectivo. Vaya puntazo "Little white horse", y esa decadente "Everything & nothing at all", donde bajan el pistón para probarse en la lentitud.
"Bye bye blackbird" es psicodelia con estropajos en los instrumentos, y "The jig is up", es una tonada de renglones torcidos folk, para aligerar algo la contundencia de un discazo de esos que no tiene pero. "Black dogs & bubbles" es otro sabio zarpazo melódico que da paso a la triste "Death is not the end".
Y es que lo bueno que tuvieron Quasi es que lo suyo lo hacían siempre bien. "Rockabilly party" parece una versión del Neil Young más eléctrico para volver a una especie de pop orate con "Laissez les bon temps rouler".
En conclusión, de esos combos de segunda fila, que en ocasiones merecieron mejor fortuna. Los que les conocemos, la verdad es que disfrutamos de una carrera excelente.
El que fuera el cuarto disco del divertimento de Lou Barlow, The New Folk Implosion, es quizás el más redondo de sus trabajos, desde que empieza la inicial "Fuse" donde vemos que el folk del nombre de la banda es solo eso, un nombre.
Aquí Barlow y sus colegas juegan a sonar eléctricos y melódicos ("Brand of skin"), aunque en piezas como "Pearl", bajan el nivel, la cosa se pone divertida cuando suena "Releast" o "End of Henly", dos disparos certeros donde puedes recordar a Sebadoh.
O esa belleza sónica llamada "Coral" pura adrenalina que da paso a "Leaving it up to me" puro divertimento para nuestro sentir. Temas concisos, cortos, pero repletos de cosas que decir "("Creature of salt"), donde hallamos monstruosidades noventeras como "Refuses".
Y es que Barlow es mucho Barlow. Y sino ponte "Proteus" y su funk sideral. Un buen disco, sin duda, este de The New Folk Implosion. Algo para recuperar sin perder tiempo.
Detesto a Morrissey. Sus payasadas dialécticas, su ego desmedido, su dandismo de mentira, sus cancelaciones de concierto por que le sale de los huevos.... Con todo esto, dejando de lado su mediocre persona, tengo que decir que este disco, es muy, que muy digno.
Siempre me gustaron The Smiths, uno de mis grupos de juventud, y los primeros trabajos en solitario suyo son todos una buena continuación de su grupo. Luego, poco a poco, le fue dejando de lado por su histrionismo y por unos discos que estaban todos con el hechos del mismo material demasiado aburrido.
Este "Make-up is a lie" es otra cosa. Se abre de manera fenomenal con "You're right, it's time", para de golpe toparnos con un himno de esos a los que tanto nos tiene acostumbrados, la que titula el lp, soberbia, exquisita, repleta de barroquismo bueno.
En "Notre-Damme" ya mete la pata con sus consignas contra el islam en quizás le peor canción del disco. Pero que bobo eres Morrissey, enclenque mental, que te salvamos por tu capacidad de hacer buenos temas. "Amazona" es una correcta versión de Roxy Music, y roza la excelencia con la tranquila "Headache".
"Boulevard" quiere aspirar a revivir viejos tiempos, pero sabemos lo de cualquier tiempo pasado fue mejor. No le queda nada mal el funky de "The night pop dropped", ni tampoco pop de manual llamado "Kerching kerching".
Luego, casi al final, mi favorita, "The monsters of Pig Alley", y es que siempre queda algo dentro que no se ha ido del que fuera el príncipe de Manchester hace tanto tiempo. Lo dicho, apartemos al odiosos personaje, y quedémonos con su música.
El cuarto disco de la banda de Maese Robert Smith, y la primera bomba de relojería de una carrera repleta de obras maestras. El inicio que tiene este disco, con la desbocada, peligrosa, post punk, "One hundred years", (vaya final de canción, ufff) uno de los pilares de su carrera, es lo mejor para empezar este viaje sónico.. Y es que The Cure siempre fueron por delante de todos.
"Faith" nos gustó. Pero la evolución con este "Pornography" no tiene parangón. Consumidos por excesos de drogas y bebidas, Simon Gallup abandonó la banda cuando se grabó el lp. No nos importa. Lo que vemos en este trabajo es a un grupo que a pesar de su juventud ya tiene asumido que en ese presente para ellos, de 1982, iban a dejar ya un legado, las pistas en el camino para lo que venía después.
"A short term effect" es tormentosa, un himno oscuro que no escamotea ese sonido de alambrada, con la voz de Robert dejando bien claro que existían ángeles negros. ¿Y "The hanging garden"? Otro de esas canciones imperecederas que aun hoy aparece en sus conciertos. Vaya sonido.
"Siamese twins" es la delicadeza de lo oscuro, de esos temas que The Cure hace para que salgan las polillas de tu corazón, pura dulzura envenenada, un confeti para entierros. "The figurehead", con Lol Tolhurst dándolo todo, con la banda entre sombras llenándonos de felicidad.
"A strange day" se reafirma en la condición de un álbum vital en la importancia del crecimiento de una banda a la que ya nadie podía parar. Para acabar, la que titula el disco, otra huella sonora insobornable para que los que pensamos que el tiempo no lo puede todo.
Lo de este duo de Nashville es de nota alta. Luna Kupper y Ash Richter, han hecho uno de los discos más bonitos y delicados de shoegazing de los últimos tiempos con un montón de notas a los pies página para disfrutar a tope con ellos.
Desde ese inicio que bordea el slowcore llamado "In my head", te quedas prendado de la capacidad de estos dos amantes de esos sonidos que tantos nos gustan. Los dos minutos y pico de "Peaches" podrían estar en cualquier disco de MBV.
Luego viene ese trueno sónico llamado "Naoisa", donde la electrónica loca, casi el dance maldito, tomas las riendas de este viaje que la verdad que es una gozada. Y si me me dicen que elija una, me quedo con "Second spring" y ese aire juvenil que te hace sonreír desde el minuto 1.
"Still asleep" es otra carantoña repleta de feedback y burbujas que son queroseno para tu sentir, y "Chloe" es otra andanada de viajes para gozar en tu piel el oxígeno que te hará flotar. El desenfreno máximo con "(Dead B)", para terminar con "Make it last", este disfrute inmediato. Estaremos atentos a ellos.
Para los que aún no hallan caído bajo el hechizo pop del mago Jarvis Cocker, este disco, donde nos encontramos todos sus hits, servirá de anzuelo para poder remolonear y bailar con la música de Pulp. "Babies" y "Razzmatazz", si no estas hechizado al momento con "Do you remember the first time?", aún estás a tiempo.
A los fans convencidos como el que escribe este blog, pues mira, una vacación perpetua en el universo de Cocker, con joyas del calibre de "Common people" (¿quién se puede resistir a ella?), o ese empiece guitarrero de "Disco 2000", verdadera cumbre del brit pop.
Para mí siempre fueron los lideres indiscutibles del género. Como no flipar con "Something changed", o con la suavidad desbordante de "Help the aged". La mejor, mi favorita de su carrera, a continuación, "This is the hardcore", un himno que vence años, edades, mitos.
"A little soul" es un regalo envenenado, y "Party hand" es la más hedonista y festiva de un Cocker que lleva años ejerciendo de nigromante del pop. Y para barroco él cuando quiere con "The trees".
"Sunrise" y "Last day of the miners strike" son los que se eligió para terminar un disco que es toda una delicia. Qué gusto escuchar la voz de Jarvis. Un grande, de los grandes.
De momento es mi disco del año. Y es que volver a Bill es como llenar esa copa que estás esperando para saciar tu voracidad innata de acallar el calor con unas gotas de elixir sagrado. Lo ha vuelto hacer Bill. Vaya forma de comenzar con "Why do men sing",pura adrenalina tranquila para el corazón.
Recién cumplidos los 58 lo tiene claro. Lo suyo es escribir canciones y cautivarnos al instante ("The man i'm supposed to be"), con esa serenidad tan suya que se reparte por las canciones que parecen nacidas de un bosque sin dueño, pero siempre libre de fuegos mortecinos ("Pathol O.G.).
Sus trabajos son de una belleza inaudita, de una calma que socava todos los caos interiores que tengas. Te pones "Stepping out for air", y dejas todos tus males a un lado. O la campestre "Lovely city", donde te amarra bien los sentidos.
Y lo bueno de sus discos es que son largos. Que nos da tiempo para el regocijo. Aquí una hora de intensidad. Con goznes del tipo de "Empathy", o sonadas casi country como vemos en "West Texas". Pero siempre estamos al albur de su arte, de su psicodelia extraña cuando quiere ("Computer").
Pero lo que está claro es que te tiene en sus manos. "Lake winnebago" es para montar un caballo y no parar, y "The world is still", la que da fin a esta maravilla, deja claro que su saber, su destreza, a los 58 años, sigue siendo la pócima mágica que nos llena de tantos buenos sabores de boca.
Me encantan The Montgolfier Brothers, el divertimento de música otoñal de Mark Tranmer y Roger Quigley, siempre pusieron sus notas para acunar mis soledades, para ejercer de un buen bálsamo para esos días llamaba a la ventana de forma insistente las notas del aguacero.
En este, su segundo disco, los de Manchester empiezan con "2.55 Newbuty", introducción genial para lo que viene después. Pop repleto de artesanía en "The understudy", y sobre todo genialidades del tipo de "Be selfiesh", música para olvidarte del ruido, para sentar la cabeza entre sueños de rosas nunca marchitas.
Aquí aparece una de las mejores canciones de su carrera, ese himno triste que titula el cd. Se te pone la piel de gallina cuando avanzas con la canción entre lugares solitarios, con el ruido del viento como único acompañante en uno de esos paseos tan necesarios para pensar.
"The second takes forever" es pura nostalgia para tus oídos y "Swings and roundabouts" es barroquismo con sentido. Que buenos los Montgolfier. Y que decir con esa suavidad que desprende "I couldn't sleep, either", pura apología de la suavidad total.
Ahora que nos achicharramos de calor, nada como The Montgolfier Brothers, para darnos un baño de frescura, una epopeya de dramas con final feliz.
Portastatic, el divertimento del líder de Superchunk Mac McCaughan, es el proyecto donde volcó todos las querencias musicales que en Superchunk no tenían cabida. Y la verdad es que en los seis discos que sacaron, el disfrute es máximo.
Este fue su segundo largo. Y te puedes encontrar desde letanías cercanas y suaves como "Skynny glasses girl", hasta arreones eléctricos que bien pudieran estar en la discografía Superchunk, como vemos en "San Andreas".
Pero el ambiente general es la calma ("Taking you with me"), con cosas tan curiosas y excéntricas como "The angels of sleep", y rizos casi de psicodelia como "A cunning latch". "The great scape" quizás sea lo mejor de un disco que se sabe defender solo, donde predominan los ritmos acústicos ("Running water"), o las baladas para mecer al cansancio ("You can't win").
El plano melódico es el que mejor se le da a Mac. Se nota en "On our hands", donde defiende con actitud todo ese legado de su grupo, que tantas buenas cosas nos dió en los 90. En resumen, para los seguidores de Superchunk, éxito asegurado.
Reconozco que tuve mi desencuentro con la Pj Harvey de la última época. Cosas que pasan. Ferviente admirador que es uno de su etapa gloriosa con "Dry" o "Too bring you my love", sus trabajos a partir de "Is the desire?", me dejaron poco a poco a interesar.
Vuelve el tiempo (como muchas veces ocurre en esto de la música) a poner las cosas en su sitio, cuando nos topamos con este brillante disco, que empieza con una de esas piezas que te deja sin respiración, la mágica, "Prayer at the gate". Acompañado de su inseparable colega John Parish, el tono otoñal del disco ("Autumn term"), favorece el aire de suavidad que recorre todo el trabajo.
Canciones serenas como "Lwonesome tonight", o "Seem a I", te dejan el alma a rebosar de sueños con florestas gratificantes con la paz del espíritu. "The nether-edge" es más experimental, y "All souls" es otra de las piezas más emotivas de este gran reencuentro que he tenido con Pj.
Para terminar y recordar viejos tiempos, la eléctrica "A noiseless noise", un rugido de feedback como el que nos tenía acostumbrados cuando empezaba su carrera. Que alegría volver a ti querida Polly. Se halla confort bajo el calor de su voz, de esa sinergia que crea con unas canciones que te infunden una tranquilidad que espanta. Enorme.
Si el primer disco fue bueno, "She hangs brightly". este quizás lo supera. Vaya sonido de ensueño. Vaya forma de empezar un viaje sonoro perfecto con la maravillosa "Fade into you", cálida, envolvente, repleta de susurros mientras pasa la noche aspirando agonía.
Hope Sandoval lo volvió hacer. "So tonight that i might see" rezuma misterio por todos los costados, calidez, a veces cierta cercanía al sonido de la Velvet como vemos en "Bells ring", un portento de esos que te deja sin palabras.
"Mary of silence" es terrible y oscura, pesarosa, narcótico por vena para días de sombras siempre funestas. Vaya tema. "Five string serenade" es un mar de helechos convencidos del imperio gratificante de su frescor y en "Blue light" te ves sumergido en una catarata de ensueños para poblar tus malos días de olores amorosos tiernos.
Estupendo este segundo disco de principio a fin, con una estructura de ternura, de un vapor que llena los aires de un festín de luces en penumbra como vemos en la maravillosa "She's my baby". En "Unreflected" hay signos de una psicodelia campestre bien llevada y "Wasted" es el blues con la voz de Hope, la que cautiva tus sentidos.
El final con la que titula el trabajo es la forma más espectacular de terminar este viaje repleto de suspiros, de anhelos, de una belleza de esas que te congela el alma.
El segundo disco de esta banda de Illinois, se abre con una de las mejores canciones del año hasta la fecha, este pepinazo de indie rock dramático llamado "Guess", un torrente de electricidad, un marasmo de latidos sincopados, un mar de avispas que te hace sentir por momentos que tu perdida y lejana juventud asoma en los casi cuatro minutos de este tema.
Debutaron en 2024, siendo solo dos con "Where we've been, where we go from here", ahora ya cuarteto, la cosa cobra enjundia con este trabajo, donde te puedes encontrar vitaminas de pop agitado del tipo de "Still around", aunque lo que más me pone es cuando agitan la coctelera y nacen placeres sónicos como "Choo choo".
Quizás baladas pop del tipo de "Alice" desentone con el enfoque general del disco, o quizás hagan de él una figura geométrica con distintos prismas. "Certainty", es pop de violines y grandilocuencia barroca en su estructura.
Lástima que la vena aguerrida no predomine en el disco, si no podríamos estar hablando de otra cosa. Eso si, no fallan los temas, como ese pequeño hit arrebatador llamado "Hot air balloon" que te convence desde el minuto 1.
Curioso es el guiño que hacen a Bowie en "Seven degrees" y la que titula el disco es junto con la inicial "Guess" lo más reseñable de un lp que si pulen en su tercer entrega esta parte más visceral, estaremos hablando de algo muy serio.
"White death & black heart", el segundo disco del grupo formado por la pareja Barbara Lehnoff y Aris Bassetti, aparte de ser el mejor de su carrera (y no tienen disco malo) es un auténtico compendio de hits redondos, de art rock desmenuzando distorsión y melodía (ese inicio con "Anthem of hearts" es una buena muestra de ello).
La verdad es que todavía no sé como Peter Kernel no han salido de un anonimato que no se merecen. "I'll die rich at your funeral" es una fiesta continua de indie rock con enjundia y "Hello my friend" es otra cascada de emociones que reparten distorsión a diestro y siniestro.
Borricos en "Panico! This is love", donde casi parece una versión alocada de McClusky, repletos de una gracia colosal para la melodía, "Captain's drunk!", cuando encienden la máquina de la tensión absoluta, hacen saltar todo por los aires como comprobamos en la brutal "The peaceful".
"We're not gonna be the same again" es minimal y combativa, y en "Make, love, choose, take" se les enciende la vena más juguetona, para encontrarnos después con un himno del calibre de "Want you dirty, want you sweet", de esos temas para radiar una y otra vez.
Si aun no los conoces, no pierdas más tiempo, Peter Kernel es de esas bandas que provocaran en ti una afectuosa sensación de alivio musical. Grandes.
Como todos los discos de la banda norteamericana de shoegazing, Medicine, nos encontramos con una de esas portadas sugerentes marca de la casa, que acompañó cada salida al mercado de una discografía sin peros, sin fallos, donde Medicine se proclama como uno de los mejores grupos de shoegazing salido de EEUU.
En este quinto disco de su carrera, empiezan como un trueno, con ese rutilante single llamado "Long as the sun", donde la banda de Brad Laner y Julia Montreal se lanzan al vacío en un feedback de esos que tanto nos gusta. Nunca Medicine perdió el regusto al noise pop como vemos en la efectista "It's not enough".
Pedazo de banda Medicine, te envolvían con sus tentáculos fabricados con esporas de burbujas repletas de una sensualidad que te llegaba a electrocutar ("Burn it"). Chupachups de pop envenenado como "Butterfly's out tonight", shoegazing de fabricación casera como "All you need to know", todo cabe en este coctel de sensaciones únicas.
"Find me always" tiene aire a Curve, y el final con "Daylight" no puede ser más adictivo, con toda esa parafernalia para nuestro goce. Grandes Medicine.
La verdad es que he quedado algo desencantado tras la escucha de este nuevo disco de Kurt Vile, dedicado a la Philadelphia que le vio crecer, ser quien es. Y eso que empieza como un tiro con la inicial "Zoom 97", un pequeño caramelo de rock tranquilo y frágil.
Se le nota a la legua su querencia por el Neil Young menos catártico como comprobamos en "99 BPM", quizás de la más lograda del lote, pero al rato, cuando aparece "Rock o'stone" y las que empiezan a latir en el disco, te da la sensación de que estás escuchando la misma canción con pequeños matices de cambio.
Hay veces que la jugada le funciona como con la deslumbrante "Chante to bleed", para caer de repente en insulsos viajes a tierra de nadie como la incomoda "Philly's been good to me". "Holiday OKV" repite la jugada, sonido de guitarras siempre muy similares, o las aires hippies de "Every time i look at you" que la verdad me dejan bastante frío.
"Avalenches of Snow" parece remontar el vuelo, con ese aire dulzón por el que transcurre la canción, pero en general después de bastantes escuchas te queda un regusto amargo tras este disco, para mi fallido, de Kurt Vile.
Sin duda "Crooked wings" fue uno de los grandes discos de 2025. Los antiguos bestias del post punk nos destartalaron con un conjunto de canciones donde prima la belleza, la calma, los pasajes que nacen de expresiones parecidas al universo de Craig Armstrong, Cocteau Twins, Talk Talk, un dream pop acariciador, música para flotar ("Bells").
Seis años después de su último trabajo, y de la mano del que fuera líder de Bark Psychosis, Graham Sutton, These New Puritans nos abrió el corazón de una manera como muy pocos grupos lo han hecho últimamente. Aquí hay hondura.
"A season in hell", es quizás la que mas recuerde (siempre con matices) a como eran antes These New Puritans, aunque luego llega "Industrial love song" con la colaboración de Caroline Polachek para certificar que los fantasmas de Talk Talk sobrevuelan cada canción de este potente trabajo.
Es la delicadeza lo que inunda todo, los desarrollos íntimos, la carga emocional que en temas como "I'm already here" te dejan adherido a un combate de soledad perpetua. Que placer escuchar este disco. De principio a fin, sin paradas, todo seguido, para que no se marchite esta secuencia de abrazos acogedores.
"Wild fields", se eleva como catapulta casi industrial, y "The old world" , sonidos de iglesia, te deja la piel de gallina, como "Goodnight" y ese espectacular abanico de suspiros dotados de inmortalidad. Gran disco de una gran banda. De esos que ya se hacen inolvidables.
